ПЕРЕЛІК ДИСЦИПЛІН:
  • Адміністративне право
  • Арбітражний процес
  • Архітектура
  • Астрологія
  • Астрономія
  • Банківська справа
  • Безпека життєдіяльності
  • Біографії
  • Біологія
  • Біологія і хімія
  • Ботаніка та сільське гос-во
  • Бухгалтерський облік і аудит
  • Валютні відносини
  • Ветеринарія
  • Військова кафедра
  • Географія
  • Геодезія
  • Геологія
  • Етика
  • Держава і право
  • Цивільне право і процес
  • Діловодство
  • Гроші та кредит
  • Природничі науки
  • Журналістика
  • Екологія
  • Видавнича справа та поліграфія
  • Інвестиції
  • Іноземна мова
  • Інформатика
  • Інформатика, програмування
  • Історичні особистості
  • Історія
  • Історія техніки
  • Кибернетика
  • Комунікації і зв'язок
  • Комп'ютерні науки
  • Косметологія
  • Короткий зміст творів
  • Криміналістика
  • Кримінологія
  • Криптология
  • Кулінарія
  • Культура і мистецтво
  • Культурологія
  • Російська література
  • Література і російська мова
  • Логіка
  • Логістика
  • Маркетинг
  • Математика
  • Медицина, здоров'я
  • Медичні науки
  • Міжнародне публічне право
  • Міжнародне приватне право
  • Міжнародні відносини
  • Менеджмент
  • Металургія
  • Москвоведение
  • Мовознавство
  • Музика
  • Муніципальне право
  • Податки, оподаткування
  •  
    Бесплатные рефераты
     

     

     

     

     

     

         
     
    Painting in our Life
         

     

    Іноземна мова

    Картина в нашому житті.

    Картина є одним з з найстаріших і найбільш важливих мистецтв. З доісторичних часів, художник и влаштували фарби на поверхні так, що колишні Преса свою ідею про людей і про світ. Картини, художники створюють мають велике значення для людства. Вони надають люди з обох користування та інформаційних Н.

    Людям подобається  Картина з багатьох причин. Вони можуть думати Картина I З гарними. Люди можуть, як квіти що художник використовував або шлях художника організувати D фарбу по поверхні. Деякі картини зацікавити людей з-за способу Художник висловлює деякі людські емоції, такі як страх, горе, печаль, щастя чи любов. Інше картин приємні, тому що вони вміли зображувати природу. Навіть Картини з таких повсякденних сцен, як люди працюють і грають і такі загальні об'єкти, як продовольство і F знижує може бути джерелом задоволення.

    картина також вчити. Деякі показують, що художник відчув про важливому питанні , Включаючи смерть,  кохання, релігія,  і соціальної справедливості. O там картини розповідають про історію цього періоду в ході яких вони були створені. Вони надають інформацію про звичаєм, цілі та інтереси людей минулих суспільств. Картина також розповісти про таких речах, як будівництво, одяг, інструменти і в минулому. Більша частина наших попередні знання про історичні і стародавні часи приходить від живопису та інших видів мистецтва, тому що багато ранніх суспільствах залишають мало чи ні письмових звітів. Було б важко знайти предмет, який ніхто ніколи не намагався малювати. Виконавці фарба те, що вони бачать навколо себе, люди, тварини, природа і неживих об'єктів. Вони також фарба казковий сцени, існує тільки в уяві. Виконавець може досягти в минуле і фарби історичні події, історія релігійної, чи це міф. Деякі художники малюють картини показати, що немає чіткого предмета на всіх. Замість цього, вони організують фарбою Деякі абстрактним чином, що виражає почуття або ідеї, які важливі для них.

    з доісторичних раз, багато художників намалювали суб'єктів, які є найбільш важливими для ІК товариств. Наприклад, релігія була особливо важливим у Європі в середні віки, і велика частина робіт, створених Потім були релігійними. Художник писав доісторичної тварини на стіні в печері Франція, близько 15000 B.  C. Художник жив у той час, коли тварини служили основним джерелом продовольства і одяг для людини. Американський художник Роберт Bechtle Пофарбований зображення людини і його автомобіль, званий 60 F-Bird.  Автомобільний є найважливішим засобом трансп ortation  У сучасному Американської життя. Люди завжди була улюбленою темою художників. Виконавці показали картини intheir люди по-різному. Всі великі Картини, незалежно від тематичні питання, загальну особливість. Вони роблять більше ніж просто відтворюють з фарбою те, що існує, існує або може бути уявити. Вони також висловлює особливу думку художника про предмет. Багато Художники звертаються до природи для їх предмета. Вони називаються малювання сцен ландшафтів і морських ландшафтів, що вони намагаються захопити багато настроїв природи. Натюрморт є фотографіями об'єктів. Натюрморт художники зазвичай роблять ніяких спроб розповісти історію або висловити ідею. Замість цього, вони зацікавлені в об'єкті собі - їх колір, форма, поверхня і простір, в межах або навколо них. Художники часто знаходять своє предмету в минулому. Вони малюють картини, що запис реальної події або міфи давно. Багато хто з цих картин замість цього Нагадаємо минулих справ, слави чи провчити. Багато художників використовували Картини для вираження політичних переконань і соціальних, і на знак протесту проти таких речей, як війни і злиднів. Рух соціальної вираз з'явилося в живописі Протягом всієї історії.

    чином, що Художники організувати кольору, форми або лінії називається складом. Деякі художники Використовуйте не впізнаваний предмет. Замість цього, вони підкреслюють його складу сам по собі. "Піта Мондріана ромбічним композиція в квадраті" є Приклад. Склад

    також важливо, що в живопису є впізнаваний предмет. Fintoiettos "Сан-Марко Рятуючи Слов'янський" є настільки ж важливою для його складу, за історію він розповідає. Fintoretto місце кожній фігурі ідеально прямої увагу до плаваючих фігуру святого Марка вказуючи на слов'янський на грунт. Глядачі можуть насолодитися вмілі склад, навіть якщо вони не розуміти історію.

    багато картин мають були створені для прикраси приміщення або будівлі. Предметом більшості Ці картини є менш важливим, ніж місце картини в рамках загальної Схема обробки. Наприклад, Kaiseraal, кімнату в такому місці Wiirzbourg, Німеччини, має ряд видатних картин Джованні  Баттіста Piepolo. Але ці картини не більш важливим, ніж  вікна, колони, або імітація драпірування в кімнаті. Багато художників і ремісники створили ці об'єкти, і кожен об'єкт став частиною загальної прикрасою кімнати. Картина складається з багатьох художніх елементів. Найбільш важливими елементами включають: (1) кольору, (2) лінія, (3) маса, (4) просторі, та (5) текстуру. Ці художні елементи є важливими для художника як слів з автором. Автор підкреслюючи окремі елементи, художник може зробити фотографію легше зрозуміти або вивести якийсь певний настрій або теми. Наприклад, художник може поєднувати виробляти інтенсивніше емоційні почуття. Те ж художні елементи можуть також бути об'єднані в інший з метою отримання відчуття спокою і relaxation.Color може допомогти художнику розповісти історію, виражати емоції, або, як у Пікассо "мандоліни і гітари"-створив композицію, Пікассо не кольори всіх його формах, як вони з'явилися б у реальному житті. Замість цього, він використовував сильні основні кольори - такі, як блакитний, червоний і жовтий - в частині збалансовані ці кольору з делікатною чорний, коричневий, сірий, засмага, і білого кольорів. Результат приємні складу створеної основному вмілої композиції художника з кольору.

    лінія є головним кошти, які більшості художників створити форми, в свої картини. Об'єднавши Лінії різної довжини і різних напрямків, художник робить малювати картини. "За два Акробати з собакою", Пікассо використовував лінії показати по краях його фігури. Деякі лінії товсті і деякі тонкі. Виконавець підкреслив лінію, щоб глядач усвідомлює округлість форм та і тонкість тонкі фігури юнаки і Фігура собаки.

    масової дозволяють Художник, щоб виразити відчуття тяжкості в картині. Пікассо створив "Мати і Дитя" 'в основному в одиницях маси. Громіздкі, тверді Поява фігури на картині вражає глядача. Художник зробив Малюнок виглядати, як ніби вони зроблені з каменю або інших важких матеріалів. Автор Підкреслюючи, маса, Пікассо зробив цифри здаються пам'ятниками, яка триватиме довгого часу.

    простору. Маючи в своєму розпорядженні Лінії, кольору і світлих і темних областей у певних способів, художники можуть створити Поява великого простору, навіть якщо вони дійсно фарба на маленькі, плоскі поверхні. Художник може створити об'єкт подивитися квартиру або тверді, і або закрити або далеко. У деяких картинах, простір грає настільки ж важливу роль, як твердий форми. Пікассо "Той, Хто сидить Купальниця" показує вмілого використання космічного простору. Отворів між bonelike форми настільки ж дорогою і цікавою, як твердий форм у живописі.

    Текстура відноситься до Поява поверхні картини. Фарби картини, може бути товстим і грубий або тонкий і гладкий. В "Жінка Оплакування", Пікассо створив грубий текстура за допомогою товстої Штрихи фарби. Ця текстура додає до хворобливих емоційним відчуттям картини.

    Якщо говорити про методи, ми повинні почати з фрескового живописом. Фрескового живопису є Техніка, в якій художники фарбами на стіни поштукатурені, а штукатурка ще вологі. Фреска художники прикрашають як всередині, так і поза її стінами. Їхні роботи вносять великий внесок у красу будинків і будинків. Фрескового живопису є особливо добре підходять для прикраси стін у великій церкви, уряд будинки й палаци. Фреска, на відміну від багатьох інших технік живопису, не має глянцеві блискучі. Shine б зробити фреску важко судити з певних ангели. Фрескового живопису досягла найбільшої популярності з 1200 "S через 1500's. Італія була центром фрескового живопису в цей період.

    Провідні фреска Художники включений Джотто, Андреа Мантенья, Мазаччо, і Мікеланджело. Протягом 1900 переглянутий мексиканських художників фрескового живопису. Вони включали Хосе Клементе Ороско і Дієго Рівери. Мексиканські художники оформлені багато громадських будівлі з великими фресками, які показують сцени з мексиканської історії.

    Акварель Картина може бути здійснено двома основними методами, (1) прозорого кольору води і (2) гуашшю. Прозора вода кольору фарби з пігментів у поєднанні з гуміарабік пов'язує. Художник з допомогою цієї техніки освітлює кольору, додавання води до них. У більшості інших методах, художник додає білою фарбою полегшити кольору. Глядач може бачити підтримку через шар прозорої води кольору. Гуаш також зроблені з гуміарабік пов'язує. Але в виробничого процесу, трохи білого пігменту або крейди додається до справи непрозорою фарбою. Непрозорі означає, що глядач не може бачити крізь шар кольору. Виконавець допомогою гуаші техніка робить кольори легше, додаючи біла фарба на них. Повинно стилі сучасного прозорого та гуаш акварель Картина виріс із методів, розроблених в Англії, Франції та Нідерландах в 1700 і 1800. Але фарби акварель була використана для прикраси стін і декоративних об'єктів у Давньому Єгипті і Азії, і в Європі в середні століття.

    Енкавстика Живопис припускає використання розплавлений віск в якості сполучного. Чистий бджолиний віск є кращим видом Віск для цієї мети. Енкавстика Картина була широко використовувалися в Греції, як уже 400, до н.е., але близько 800 року, техніка були покинуті. У 1800-х років, художники намагалися використовувати воскові фарби для зовнішніх розписів. Кілька живописців 1900 використовували техніку для станкової картини. пофарбовані

    Пастелі Мел палички. Вони виготовляються з пігментів і невеликої кількості клею зі слабких. Багато художники, які отримують особливо добре, як працювати в пастельних, оскільки вони можуть використовувати палицю як олівець при виробництві блискучий ефект кольору.

    Два французьких художників в 1700 Шарден і Жан-Моріс Квентін де ла Тур, зробив відмінний пастельні портрети. Видатний французький художників 1800-х років, у тому числі Едуард Ман, Жан Francais просо, П'єр  Огюст  Ренуар, часто працював в пастелі. Вони захопили візуальні ефекти світла і атмосфери в чистому пастельних кольорів. Едгар Дега, іншого французького художника Купальниця,  танцюристів, люди працюють.  Дега також звертається, блискуче кольорові роботи довели, що пастельні може стати серйозною техніці живопису.

    є темпера Техніка, в якій яєчний жовток використовується як що пов'язує. Більшість картини яєчна темпера виконуються по дереву.

    художника зазвичай темпера застосовується штраф у чіткі удари з розписом пензля. Фарба висихає Майже відразу в тонкий, водонепроникний каботажних. Темпера висихає швидко, і тому мазків не змішуються легко. Як правило, художник розробляє тону зображення через серію тонкі штрихи закладені одна з одною. У темперного живопису, найбільш формами є чіткими і чистими. Тони яскраво і детально є точними і сильними.

    художник повинен Не застосовується темперного фарбою занадто густо, тому що фарба тріщини за умови їх застосування важкі шари. Темперного живопису потребують захисту від бруду та подряпин і тому він художник зазвичай застосовується пальто зникають до готової картини.

    темперою Техніка досягла найбільшої популярності між 1200 і 1500 в Європі. Красиві фотографії були написані темперою ході 1200 і 1300 в Сієні, Італія, Дуччо ді Буонінсенья і Сімоне Мартіні. Кілька сучасних американських Художники використовували темпера вміло. Вони містять у собі Бен Шан, Марк Тобі, і Andrew Wyeth. проводиться

    Масляні фарби шляхом змішування сухого пігменту з речовиною рослинного масла. Лляне масло є Найбільш загальноприйнята пов'язує. Деякі функції олійною фарбою зробити його популярним серед художників які хочуть показати природне поява Світ навколо них. Нафта фарба, навіть при застосуванні густо - не тріскається, так легко, як вода робить фарбу або яєчної темперою. В результаті, художник може застосовуватися масло в тій чи іншій Товщина виробляти широкий діапазон текстур. Кожен художник розвиває його або її власний метод роботи з масляною фарбою.

    Картина маслом перший стали популярними в Європі в 1500's. У 1700 вона стала Найбільш поширений метод живопису. Він як і раніше, віддає перевагу техніці багато Виконавці сьогодні.

    Ніхто не знає, коли люди вперше малював. Вчені дата найстаріших відомих картин на близько 20000 до н.е. високу якість цих робіт показує, що люди почали намалювати картини набагато раніше.

    єгипетської живопису. Стародавні єгиптяни почали картина про 5.000 років тому. Вони створили одну першим певної традиції в історії мистецтва. Єгипетські художники розписом на стінах храмів і палаців, але більшу частину своїх кращих робіт З'явиться в гробницях. Як і інші народи рано, єгиптяни вважали, що мистецтво магічний спосіб транспортування речей цього світу в світ, люди вступили після смерті. Виконавці єгипетських гробницях прикрашені фресками показані особи та Об'єкти, пов'язані з життям із мертвих. Єгипетські художники пофарбовані відповідно до жорстких правил, які майже не змінилися за тисячі років. Цифри вони звернули дивитися жорстка. Головах людей в картині завжди звернений в сторону. плечах обличчям і тілом на фронт, і ніг фарбою в бік. Важлива особи більше, ніж інші люди.

    Виконавці Пофарбований могилах тільки на благо богів і душі померлих. Могилах Були масштабується і красиві кольорові фрески були призначені ніколи більше не буде бачив.

    крітської живопису. Близько 3000 до н.е. - в той час як єгипетська цивілізація була процвітаючим - ще один великий цивілізація розвивалася на острові Крит. Критяне, мореплавання люди, часто вступав у контакт з єгиптянами. Критяне прийняті деякі Елементи мистецтва єгиптян, в тому числі єгипетський способом малюнок людської фігури. Але стиль критського

    НЕ  є  STI ffness ТН E єгипетських вул YLE картини критський живі, і цифри в них, схоже, плавати і танцювати. Більш важливими. Пай Критські nters,  На відміну від єгиптян, були зацікавлені в житті цей світ. Вони використовували картини для прикраси будівель, а не приховувати Картини в гробницях. Таким чином, критського мистецтва стала сполучною ланкою між єгипетським мистецтвом, який наголосив на смерть, і древніх грецьких і римських мистецтв, які стосуються життя.

    Gree До живопису. Стародавні греки зробили більше досягнення в архітектурі та скульптурі, ніж у живопису. Майже всі збереглися грецьких з'являються картини на кераміці. Греки зробили прекрасної форми Кераміка і намалював його зі сценами з повсякденного життя і з розповідей про богів і героїв.

    грецьких художників Наприкінці 600 і 500 до н.е. 's Пофарбований чорні цифри на природно червоний Кераміка. Цей метод став відомий як чорне стиль фігури. Художник їм Exekias  був майстром цього стилю. Близько 530 B. C. Грецькі художники розробили червоний стиль малюнка, зворотна сторона чорна фігура стилю. Ці художники розписали фон їх гончарні в чорному, і нехай натуральне червоне показати через форму на ці цифри. Малюнок червоним художників, як Грецькі скульптори той же період, створили надзвичайно реалістичні цифри. Ця " ідеальний ячмінь LE "  стало головною якістю так званої класичної Мистецтво грецької і римлян.

    грецьких скульпторів зробив реалістичні цифри, і вказав, почуття, вираження особи або фізичної поза. Це був стиль скопійований скульпторів римського й "Ренесанс-ті скульпторів. Вона служить D як основного стилю Європейська скульптура до кінця 1800-х. Греки думали їх богами час як люди, і скульптори зображували богів, як люди в таких роботах, як " Грецький бог Посейдон "  або " Зевс " . Вони показали, люди як богоподібними істотами. Сама рання важливо класичної скульптури з'явилися на Храм Зевса в Олімпії.  Висока точка класичного стилю, як правило, вважаються скульптури Парфенона в Афінах. Скульптура прикрашені саркофаги з рельєфами. Портрет скульптури Також почалося в цей період.

    Ми знаємо більше про Роман Живопис, ніж грецька живопис, тому що більш широкий вибір картин Римська вижила. Римська художника

    були сильно під впливом греків. Вони дали цифру в своїх картинах ж реалістичного якості. Римські художники додали в реальності своїх роботах живопис переконливі ілюзії глибини, тіні, тіні і відбитого світла. Деякі з кращими зразками римського живопису були знайдені в руїнах міста Помпеї. У будинку двох братів, їм Vettius містить фрески зображують розповіді про lxion, міфічного героя. Ці фрески складаються з ретельно Designed Пофарбований панелі.

    римської скульптури. Кращий твір про римських скульпторів, ймовірно, їх масове виробництво портрет Скульптура. Щоб задовольнити величезний попит на портретні погруддя, римляни розробили Набір стандартних символів для волосся, очей, носа і рота. Студент навчився вирізати, відтворюючи ці дані точно, а не копіювання життя моделі. Художні школи використовували цей метод навчання, поки не далі як 1940's.

    римляни глибоко релігійним, і багато рельєфи з вівтарів показати або символічних церемоній оповідань. Відомий приклад такої скульптури Ara Pacis (Вівтар Світу) в Римі.

    римляни були особливо зацікавлені в Показані історичні події, тим, що Греки уникали. Полегшення пам'ятних арками та колонами розповісти історію повній військовій кампанії. Найвідоміший колонки Колонка троянських і Колона Марка ореоли.

    східної живопису, Живопис Азії, має три основні гілки - індійської, китайської та ісламської.

    індійської живопису, перш за все релігійного мистецтва. Індійські художники створюють свої твори, щоб допомогти людям спілкуватися зі своїми богами. Їх головна тема включати богів і розповіді про боги і святі люди. Індійські художники фарбами на рукописів священних текстів, на Банери та wallhangings, і на стінах. Вони направляють всі елементи їх фотографії в бік збільшення релігійного досвіду глядача. Кожен об'єкт і фігури у своїх картинах має особливий сенс. Боги, як правило, зображується червоним і лютим, щоб показати свою велику державу. Їх багато зброї Нехай вони виводять всі символи своєї влади одночасно. Бог з'являється войовничі та сповнені руху, який показує, що він може перемогти своїх ворогів. Художники не намагаються показати, боги і інші фігури в реальному просторі. Всі цифра здається, плавають у небесну атмосферу. Вони сидять на хмарах або Lotus рослин. Хмари та кільця полум'я - які символізують всесвіт -- оточити головні фігури і заповнення фону з закрученою рухів і кольору.

    Китайська живопис. Основними релігіями Аль-китайськи підкреслив любові до природи. Почасти як результат, Дерево основними видами предмету домінують

    китайського живопису. Вони птахів і квітів, фігур, і ландшафти сільській місцевості, гори і море. Китайський пейзажистів спробував створити відчуття союз між людським духом і енергією вітру. води, туману, і гор. Такі картини відображають китайським повір'ям, що є внутрішнє гармонію і баланс між всіма речами в світі. Китайські художники використовують чорний чорнило, які можуть робити різні тони і пензлем, які могли б багато видів ліній. Виконавці створив багато картин в чорним чорнилом. Навіть якщо вони додали колір, малюнок тушшю залишається основою конструкції. Китайський платити більше увагу на мазків, ніж до цього питання. Більшість збережених Китайська живопис розписані на шовку або абсорбаційні папери. Багато художників на стінах або великих екранах. Всі ці картини вимагають спеціального вивчення. Виконавець бажають, щоб їх робота буде розглянуто тільки тоді, коли глядач встиг насолодитися їх без залишку.

    У Китаї, художники, як поети і вчені, вважаються особами навчання і мудрість. Китайські картини були тісно пов'язані з поезією. Багато китайських картини об'єднати певні об'єкти, такі як особливе птицю або квітка, тому що Об'єкти, пов'язані з відомим віршем.

    китайських художників Проводиться багато більше пейзажі, написані на довгих сувоїв. Глядач розгортає Повільно прокрутки справа наліво, відкриваючи безперервну послідовність сцен у сільській місцевості. Ці сторони знаходяться в свитках однозначно китайського мистецтва. Освідчення з них вимагає багато терпіння і думки.

    Ся Гуй і Ма Юань створили стиль ідеалізованих пейзажів, які значно вплинули китайські та Японські картини.

    прав цифри Також важливо в китайському живописі. Художники писали портрети як реальні, так і уявних людей. Вони писали сцени, що ілюструють історію та історичні суб'єктів. Багато картини показати елегантною, вишуканою життя при дворі. Деякі з цих знімках меблі і декорації дуже докладно. Інші рівнина фон. Всі ці картини відрізняються тонкістю лінії.

    японського живопису входить до традиції китайської живопису, бо мистецтво Японії було Величезний вплив Китаю. Однак японські змінив китайського стилю відповідно до свого смаку. Японські використання кольору і абстрактного дизайну було перетворив мистецтво в новій формі вираження. Японські художники цікавить час і місце, в якому вони живуть. Їхні картини Показати їх любов до розповідей, а також мистецтво, яке апелює до емоцій і почуттів.

    З 1500 по 1800-х років, японські художники розписом в стилі, який рішуче підкреслював кольору і дизайн. Ці художники були названі декораторів. Декоратори опущені подробиці з їх малюнків і підкреслила, тільки контури. Вони застосовували їх рівномірного кольору без яких-небудь відтінок. Декоратори часто додають сусального золота для розпису по Ефект розкоші. Кращі декоративні розписи були картини природи, Особливо тварини, квіти та пейзажі.

    Протягом більшої частини її історії, японського живопису відображає смаки вищих класів. Але японський стиль найбільш відомих на Заході мистецтво загальноприйнята люди. Стиль називається Укійо-е (Floating World). Плаваючий світі Світ задоволень і розваг, а також великих артистів і красивих жінок.

    ісламських картини в першу чергу створення гарних книжок через каліграфії і малюнка. Каліграфів скопійований текст в елегантний почерк, і художники додали ілюстрація до збільшення красу книг. Каліграфів скопіювали текстах Корану, ісламські святі книги, на сторінках, які потім були покриті сусальним золотом. Ранні ісламські художники прикрашають сторінки, складні візерунки тому що їхня релігія забороняє виготовлення зображення людських істот і тварини. Проте, з часом, багато ісламські художники - особливо ті, що живуть в Персії - почала малювати людини і тварин, цифрами.

    На додаток до Коран, перська проілюстровані художниками колекції байки, історії, любов віршів і наукових робіт. Ці ілюстрації Jewel - як колір, Найбільш важливим елементом в ісламській живопису. Художники не намагалися зобразити в реальному світі, а замість цього спробували створити розкішний, ідеальним місцем для радують око і імітації уяву.

    середньовічного живопису відноситься до більшості мистецтва, створені в Європі в період близько 100 років. Цей період почався з падіння Римської імперії в 300 н.е. і 400 і закінчується з початком епохи Відродження в 1300's. Майже всі середньовічних художників стосується релігійних сюжетів, вони розробили кілька стилів. Один з цих стилів, які називаються візантійськими, стала найважливішою традицією Серед християнських художників зі Східної Європи та Близького Сходу.

    візантійського живопису. Починаючи з ери 300'S, східних християн Поступово відокремити від західних християн, які були під владою Папи в Римі. Східними християнами мистецтво називається візантійської, тому що релігія зосереджена в місті Візантії (в даний час Стамбул, Туреччина). До 500'S, візантійські художники розробили спеціальний Стиль релігійного живопису. Візантійський стиль живопису залишається багато в чому незмінними і до цього дня. Візантійські картинках барвисті, але unlifelike цифри, що стоять за релігійні ідеї, а не флеш-і-кров людям. Художники не були зацікавлені в методах, які допомогли б показати світу, як це був. Як правило, вони ігнорували перспективу і віддав свої твори плоский вид. Вони широко використовували символи у своїх роботах для того, щоб розповідати історії.

    віці від CJTeat Російське мистецтво. Коли Росія

    прийняли християнство від Візантії в кінці 1000, важливим частини Культура пересаджені на російський грунт раннього середньовічного мистецтва, що Візантія були доведені до рівня великої складності. Для православної церкви, ікони (зображення святих персонажів чи подій), де невід'ємною частиною відправлення релігійних обрядів і богослов'я, що свідчать про реальність втілення. Характерно ікони написані темперою на дерев'яній панелі, хоча вони можуть бути іншими матеріалів, а також картини фрески (іноді мозаїки), з яким ранньої церкви прикрашений завжди однаково "знаковим".

    Після татаро Завоювання будівельної діяльності, а разом з ним живопису, відродив поступово протягом 1400 роком. Новгородський перший, потім все в Москву, були основними покровителями, але політична роздробленість часом призвели до продуктивної творчої діяльності в в невеликих населених пунктах. Контакти будуть] Світ Середземноморський відродилася: сербська Художники працювали в Новгороді; уроки грецької Феофан (російською мовою Феофан) працював як там, так і в Москві. Але доморослий талант зробив це великий вік російського живопису; зокрема чернець Андрій Рубльов (бл. 1370-1430). Він перший реєструються в якості одного з художників московського Благовіщенського собору 1405. Він, мабуть, в курсі нових стилістичних течій у візантійському мистецтві час - і також передає елліністичного імпульс за візантійському мистецтві в цілому. Відомі так звані "01d Трійця була написана в пам'ять св Сергія, коли-Троїцький монастир був відновлений після рейду татарського 1408. Сцена Гостинність Авраама: три паломників, які визнаються як кути, Наведено їжі Авраама і Сари.

    кілька ікон вижити від Київської Росія: ті, які роблять основний відображення статичної unclutted монументальність. У ранній період татарського російського мистецтва, відкинуті на свою власну ресурси, показує, "якість народної", з виразними, пластикові і спотворень спрощень ячмінь фігурою і чіткими, unnaturalistic кольору. Коли російська Культура відроджений в кінці 1400-х його мистецтва була можливість використовувати обидві ці аспектами свого минулого, але й на нових міжнародних контактів, перш за все, з Візантія. Були, безумовно, також контакти з південних слов'ян, але ніхто може бути доведено із Західною Європою. Кращі художники пізнього середньовіччя Православних земель, схоже, прагне тендер вираженість, хоча у випадку Рубльова у поєднанні з авторитетом і чисто і монументально лінії. Там здається бути по-справжньому класичних імпульс у роботі тут, будемо озиратися на дворянство київського мистецтва чи за допомогою останньої візантійської моделі для якийсь вишуканий Елліністичного спадщини. Живописців 1500, здавалося, розділяли загальні зацікавленість у unnaturalistic але часто драматичні ефекти світла, особливо в такі, як сцени Преображення Господнього і Зішестя в пекло, це розумно бачити в цьому ефект містики ісихастів.

    Іконописці були сингулярного можливості на початку 15 00 як результат розвитку Іконостас дерев'яний екран закриття вівтар церкви і одягнений з ярусами ікон, часто життя Osize або більше. Центральний рівень ( "Предстояння") представлені святі клопоче з Христом від імені тих, хто молиться. Іконостас як галерея уявлень святих порівнюється з великими скульптурними порталами західних середньовічних соборів, а Відкриття та закриття дверей центрального зміцнення драма Літургія. вплив цілого атмосфері збільшується на фресках, що охоплюють всі інтер'єр Стіни та стелі. Добрими прикладами таких вижити, хоч і фрагментарно в Новгород (Друга світова війна призвела до значної втрати тут), і включають в себе картини Феофана. Є стіни картинами Рубльова в Успенському соборі в Володимир. Невелика кількість дуже дрібних освітленні книгах Євангелія період були віднесені до кіл обох художників. Починаючи приблизно з

    1400, європейська живопис процвітала як ніколи. Це епоха великих Живопис відбулося в період історії називають ренесанс. Ренесанс почалася в Італії близько 1300 року і поширюється на північ. До 1600, він здійснюється майже всій Європі.

    один дуже важливий аспектом епохи Відродження було велике відродження інтересу до мистецтва та літератури Стародавнього Риму. Це пожвавлення буловеличезний вплив на живопис. Релігійні предмет залишається важливим. Але художники включали елементи римського Архітектура в свої картини. Італійського міста Флоренції і північних Європа - регіон Фландрія стали основними центрами живопису раннього Відродження.

    Сандро Боттічеллі, один з найбільших флорентійських майстрів, став провідним перекладачем Неоплатонізму. Неоплатонізм була складна релігійна теорія, що комбіновані давньої міфології, грецької філософії та християнства, щоб пояснити Бога, красу, і правду. Боттічеллі "Народження Венери" заснована на грецькому міфі. Міф розповідає, як Венера, богиня краси і любові, народилася в морі і Blown на берег, по оболонці вітрами. Стиль і перспективи фотографія не слідують скульптурні стилі Стародавньої Греції. У своїй спробі висловити духовні якості, Боттічеллі повертається до майже середньовічному стилі. Тіло Венери криві таким чином, що вона виглядає так само, як паперових ляльок плаваючий в повітрі. Дизайн картина більш плоским і декоративним, ніж у більшості Італійське мистецтво.

    Леонардо да Вінчі була, імовірно, найбільше художником 1400 роком. Його портрет "Мони Лізи" і його релігійні сцени "Таємна вечеря", є одними з найвідоміших фотографій ніколи пофарбовані.

    Леонардо, як він майже завжди кликав, підготовку до електронної художника. Але він став одним із самих універсальні генії в історії. Його інтереси і досягнення поширилися на Дивно різних областях, такі як анатомія, астрономії, ботаніки, геології. Картини Леонардо зробив його знаменитим, і його більш витончений підхід ознаменував Початок у стилі Високого Відродження.

    Леонардо закінчена Картина "Таємна вечеря", близько 1497. Він створив знамениту сцену на стіні Обідня зал в монастирі Санта Марія делле Граціє. Це показує, що Христос і його 12 апостолів тільки після того, як Ісус оголосив, що одна з них буде зрадив його. Леонардо змінили традиційну композицію з фігур з лінія 13 цифр на кілька невеликих груп. Кожен реагує по-Апостол різні способи оголошення Христа. Ісус сидить в центрі сцени, Поряд з іншими цифрами складу Леонардо створює більш активної та централізоване дизайну, ніж раніше художники були досягнуті.

    Коли картина " Таємна вечеря "Леонардо відхилив техніці фрески, звичайно використовувані для стін картини. Художник, який використовує цю фреску метод повинен працювати швидко. Але Леонардо хотів писати повільно, переглянути свою роботу і використовувати тіні - все , Які були б неможливі в фрескового живопису. Він розробив новий методи, які беруть участь покриття стін з з'єднанням він був створений. Але комплексу, який повинен був провести на місці і захистити його від вологи. Не працює. Незабаром Леонардо завершив малюнок, фарба початку розшаровуватися. "Таємна вечеря", як і раніше існує, але в поганому стані.

    "Мона Ліза" є портрет Лізи дель Giacondo, молода дружина флорентійського купця. Це часто називають "Джоконда". "Мона Ліза" стала відомою через таємнича посмішка цієї теми. Насправді, Леонардо показав обличчя жінки рухомі або з неї посмішку. Він домовився, складені руки так, щоб фігури сформував піраміду дизайн. Техніка Леонардо вирішена проблема, яка зіткнулася Раніше портретистів. Ці художники були показані тільки голови та верхньої частини тіла, і живопис, здавалося, відрізав цього питання на шахрайство. Леонардо розміщення в руки "Мона Ліза" дала жінці більше повний, природний вигляд. Загалом, картина Леонардо чудові за їх використанням делікатного й тіні їх зміст руху.

    На початок 1500's, Римі, Флоренції замінив в якості головного центру італійського живопису. тато жив у Римі, і вони витрачають величезні суми на мистецтво Риму, щоб самі славне місто християнський світ. Крім того, два з найбільших художників в історії - Рафаель і Мікеланджело - там працював. Стиль живопису що з центром в Римі на початку 1500, називається Високого Ренесансу. Це поєднує в собі елементи багатьох більш ранніх стилів, у тому числі витонченої фігури, класична Римська реалізм, і лінійної перспективи. Робіт Рафаеля і Мікеланджело Best Show стиль Високого Відродження живопису.

    Рафаель писав збалансований, гармонійний конструкції, які виражають спокійну, благородний спосіб життя. Цей стиль звернулися до італійців початку 1500's. Протягом цього періоду, Римська Католицька церква була впевнена в її вищої позиції в Європі, а також провідні Італійці були переконані, що велика класичної римської цивілізації були відродилася і процвітає в Італії.

    Рафаель сильний вплив стилю Леонардо да Vinces з організації у формі цифри піраміда. Він використав це композиційне форма часто в серії картин Мадонна (Діви Марії). У цих картинах Мадонни як витончений як богиня. Її чином пропонує ідеальний Ренесанс що хороша жінка повинна бути вірний, скромний і чисто.

    Рафаеля "Школа Афіни "охоплює одну стінку строфи (номер в особисті покої папи у Ватикані). Він використав фактичний арку в стіні, щоб кадр картини. Три арки пофарбовані служити в якості фону для древніх грецьких філософів і вчених в передній частині сцени. У центрі, під арками, Стенд Платона і Арістотеля, провідні філософи. Рафаель згруповані основні Представники школи грецької філософії і науки у випадкові, але ретельно організованих заходів. Сцена висловлює почуття ясності, простору, і на частку яких Рафаель став знаменитий.

    Mickelangelo працював як скульптора, поки Папа наказав прикрасити стеля Сікстинської Каплиця у Ватикані. "Створення Адама" є одним з frexo Каплиця стелю. Він показує Бога що рухається на хмарі серед багатьох ангелів. Він поширює цифри до Адама піднімає руку, щоб отримати іскру життя. Мікеланджело людські фігури більш скульптурним і solidlooking ніж Рафаеля. Рафаель цифра здається щасливим і більш витонченим, але не настільки herac і потужними, як Mickelangelo's.

    венеціанської живопису. Венеція займає друге місце в Рим як центр італійського мистецтва в період 1500's. Венеція була комерційний місто, який обробляється велика частина торгівлі між Європою та Схід. Венеціанські художники показали вплив східного мистецтва в їх захоплення кольором. Їхні роботи також свідчать про тенденцію до відмови від зацікавленості в жорсткий план і скульптурні та героїчні діячі знайшли в картинах Флоренції та Римі. Венеціанські художники спробували догодити і глядачам розслабитися замість того, щоб надихнути їх благородній справі. Джорджоне, Тиціана і Тінторетто були Найбільш відомим. Вони всі були neasters олійного живопису.

    текстура Фарба сама зацікавлена Деякі венеціанських художників більше, ніж предмет. Ці художники щіткою на їх фарбою в товстих штрихів. Іноді вони здаються майже до намалювали свої картини в Підмітальні мазки. Ці фотографії часто повні руху і дії, і запропонувати глядачеві уявних Світ, де він може розслабитися в присутності гарних жінок і прекрасної природи.

    Counter Реформації, римсько-католицької церкви у відповідь на протестантську Реформація, і зростання націоналізму в багатьох європейських країнах, допомогли призвести до значного стиль живопису - бароко, барокко і пов'язані стиль, рококо, домінує європейська живопис ході 1600 і 1700 років. Реформація змусила Римсько-Католицької Церкви до організації проти протестантизму. Церковні влади хотіли використовувати мистецтво, з метою поширення ідей та католицька навчаннями. Церква сказала художників, що вони повинні створювати релігійні картини , Який буде реалістичним і легкими для розуміння і - найголовніше - будуть вселяти релігійні емоційну реакцію глядачів. Ці якості формуються Основні барокового стилю картини.

    Пітер Пауль Рубенс Фландрія була одним з найбільших художників, які прийняті в стилі бароко стилю. Він вміло поєднуються реалізм і класичного стилю. Рубенс був також під впливом венеціанської техніці живопису, в товстих олії.

    "Висота Хрест "показує стилі бароко Рубенса. Ця картина є досить емоційне релігійні сцени. Кілька напівголих тел штамом зняти Ісуса хрест як глядачі дивляться на в смутку і страху. Рубенс посилили почуття дій і боротьби, звернувши його до складу діагональних ліній. Він далі підвищена фари картини заклик картини підкреслюється в товстих маси пігменту і темних кольорів в напівпрозорому коричнюватий глазурі. Картина показує чудові здібності Рубенса в розробці в студії і зайнятого багато помічників, з яких Антон Ван Дейк був найвідомішим. Дієго Velkazquez, , Який писав на іспанський суд, інший майстер барокко. Обидва Ван Дейка Веласкес і знайшли найбільшу популярність як портретистів. Їх портрети показав, правителі в аристократичні пози. Такі портрети призначений для відображення vertues та гідності правителів. Це називається типом елегантний портрет Держава портрета, і стали популярні в 1600. В усякому разі, Веласкеса ' Портрети представляється більше як особисті фотографії з сімейного альбому, ніж картини реклама правителів.

    голландського живопису. Автор Наприкінці 1600 Нідерланди стали одним з основних світових комерційних і колоніальних держав. Як країна набула багатства, голландці стали зацікавлені в розкоші, у тому числі твори мистецтва. Їм подобається майже будь-який предмет що

    нагадав їм про свій власний зручний середнього класу життя. Голландські художники розробили різні стиль під час бароко. Багато голландські художники спеціалізуються на картині конкретні питання, такі, як побутові сцени або сцени таверну. Картина, яка займається з такими звичайними, називається повсякденні предмети побутового живопису.

    Ян Вермеер ймовірно, займає найбільшу голландський художник жанру 1600. Носороге і інших голландських художників жанру пофарбовані маленькі картинки, більшість з яких були гладкими, засклені поверхні. Вермеер, майстер живопису інтер'єр сцени, як правило, зображували жінок, що працюють в тихому домашніх обов'язків. Його мистецтво в зокрема, зазначив для його лікування сонячного світла, як повені в кімнату, або падає на об'єкт.

    рококо було Живопис стилю, що розвинені з бароко. Рококо художники дали Картини декоративна якість бароко. Але вони писали більшість своїх зображення на меншому масштабі, ніж в стилі бароко художники. Багато чого бароко Картина була енергійною і героїчний. Живопис рококо передається сенс релаксації. Він також був легким серцем і не було ніяких серйозність барочна живопис. Antone Ватто і Оноре Фрагонара є найбільш відомими Рококо художників.

    неокласицизму була руху в живописі, яка відображає політичні зміни в Європі. Французька Революція, яка почалася в 1789 році, підкреслили гідності римської цивілізації. Ці чесноти включена дисципліна і високі моральні принципи. Нео-класична Художники допомагали виховувати французького народу на цілі нового уряду. Вони писали надихаючі сцени з римської історії, щоб створити відчуття патріотизм. Вони Жак-Луї Давид і Жан Огюст Домінік Франції.

    романтизму Реакція проти нео-класичних акцент на збалансованій, впорядкованої картини. Романтичні картини висловив уявою і емоціями художників. Художники замінили чисті, яскраві кольори і гармонійному від складачів Неокласицизм сцени насильницької діяльності театралізованого енергійні мазків, багаті кольори і глибокі тіні.

    Дві Англійська художників - Джон Констебл і Джозефа Тернера МВт-вніс важливий внесок у романтизму. Констебль був майстром пейзажного живопису. Він розробив стиль грубого мазка, і зламані квіти зловити здійснюється вогнів у повітря, дерева зігнуті в вітер, і поверхні ставка зворушені вітром. У своїх роботах він намагався відобразити в картинах маслом свіжі якість ескізів акварель.

    Тернер більше занепокоєння з приводу наслідків кольору. Наприкінці свого кольору робіт став одним яскравим вихором фарбу на полотно. Вплив констебль Тернер і з'явився в кінці 1800 "S в роботах французьких імпресіоністи.

    реалізм. Як нео-класицизму і романтизму скоротилося, нові рухи - Реалізм - розроблений у Франції. Guctave Курбе став першим великим майстром реалістичного живопису. Курбе, писав пейзажі, але його бачення природи було не так як ідеалізований у інших художників. Він записав Світ навколо нього так різко, що багато його роботи були розглянуті соціальні протести. У однієї картини, наприклад, він зображував старого і молоді в болісної роботі розриву порід з молотів. Виконавець має на увазі, що щось не так з суспільством, яке дозволяє люди проводять своє життя на таку працю. Нео-класики називають Курбе Картини з низьким і вульгарним. Але роботи Курбе допомогли змінити хід мистецтва. Картини були засновані на художника чесний. Несентиментальні зауваження життя навколо нього. Час від Курбе і до цього дня, багато художників мають прийняв свій підхід.

    прерафаеліти Братство було Англійська мистецтво і літературний рух засновано в 1848 році. провідними художниками руху були Вільям Холман Хант, Джон Еверетт Мілле, Данте Габріель Россетті. Прерафаеліти художниками стояла осібно з основними рухами мистецтво їхній вік. Вони хотіли, щоб повернутися до того, що на їхню думку, чистоти і невинності до картини Рафаеля. Найбільший Прерафаеліти мистецтво несе в собі сильну моральну повідомлення через релігійні картини.

    Едуарда Мане була Французький художник, який революціонізіровал живопису в середині 1800-х. Він розробив новий підходу до мистецтва. Він вважав, що живопис не висловити повідомлень або зображати емоції. Мані була головним чином зацікавлена в живописі красиві фотографії. Для нього, красу результаті поєднання мазків, кольори, візерунки, і мелодій. Згодом Мане, найбільш художники підкреслювали малюнок сам, а не його розповідь функції. Його "Сніданок на Трава "демонструє відсутність турботи про історію.

    імпресіонізму була розроблена групою французьких художників, які зробили своїй основній роботі між приблизно 1870 і 1910 роках. Імпресіоністи включений Клода Мане, П'єр Огюст Ренуар, і Едгар Дега. Як Мане, імпресіоністи, вони вибрали для малювання сцен з повсякденного життя, у тому числі будівлі, пейзажі, люди і сцени міста трафіку. Більшість людей, в їх фотографії були звичайні середнього класу міста Мешканці-як самі художники.

    імпресіоністів розробила революційний стиль живопису. Вони заснували його на той факт, що природа змінюється безперервно. Листя рухатися за вітром, світло перетворюється появі об'єктів, відображення змінюють колір і форму. Як глядач рухається, перспектива того, що відбулися зміни. Імпресіоністи намагалися створити Живопис, які захоплюють все - зміна реальності в даний момент - так само як Камера робить.

    постімпресіонізму описані групою художників, які намагалися різними способами продовжити візуального мова живопису після імпресіонізму. Найбільш впливові постімпресіоністів були Поль Сезанн, Поль Гоген, і Вінсента ван Гога. Всі були французами, крім Ван Гога, який був голландський. На відміну від імпресіоністів, які підкреслила, світло, Сезанна підкреслив форму і масу. Спотворення в його фотографії додати сили до складу та дати предмет появи довговічності і міцності. Фотографії Гоген високо декоративною. Гоген фотографії вельми декоративний. Гоген підкреслив однорідного кольору і сильних структур, Незаштріхованние формами і зігнутими лініями. Він постійно шукав до чистоти і простота у житті. Його пошуки привели його до південних морів, де він оселився на на острові Таїті. Як Гоген, Ван Гог хотів би висловити свої найпотаємніші почуття через своє мистецтво. Він вірив, що він може досягти цієї мети шляхом Використання кольору блискучій і жорстокої мазки. Він застосував свій колір масла безпосередньо з трубки. не змішуючи їх. У результаті мистецтво пристрасна інтенсивність. Художники 1900 продовжували пошук нових підходи до живопису, яка характеризує роботу імпресіоністів і постімпресіоністів. Багато руху мистецтво з'явилося в 1900-их. Кожна тривала тільки через кілька років, але додала до багатства і різноманітності сучасного мистецтва. Вони фовізм, кубізм, футуризм, експресіонізм, дадаїзм, сюрреалізм і т.д. З часом Минуло, художників 1900 все більше підкреслювали чисто візуальний ефект замість впізнаваних предмета або розповідей.

    Деякі мистецтвознавці сказати, що дуже багато картину сьогоднішнього стурбований тільки тим, оригінальність і новизна. Ці критики погоджуються, що художники повинні відмовитися від традицій, які не вже не відповідають їхнім потребам. Але вони відзначають, що найбільші успіхи в стилі і техніки були досягнуті, оскільки художники вважали, що вони необхідні нові методи виражати переконання або ідеї. Іноді художники прагнуть тільки до створення оригінальних Картина стилів. Але оригінальність ради стає нудно, якщо Живопис володіє якостями, які допомагають вона залишається значною і цікавою після його новизна має стерлася.

    Список літератури

    Для підготовки даної роботи були використані матеріали з сайту http://www.homeenglish.ru/

         
     
         
    Реферат Банк
     
    Рефераты
     
    Бесплатные рефераты
     

     

     

     

     

     

     

     
     
     
      Все права защищены. Reff.net.ua - українські реферати !