Як працював художник XVI-XVII століть.

Виставки сучасного живопису останніх років свідчать про інтерес художників, особливо молодих, до техніки живопису старих майстрів. Все частіше можна бачити картини, написані під враженням полотен XVI - XVII століть, нерідко з'являються натюрморти, автори яких прагнуть творчо переосмислити досягнення голландських майстрів цього жанру.

Причин цього є кілька. Одна з них - усвідомлення багатства тих можливостей, які дає повне володіння ремеслом.

Давайте здійснимо невелику екскурсію в історію ремесла художників XVI-XVII століть Північної Європи. Такий вибір зроблено не випадково: голландські та фламандські художники славилися високими технічними вимогами до своїх творів. Крім того, саме Північна Європа вважається батьківщиною олійного живопису.

Про методи та технічні прийоми старих майстрів написано багато праць. Однак основний недолік їх в тому, що вони скупо говорять про технічне оснащення художників, про умови їх роботи і матеріалах, якими вони користувалися.

Заповнити цей пробіл, наочно простежити еволюцію художньої майстерні на Протягом XVI-XVII століть дозволяє ретельне вивчення творів художників, де вони зобразили самих себе або колег за роботою.

За соціальним станом художник Північної Європи XVI-XVII століть був ремісник. Звідси умови його діяльності та методи навчання професії. Як і більшість ремісників, художники того часу об'єднувалися в цехи або гільдії. Їх творче життя цілком підпорядковувалася цеховим постанови та за правилами. Кількість матеріалу, учнів, умови договору із замовником - все визначалося цеховими нормами. Середньовічне свідомість не виділяла художників з-поміж інших ремісників. Тому їх ставлення до умов своєї праці було вельми скромним і невибагливим.

Судячи із зображень, майстерні північних художників XVI століття являли собою звичайні житлові кімнати Ні світлових ліхтарів у стелях, ні великих скляних вікон, як це прийнято в останні два століття, у них не було. Художник встановлював мольберт біля вікна в тій же кімнаті, де жив разом з сім'єю, а часто і з учнями.

В XVII столітті найбільш самостійні живописці починають працювати в окремих, спеціально призначених для цих цілей кімнатах, які одночасно стають своєрідними салонами. Така майстерня несе подвійне навантаження. З одного боку - це місце роботи художника, де розташовуються необхідні інструменти, картини, закінчені і чекають свого завершення, ескізи, етюди. З другий - майстерня починає грати роль своєрідної реклами для замовника. Багате оздоблення ательє говорить про процвітання художника, про його популярність. Тому в майстерні з'являються різьблені меблі, пишні драпірування, дорога посуд, колекції зброї.

З зростанням самосвідомості художника, затвердженням його як творчої особистості, він починає поступово виділятися із ремісничого середовища. На відміну від середньовічних попередників найбільш видатні майстри XVII століття прагнули підкреслити оригінальність свого мислення і таланту, всебічність розвитку та освіти. Тому майстерня наповнюється музичними інструментами, книгами, науковими приладами, глобусами, географічними картами. Предмети ремесла займали досить скромне місце в настільки багатій обстановці. Складалося враження, що художники працюють жартома, між розмовами, з легкістю і витонченістю. Але весь цей антураж не відображав суті ремесла, а скоріше був даниною моді.

Другим і найбільш поширеним типом майстерні залишалося бідне полужілое приміщення, часто просто сарай без будь-яких пристосувань і елементарних умов.

Основний приналежністю будь-якої майстерні був верстат, або, як його називають, мольберт. На ньому встановлювали дошку в похилому положенні. Хто перший почав використовувати мольберт при роботі над картиною, невідомо. Але його зображення з'явилося ще в середні віки. Форма і конструкція мольберта змінювалися протягом декількох століть.

Головне у цьому важливому "знаряддя виробництва" - здатність міцно і грунтовно тримати картину. Судячи із зображень, середньовічний мольберт представляв собою вертикальний щит, нерухомо закріплений в одному місці. Полотно або дошка містилися на штирі, які залежно від розмірів картини художник міг вставляти в пази. Подібна конструкція при всій грунтовності була малоудобна, тому що не дозволяла пересувати мольберт. Тому вже до кінця XV -- початку XVI століття з'являються мольберти нової конструкції. Замість щита починають вживати більш легку прямокутну дерев'яну раму, що спирається на відставний планку. Такий мольберт легко можна було розташувати в будь-якій частині майстерні. Ця конструкція виявилася набагато ефективніше і настільки відповідала всім вимогам, що до цих пір у майстернях художників можна зустріти мольберти подібного типу.

Але пошуки нових конструктивних форм не закінчилися. У XVIII - XIX століттях були розроблені різні види мольбертів - як важких верстатів, здатних витримати величезні полотна академістів, так і легких переносних треноге, зручних для роботи на пленері. У XVI-XVII століттях рухомий мольберт з відставний планкою був основним типом. І видозміни його були пов'язані не з конструктивними вимогами, а до стильових.

матеріального положенню художника, пишноти обстановки його майстерні відповідав і мольберт. На творах того часу, що зображали живописців за роботою, можна бачити і прості верстати, збиті з грубо обстругати планок, і пишні, витіюватою прикрашені різьбленням і декоративною ліпниною. Один з таких мольбертів зображений на картині нідерландського художника М. ван Хеемсксрка "Св. Лукп, пишучий Мадонну ", де завершенням верстата є вирізаний з дерева зображення голови бородатого чоловіка майже в натуральну величину.

Найважливішу роль у роботі над картиною грає палітра. Кожен починаючий художник знає, що вона служить для розташування і змішання фарб під час роботи. Тому основними якостями, найбільш цінуємо в палітрі, вважаються її легкість, місткість і зручна форма.

Сучасні палітри випускають двох видів: найчастіше прямокутні за величиною етюдник, рідше овальні. Подібна форма - результат багатовікової еволюції. Використання палітр відомо з глибокої давнини. Ще майстри Стародавнього Єгипту мали дощечки для змішування фарб. Мабуть, перша палітри з отвором для пальця з'явилися в ранньохристиянський період. У середні віки вони широко використовувалися художниками, і до цікавить нас періоду вже існували традиції форм і різні методи їх виготовлення.

Один з подібних методів обробки палітри, до цих пір не втратили своєї актуальності, наведено в трактаті Т. де Майерна: "Треба добре приготувати палітру, інакше не менш як протягом року вона вбирає масло і сушить фарби. Намочіть її в міцному розчині клею у великій каструлі на вогні, поки рідина оживляти дерево, і потім дайте їй висохнути під важкою дошкою, щоб вона не неприємно вразила; через вісім днів. після того як на ній трохи попрацюєте, вона буде дуже хороша ".

Згідно традиції найкращі палітри виходили з щільної деревини груп яблуні, платана, бука, самшиту.

Для мініатюрної і акварельного живопису призначалися особливі палітри. Вони були зовсім маленькі (не більше 10х15 см) і виготовлялися з їло нової кістки для заможних майстрів, для художників бідніші - з дешевших матеріалів: матового скла, фаянсу.

На Протягом століть форма палітри багато разів змінювалася, проте ці зміни підпорядковані певним закономірностям. Для більш раннього часу (XVI століття) характерні палітри прямокутних форм. Цікаво відзначити, що палітри нідерландських маньєристів, зберігаючи прямокутні обриси, більш вигадливі: часто у них зрізані кути й отвори для руки прорізані у спеціально відокремленої частини. XVII століття - час урочистостей бароко в Північній Європі і час широкого розповсюдження овальної палітри. На відміну від сучасних овальних палітр їх форма відрізнялася більш складною конфігурацією.

Старі майстри навчали, що чистота кольору на картині в значній мірі залежить від чистоти палітри та пензлів. Тому від вчителя до учня передавалося безліч способів очищення палітри. Точно так само традиційним і специфічним для майстра був порядок розташування фарб.

Готуючи палітру до роботи, більшість сучасних художників викладає на неї весь наявний у них арсенал фарб, розташовуючи їх за годинниковою стрілкою, подібно кольорам спектру сонячного світла. Художник XVI-XVII століть підходив до роботи інакше. Створення творів у той час мало встановлену кількість послідовних етапів, кожен з яких вимагав суворо визначених фарб. Тому, судячи із зображень, художник працював одночасно трьома-п'ятьма фарбами, необхідними для даного етапу живопису. Велика кількість фарб стали вживати вже в XVIII-XIX століттях. І в цей час з'явилися різноманітні варіанти їх розташування на палітрі.

Особливе увагу художники приділяли і приділяють пензлям. Сучасні кисті двох типів: жорсткі щетина - для олійного живопису, і м'які колонкові і білячі - для темперного і акварельної. Живописці XVI-XVII століть мали кисті, що відрізняються не тільки розмірами, а й різноманітністю форм, а також якістю ворсу.

Так, Т. де Майерн рекомендує для подмалевка використовувати короткі і товсті щетини кисті, а для подмалевка дрібних речей мати подовжені і міцні "риб'ячі кисті "(з ворсу видри). Арменіні радить подмалевок картини виконувати тонкими щетинками китицями, а закінчувати живопис колонкові.

Товщина і довжина волосся залежали від призначення кисті. Припускають існування кистей не тільки круглої й плоскої форми, поширених в даний час. Судячи з певним мальовничим прийомів, у роботах того часу використовували кисті, що мають форму сходів і зубців, а найбільш зручними для лессіровок і ретуші вважалися кисті з довгим ворсом, пов'язані мітелкою.

Більшість кистей в ті часи виготовлялися художниками самостійно, тому в багатьох трактатах ми знаходимо рекомендації по їх виробництву. Ченніно Ченніні докладно розповідає про виготовлення двох видів кистей - більш м'яких з волосу білки і щетини. Художники Північної Європи, крім того, користувалися китицями з волосу видри, борсука, соболя і кози.

Так само як і палітру, пензлі необхідно було утримувати в ідеальній чистоті, при цьому багато керівництва не рекомендували мити їх в терпентіне (скипидарі), щоб запобігти ламкість волосся. Для цієї мети використали мило і масло.

Важливу роль серед інструментів художника грав шпатель, або Мастихіни. Він призначався для роботи з фарбами при перенесенні їх на полотно, дерево або в форми, де їх зберігали. Крім того, шпатель вживали при грунтовці. За формою шпателі нагадували ножі і виготовлялися з різних матеріалів: металу, дерева, кістки. У той час художники добре знали, що залізо в зіткненні з окремими фарбами викликає реакцію окислення, тому для роботи з ними воліли дерев'яні і кістяні шпателі.

Необхідною для художника минулого був муштабель, або мальшток, що в сучасній майстерні став вже екзотикою. Він представляв собою довгу тонку паличку, на кінці якої кріпився вовняний кульку, обтягнутий шкірою. Тримаючи лівою рукою шпатель, що стосується кулькою картини, художник міг спертися на нього при написанні тонких деталей, не торкаючись рукою живописної поверхні. Муштабелі застосовувалися дуже довго. Ще в XIX столітті вони були обов'язковою приналежністю художників. У багатьох автопортретах художники зображували себе не тільки з палітрою і пензлями, а й неодмінно з муштабелем.

В наше століття не існує проблеми виготовлення і зберігання фарб. А для живописців XVI-XVII століть це був дуже складний і відповідальний процес. Фарби, як відомо, розтиралися вручну з різних матеріалів. Зазвичай цим займалися підмайстри та учні на спеціальній плиті з мармуру, агата, порфіру. Фарби розтирали каменем теж твердих порід, який носив назву "куранти".

Розтерті порошки зберігалися в скляний або порцеляновий посуд. А фарби, змішані з сполучною, поміщали в бичачі бульбашки і шкіряні мішечки. Такий спосіб зберігання фарб існував аж до XIX століття. На минулому в 1977 році виставці Тернера в Державному музеї образотворчих мистецтв імені А.С. Пушкіна експонувався етюдник з фарбами, які перебували в шкіряних мішечках.

Склад палітри змінювався. На відміну від сучасних художників, які користуються, як правило, усім набором фарб, живописці XVI-XVII століть для кожного твору готували палітру з обмеженої кількості необхідних фарб. Про принципи розташування старими майстрами кольорів, а також самих барвах ми розповімо пізніше.

Список літератури

Для підготовки даної роботи були використані матеріали з сайту http://referat2000.chat.ru/