Русская живопис XIX століття

Реферат з вітчизняної історії виконав стужент ЕФМ 101 Дорофеев Н.В.

Міністерство освіти РФ

Володимирський Державний університет

Муромський інститут

Факультет радіотехнічний

ВСТУП

В одному зі своїх творів А. И. Герцен писав про російський народ, "потужному і нерозгаданою", який "зберіг величаві риси, живий розум і широкий розгул багатої натури під гнітом кріпосного стану і на петровський наказ утворюватися відповів через сто років величезним явищем Пушкіна ". Звичайно, не тільки А. С. Пушкіна мав на увазі Герцен. Пушкін став символом своєї епохи, коли відбувся стрімкий зліт в культурному розвитку Росії. Час пушкина, перша третина XIX століття, не даремно називають "золотим століттям "російської культури.

Початок XIX століття - час культурного і духовного піднесення в Росії. Якщо в економічній та соціально-політичному розвитку Росія відставала від передових європейських держав, то в культурне надбання вона не тільки йшла врівень з ними, а й часто випереджала. Розвиток російської культури в першій половині XIX століття спирався на перетворення попереднього часу. Проникнення елементів капіталістичних відносин в економіку посилило потреба в грамотних і освічених людей. Міста стали основними культурними центрами. Нові соціальні верстви втягувалися в суспільні процеси. Культура розвивалася на тлі все зростаючої національної самосвідомості російського народу і в зв'язку з цим мала яскраво виражений національний характер. Істотний вплив на літературу, театр, музику, образотворче мистецтво надала Вітчизняна війна 1812 року, яка в небувалою мірою прискорила зростання національного самосвідомості російського народу, його консолідацію. Відбулося зближення з російським народом інших народів Росії. Однак консервативні тенденції в політиці імператорів Олександра I та Миколи I стримували розвиток культури. Уряд активно боровся з проявами передової суспільної думки. Панщина не давало можливості користуватися високими культурними досягненнями всьому населенню.

Епоха Визволення дала сильний поштовх культурному розвитку Росії. Зміни в економічному і політичному житті після падіння кріпосного права створювали нові умови для розвитку культури. Втягування в ринкові відносини все більш широких верств селянства з усією гостротою поставило питання про початковий народну освіту. Це викликало небачений перш за зростання числа сільських і міських шкіл. Промисловість, транспорт і торгівля виявляли все більш широкий попит на фахівців з середньою і вищою освітою. Значно зросли ряди інтелігенції. Її духовні запити викликали зростання книговидавничої справи, піднімали тиражі газет і журналів. На цій же хвилі йшов розвиток театру, живопису, інших мистецтв. Культура Росії другої половини XIX - початку XX століття ввібрала художні традиції, естетичні та моральні ідеали "золотого століття" попереднього часу. На рубежі століть XIX - XX століть в духовному житті Європи та Росії з'явилися тенденції, пов'язані з міроощещеніямі людини XX століття. Вони вимагали нового осмислення соціальних і моральних проблем. Все це призводило до пошуку нових образотворчих методів і засобів. В Росії склався своєрідний історико-художній період, що його сучасника назвали "Срібна століттям" російської культури.

Прославлення подвигу народу, ідея його духовного пробудження, викриття виразок кріпосницької Росії - такі головні теми образотворчого мистецтва 19 століття.

Про сновном ЧАСТИНА

1 Русская живопис першої половини XIX століття.

Для російського образотворчого мистецтва були характерні романтизм і реалізм. Однак офіційно визнаним методом був класицизм. Академія мистецтв стала консервативним і відсталих установою, що стояли на заваді будь-яким спробам свободи творчості. Вона вимагала строго йти за канонами класицизму, заохочувала написання картин на біблійні та міфологічні сюжети. Молодих талановитих російських художників не задовольняли рамки академізму. Тому вони частіше зверталися до портретному жанру.

Кіпренський Орест Адамович [13 (24) березня 1782, миза Ніжинська, близько Копор'є, нині в Ленінградської області - 17 жовтня 1836, Рим], російський художник. Видатний майстер російського образотворчого мистецтва романтизму, відомий як чудовий портретист. У картині «Дмитро Донський на Куликовому полі» (1805, Російський музей) продемонстрував упевнене знання канонів академічної історичної картини. Але рано областю, де його талант розкривається найбільш природно і невимушено, стає портрет. Перший його живописний портрет ( «А. К. Швальбе», 1804, там же), написаний у «рембрандтівської» манері, виділяється своїм виразним і драматичним світлотіньові ладом. З роками його майстерність, - що проявилося в умінні створювати в першу чергу неповторні індивідуально-характерні образи, підбираючи особливі пластичні засоби, щоб цю характерність відтінити, - міцніє. Вражаючою життєвості повні: портрет хлопчика А. А. Челіщева (близько 1810-11), парні зображення подружжя Ф. В. і Е. П. Ростопчина (1809) і В. С. і Д. Н. хвостових (1814, усі - Третьяковська галерея). Художник все частіше обігрує можливості колірних і світлотіньових контрастів, пейзажного фону, символічних деталей ( «Е. С. Авдуліна», близько 1822, там же). Навіть великі парадні портрети художник уміє зробити лірично, майже інтимно невимушеними ( «Портрет лейб-гусарського полковника Євграфа Давидова », 1809, Російський музей). Його портрет молодого, овіяного поетичною славою А.С. Пушкіна є одним з кращих у створенні романтичного образу. У Кіпренського Пушкін виглядає урочисто й романтично, в ореолі поетичної слави. «Ти мені льстішь, Орест », - зітхнув Пушкін, глянувши на готове полотно. Кіпренський був також віртуозним малює, який створив (переважно в техніці італійського олівця і пастелі) зразки графічного майстерності, часто перевершують відкритою, хвилююче легкої своєї емоційністю його живописні портрети. Це і побутові типажі ( «Сліпий музикант », 1809, Російський музей;« килимчики Баяуста », 1813, Третьяковська галерея), і знаменита серія олівцевих портретів учасників Вітчизняної війни 1812 року (малюнки із зображенням Е. И. Чапліца, А. Р. Томілова, П. А. Оленіна, той же малюнок з поетом Батюшкова та ін; 1813-15, Третьяковська галерея та ін зборів); героїчний початок тут набуває задушевний відтінок. Велика кількість начерків і текстові свідчення показують, що художник весь свій зрілий період тяжів до створення великої (за його власними словами з листа О. Н. Оленіна 1834), «ефектною, або, по-русски сказати, ударістой і чарівної картини », де в алегоричній формі були б зображені підсумки європейської історії, так само як і призначення Росії. «Читачі газет в Неаполі »(1831, Російський музей) - за видами просто груповий портрет - на справі є приховано-символічний відгук на революційні події в Європі. Однак найбільш честолюбні з мальовничих алегорій Кіпренського залишилися нездійсненими, або пропали (подібно до «Анакреоновой гробниці», завершеної в 1821). Ці романтичні пошуки, однак, отримали масштабне продовження у творчості К. П. Брюллова та А. А. Іванова.

реалістичній манері відбивали твори В.А. Тропініна. Ранні портрети Тропініна, написані у стриманій кольоровій гамі (сімейні портрети графів Моркових 1813-го і 1815-го років, обидва - в Третьяковській галереї), ще цілком належать до традиції Просвітництва: модель є у них безумовним і стабільним центром образу. Пізніше колорит живопису Тропініна стає інтенсивніше, обсяги зазвичай ліпляться більш чітко і скульптурно, але найголовніше - викрадачів наростає чисто романтичне відчуття рухомий стихії життя, лише частиною, фрагментом якої здається герой портрета ( «Булахов», 1823; «К. Г. Равич», 1823; автопортрет, близько 1824; всі три - там ж). Такий і А. С. Пушкін на знаменитому портреті 1827 (Всеросійський музей А. С. Пушкіна, м. Пушкін): поет, поклавши руку на стопку паперу, як би «слухає музи », вслухається в творчу мрію, навколишнє образ незримим ореолом. Він теж написав портрет А.С. Пушкіна. Перед глядачем постає навчений життєвим досвідом, не дуже щаслива людина. На портреті Тропініна поет по-домашньому привабливий. Якимось особливим старомосковській теплом і затишком віє від робіт Тропініна. До 47-річного віку перебував він у кріпосної неволі. Тому, напевно, так свіжі, так одухотворені на його полотнах обличчя простих людей. І нескінченні молодість і чарівність його «Мереживницю». Найчастіше В.А. Тропінін звертався до зображення людей з народу ( "Мереживниця", "Портрет сина" та ін.)

Художні та ідейні шукання російської громадської думки, очікування змін відбилися в картинах К.П. Брюллова "Останній день Помпеї" і А.А. Іванова "Явлення Христа народу ".

Великим витвором мистецтва є картина «Останній день Помпеї» Карла Павловича Брюллова (1799-1852). У 1830 р. на розкопках античного міста Помпеї побував російський художник Карл Павлович Брюллов. Він гуляв по стародавніх мостовим, милувався фресками, і в його уяві вставала та трагічна ніч августа 79р. е.., коли місто було засипано розжареним попелом і пемзою прокинувся Везувію. Через три роки картина «Останній день Помпеї» здійснила тріумфальне подорож з Італії до Росії. Художник знайшов дивовижні фарби для зображення трагедії стародавнього міста, гине під лавою і попелом вивергається Везувію. Картина пройнята високими гуманістичними ідеалами. Вона показує мужність людей, їх самовідданість, виявлені під час страшної катастрофи. Брюллов був у Італії на відрядження Академії мистецтв. У цьому навчальному закладі було добре поставлено навчання техніці живопису і малюнка. Однак Академія однозначно орієнтувалася на античну спадщину та героїчну тематику. Для академічної живопису були характерні декоративний краєвид, театральність загальної композиції. Сцени з сучасного життя, звичайний російський краєвид вважалися негідними кисті художника. Класицизм в живопису отримав назву академізму. Брюллов був пов'язаний з Академією всією своєю творчістю.

Він володів могутнім уявою, пильним оком і вірною рукою - і у нього народжувалися живі творіння, узгоджені з канонами академізму. Воістину з пушкінським витонченістю він умів відобразити на полотні і красу оголеного людського тіла, і тремтіння сонячного проміння на зеленому листі. Немеркнучий шедеврами російського живопису назавжди залишаться його полотна «Вершниця», «Вірсавія», «Італійський ранок», «Італійський полудень», численні парадні і інтимні портрети. Однак митець завжди тяжів до великим історичним темам, до зображення значних подій людської історії. Багато його задуми у цьому плані не було здійснено. Ніколи не Брюллова покидала думка створити епічне полотно на сюжет з російської історії. Він починає картину «Облога Пскова військами короля Стефана Баторія». На ній зображено кульмінаційний момент облоги 1581, коли псковські ратники і. городяни кидаються в атаку на прорвалися в місто поляків і відкидають їх за стіни. Але картина залишилася незакінченою, і завдання створення справді національних історичних картин була здійснена не Брюлловим, а наступним поколінням російських художників. Одноліток Пушкіна, Брюллов пережив його на 15 років. Останні роки він хворів. З автопортрета, написаного в ту пору, на нас дивиться рудуватий чоловік з тонкими рисами обличчя і спокійним, задумливим поглядом.

У першій половині XIX ст. жив і творив художник Олександр Андрійович Іванов (1806-1858). Все своє творче життя він присвятив ідеї духовного пробудження народу, втіливши її в картині «Явлення Христа народу». Понад 20 років він працював над картиною «Явлення Христа народу», в яку вклав всю міць і яскравість свого таланту. На передньому плані його грандіозного полотна в очі впадає мужня постать Івана Христителя, що вказує народу на наближається Христа. Його постать дана на віддалі. Він ще не прийшов, він іде, він обов'язково прийде, каже художник. І світлішають, очищаються особи і душі тих, хто очікує Спасителя. У цій картині він показав, як говорив пізніше І. Е. Рєпін, «пригноблений народ, який прагнув свободи слова ».

У першій половині XIX ст. в російський живопис входить побутової сюжет. Одним з перших до нього звернувся Олексій Гаврилович Венеціанов (1780-1847). Він присвятив свою творчість зображенню життя селян. Цю життя він показує в ідеалізованому, прикрашеному вигляді, віддаючи данину модному тоді сентименталізму. Однак картини Венеціанова «Тік», «На жнивах. Літо », «На ріллі. Весна »,« Селянка з волошками »," Захарка "," Ранок поміщиці "відображаючи красу і благородство простих російських людей, що служили утвердження гідності людини незалежно від його соціального стану.

Його традиції продовжив Павла Андрійовича Федотов (1815-1852). Його полотна реалістичні, наповнені сатиричним змістом, викриває гендлярську мораль, побут і звичаї верхівки суспільства ( "Сватання майора", "Свіжий кавалер" та ін.) Свій шлях художника-сатирика він починав будучи офіцером-гвардійцем. Тоді він робив веселі, пустотливі замальовки армійського побуту. У 1848 р. на академічній виставці була представлена його картина «Свіжий кавалер». Це була зухвала насмішка НЕ тільки над тупим, самовдоволеним чиновництвом, а й над академічними традиціями. Брудний халат, в який одягався головний герой картини, дуже вже нагадував античну тогу. Брюллов довго стояв перед полотном, а потім сказав автору напівжартома напівсерйозно: «Вітаю вас, ви перемогли мене». Комедійно-сатиричний характер носять і інші картини Федотова ( «Сніданок аристократа »,« Сватання майора »). Останні його картини дуже сумні ( «Анкор, ще анкор!», «Вдовушка»). Сучасники справедливо порівнювали П.А. Федотова в живопису з Н.В. Гоголем в літературі. Викриття виразок кріпосницької Росії - основна тема творчості Павла Андрійовича Федотова.

2 Русская живопис другої половини XIX століття.

Друга половина XIX ст. ознаменувалася розквітом російської образотворчого мистецтва. Воно стало справді великим мистецтвом, було пройнята пафосом визвольної боротьби народу, обзивалось на запити життя і активно втручатися в життя. В образотворчому мистецтві остаточно утвердився реалізм - правдиве і всебічне відображення життя народу, прагнення перебудувати це життя на засадах рівності і справедливості.

Центральною темою мистецтва став народ, не тільки пригноблений і страждає, але й народ - творець історії, народ-борець, творець всього найкращого, що є в житті.

Утвердження реалізму в мистецтві проходило в завзятій боротьбі з офіційним направленням, представником якого було керівництво Академії мистецтв. Діячі академії вселяли своїм учням ідеї про те, що мистецтво вище за життя, висували лише біблійну і міфологічну тематику для творчості художників.

9 листопада 1863 велика група випускників Академії мистецтв відмовилася писати конкурсні роботи на запропоновану тему зі скандинавської міфології і покинула Академію. На чолі бунтарів стояв Іван Миколайович Крамской (1837-1887). Вони об'єдналися в артіль і стали жити комуною. Через сім років вона розпалася, але до цього часу зародилося «Товариство пересувних художніх виставок», професійно-комерційне об'єднання художників, що стояли на близьких ідейних позиціях.

«передвижники» були єдині у своєму неприйняття «академізму» з його міфологією, декоративними пейзажами і пихатої театральністю. Вони хотіли зображати живу життя. Провідне місце в їхньому творчості зайняли жанрові (побутові) сцени. Особливою симпатією «передвижників» користувалося селянство. Вони показували його нужду, страждання, пригнічений становище. У ту пору - в 60-70-і рр.. XIX ст .- ідейна сторона мистецтва цінувалася вище, ніж естетична. Лише з часом митці згадали про самоцінності живопису.

Мабуть, найбільшу данину ідейності віддав Василь Григорович Перов (1834-1882). У своїх творах Перов жагуче викриває існуючий лад, з великою майстерністю і переконливістю показує важку долю народу. У картині «Сільський хресний хід на Великдень» художник показав російське село в пра?? днічний день, злидні, безпробудно пияцтво, сатирично зобразив сільське духовенство. Вражає своїм драматизмом, безвихідною скорботою одна з кращих картин Перова - «Проводи небіжчика », яка розповідає про трагічну долю родини, що залишилася без годувальника. Великою популярністю користуються його картини «Останній шинок у застави »,« Старики-батьки на могилі сина ». Тонким гумором і ліризмом, любов'ю до природи пройняті картини «Мисливці на привалі», «Рибалка». Його творчість пронизане любов'ю до народу, прагненням осмислити явища життя та мовою мистецтва правдиво розповісти про них. Картини Перова належать до кращих зразків російського мистецтва. Його творчість як би перегукується з поезією Некрасова, з творами Островського, Тургенєва. Досить згадати такі його картини, як «Приїзд станового на слідство», «Чаювання в Митищах». Деякі роботи Перова пройняті справжнім трагізмом ( «Трійка», «Старики-батьки на могилі сина»). Кисті Перова належить ряд портретів його знаменитих сучасників (Островського, Тургенєва, Достоєвського).

Деякі полотна «передвижників», писані з натури або під враженням від реальних сцен, збагатили наші уявлення про селянське життя. У картині С. А. Коровіна «На людях» показана сутичка на сільському сході між багатим і бідняком. В. М. Максимов відобразив лють, сльози і горе сімейного розділу. Урочиста святковість селянської праці відображена в картині Г. Г. М'ясоєдова «Косарі».

Ідейним вождем Товариства пересувних виставок був Іван Миколайович Крамской (1837-1887)-чудовий художник і теоретик мистецтва. Крамской боровся проти так званого «чистого мистецтва ». Він закликав художника бути людиною і громадянином, своїм творчістю боротися за високі суспільні ідеали. У творчості Крамського головне місце займала портретний живопис. Крамской створив цілу галерею чудових портретів російських письменників, художників, громадських діячів: Толстого, Салтикова-Щедріна, Некрасова, Шишкіна та інших. Йому належить одна з кращих портретів Льва Толстого. Пильний погляд письменника не залишає глядача, з якої б точки він не дивився на полотно. Одне з найбільш сильних творів Крамського - картина «Христос у пустелі».

«передвижники» вчинили справжні відкриття в пейзажного живопису. Олексій Кіндратович Саврасов (1830-1897) зумів показати красу і тонкий ліризм простого російського пейзажу. У 1871 майстер створює ряд кращих своїх робіт ( «Печерський монастир під Нижнім Новгородом », Нижегородський художній музей;« Розлив Волги під Ярославлем », Російський музей), в т. ч. знамениту картину «Граки прилетіли» (Третьяковська галерея), що стала найпопулярнішим російським пейзажем, свого роду мальовничим символом Росії. Етюдная робота над «граками» йшла в березні, в с. Молвітіно (нині Сусанин) Буйського повіту Костромської губернії. Талий сніг, весняні граки на берізка, сіро-блакитне, руда небо, темні хати і древня церковця на тлі холодний далеких луків, - все сплавити в образ дивовижного поетичного чарівності. Картині притаманний справді чарівний ефект впізнавання, «вже баченого »(deja-vue, говорячи мовою психології) - причому не тільки десь поблизу Волги, де писалися «Граки», а чи не в будь-якому куточку країни. Тут «Настрій»-як особливе споглядальне простір, що об'єднує картину з глядачем - остаточно перетворюється на абсолютно особливий компонент образу; це влучно фіксує І. М. Крамськой, коли пише (у листі до Ф. А. Васильєву, 1871), торкаючись інших пейзажів на виставці: «все це дерева, вода і навіть повітря, а душа є тільки в «граків». Незримо зрима «душа», настрій животворить і наступні речі Саврасова: московські чудові пейзажі, органічно поєднують побутову простоту переднього плану з величними далями ( «Сухарева вежа », 1872, Історичний музей, Москва;« Вид на Московський Кремль, Весна », 1873, Російський музей), віртуозний з передачі вологи і світлотіні «Проселок» (1873, Російський музей), сентиментальну «Могилу над Волгою» (1874, Алтайський крайовий музей образотворчих мистецтв, Барнаул), светозарную «Райдугу» (1875, Російський музей), меланхолійну картину «Зимовий пейзаж. Іній » (1876-77, Воронезький музей образотворчих мистецтв). У пізній період майстерність Саврасова різко слабшає. Життєві опустившись, страждаючи алкоголізмом, він живе за рахунок копій зі своїх найкращих робіт, перш за все з «граків».

Федір Олександрович Васильєв (1850-1873) прожив коротке життя. Його творчість, обірвалася в самому початку, збагатило вітчизняну живопис поруч динамічних, що хвилюють пейзажів. Художнику особливо вдавалися перехідні стану в природі: від сонця до дощу, від затишшя до бури. Виходець із сім'ї поштового службовця, навчався в Рисовальной школі Товариства заохочення мистецтв, а також у 1871 в Академії мистецтв; в 1866-67 працював під керівництвом І. І. Шишкіна. Видатний талант Васильєва склався рано і потужно в картинах, вражаючих глядача своїм психологічним драматизмом. Чудовою «поезією при натуральності враження» (за словами І. М. Крамського, близького друга Васильєва, про докорінну властивості його творчості в цілому) пройнята вже картина «Перед дощем» (1869, Третьяковська галерея). У 1870 подорожував по Волзі разом з І. Є. Рєпіним, в результаті з'явилася картина «Вид на Волзі. Баржі »(1870, Російський музей) та інші роботи, зазначені тонкістю световоздушних ефектів, майстерністю передачі річної та повітряної вологи. Але не в зовнішніх ефектах тут суть. У творах Васильєва природа, як відгукуючись на рухи людської душі, в повному сенсі психологізується, висловлюючи складну гаму почуттів між відчаєм, надією і тихим смутком. Найбільш відомі картини «Відлига» (1871) і «Мокрий луг »(1872; обидві в Третьяковській галереї), де постійний інтерес художника до перехідним, невизначено-хитким станів натури втілюється в образи осяяння крізь меланхолійну імлу. Це - своєрідний натурні сни про Росію, витримують зіставлення з пейзажними мотивами І. С. Тургенєва або А. А. Фета. Художник (судячи з його листування з Крамским) мріє про створення якихось небачених творів, про символічні пейзажах-одкровеннях, які могли б зцілити людство, обтяжене «злочинними намірами». Але дні його вже полічені. Захворівши на туберкульоз, він переселяється в 1871 до Ялти. Фатальна хвороба, зливаючись з враженнями від південної природи, яка постає у нього не святковою, але відчужено-тривожної, додає його живопису ще більшу драматичну напруженість. Тривожно і похмуро найзначніше його полотно цього періоду - «У Кримських горах» (1873, Російський музей). Потопаюча в серпанку, написана в похмурих коричнево-сірих тонах гірська дорога знаходить тут потойбічний відтінок, подобу безвихідною дороги в нікуди. Вплив мистецтва Васильєва, посилене трагізмом його ранньої смерті, було досить значним. Романтична традиція, остаточно зречеться уявлень про пейзаж як декоративному видовище, досягла в його роботах особливої духовної змістовності, передвіщає мистецтво символізму та модерну, краєвид чеховської-левітанівськими пори.

Творчість Віктора Михайловича Васнецова (1848-1926) тісно пов'язане з російськими народними казками, билинами, сюжети яких він брав за основу своїх картин. Його кращий твір - «Три богатирі ». Перед глядачем улюблені герої російського билинного епосу - богатирі, захисники російської землі і рідного народу від численних ворогів.

Співаком російського лісу, епічної широти російської природи став Іван Іванович Шишкін (1832-1898). Архипа Івановича Куїнджі (1841 -1910) привертала живописна гра світла і повітря. Таємничий світло місяця в рідких хмарах, червоні відблиски зорі на білих стінах українських хат, косі ранкові промені, що пробилися крізь туман і грають у калюжках на раскисшей дорозі, - ці та багато інших живописні відкриття відображені на його полотнах. Для ранніх робіт Шишкіна ( «Вид на острові Валаамі », 1858, Київський музей російського мистецтва;« Рубка лісу », 1867, Третьяковська галерея) характерна деяка Дробність форм; дотримуючись традиційного для романтизму «кулісні» побудови картини, чітко розмічений плани, вона не досягає ще переконливого єдності образу. У таких картинах, як «Полудень. В околицях Москви »(1869, там же), це єдність постає вже очевидною реальністю, перш за все за рахунок тонкої композиційної і світло-повітряно-колористичною координації зон неба і землі, грунту (останню Шишкін відчував особливо проникливо, в цьому відношенні не маючи собі рівних в російському пейзажному мистецтві).

У 1870-і рр.. майстер входить в пору безумовної творчої зрілості, про яку свідчать картини «Сосновий бор. Щогловий ліс в Вятской губернії »(1872) та« Жито »(1878; обидві - Російський музей). Зазвичай уникаючи хитких, перехідних станів природи, художник фіксує її вищий річний розквіт, досягаючи вражаючого тонального єдності саме за рахунок яскравого, полуденного, літнього світла, визначає всю колористичну шкалу. Монументально-романтичний образ Природи з великої літери незмінно присутня в картинах. Нові ж, реалістичні віяння, що проступають у тому проникливому уваги, з яким виписуються прикмети конкретного шматка землі, куточка лісу або поля, конкретного дерева. Шишкін - чудовий поет не тільки грунту, але і дерева, тонко відчуває характер кожної породи [в найбільш типових своїх записах він зазвичай згадує не просто «ліс», але ліс з «осокорея, в'язів і частиною дубів» (щоденник 1861 року) або «ялиновий ліс, сосновий, осика, береза, липа» (з листа І. В. Волковського, 1888)]. З особливою охотою художник пише породи найпотужніші та міцні типу дубів та сосен - у стадії зрілості, старості і, нарешті, смерті в бурелому. Класичні твори Шишкіна - такі, як «Жито» або «Серед долини ровния ... »(картина названа за піснею А. Ф. Мерзлякова; 1883, Київський музей російського мистецтва), «Лісові дали» (1884, Російський музей) -- сприймаються як узагальнені, епічні образи Росії. Художнику однаково вдаються і далевие види, і лісові «інтер'єри» ( «Сосни, освітлені сонцем», 1886; «Ранок у сосновому лісі» де ведмеді написані К. А. Савицьким, 1889; обидві -- там же). Самостійну цінність мають його малюнки та етюди, що представляють собою деталізований щоденник природного життя. Плідно працював також в області офорта. Друкуючи свої тонко нюансірованние пейзажні офорти в різних станах, видаючи їх у вигляді альбомів, Шишкін потужно активізував інтерес до цього виду мистецтва. Педагогічної діяльністю займався мало (зокрема, керував пейзажної майстерні Академії мистецтв у 1894-95), але мав у числі своїх учнів таких художників, як Ф. А. Васильєв та Г. І. Чорос-Гуркін. Його образи, незважаючи на свою «об'єктивність» і принципову відсутність психологізму, властивого «пейзажу настрою» саврасовско-левітанівськими типу, завжди мали великий поетичний резонанс (недарма Шишкін належав до числа найулюбленіших художників А. О. Блока). У Єлабузі відкритий будинок-музей художника.

До кінця XIX ст. вплив передвижників впало. У образотворчому мистецтві з'явилися нові напрямки. Портрети пензля В.А. Серова і пейзажі І.І. Левітана були співзвучні з французькою школою імпресіонізму. Частина художників поєднувала російські художні традиції з образотворчими новими формами (М. А. Врубель, Б. М. Кустодиев, ІЛ. Білібін і ін.)

Своєї вершини російська пейзажний живопис XIX ст. досягла у творчості учня Саврасова Ісака Ілліча Левітана (1860-1900). Левітан - майстер спокійних, тихих пейзажів. Людина дуже боязкий, сором'язливий і вразливий, він умів відпочивати тільки наодинці з природою, переймаючись настроєм улюбленого пейзажу.

Одного разу приїхав він на Волгу писати сонце, повітря і річкові простори. Але сонця не було, по небу повзли нескінченні хмари, не припинялися похмурі дощі. Художник нервував, поки не втягнувся в цю погоду і не виявив особливу принадність сизо-бузкових фарб російської негоди. З тією пори Верхня Волга, позаштатним містечком Плесо міцно увійшли в його творчість. У тих краях він створив свої «дощові» роботи: «Після дощу», «Похмурий день», «Над вічним спокоєм ». Там же були написані втихомирені вечірні пейзажі: «Вечір на Волзі »,« Вечір. Золотий плесо »,« Вечірній дзвін »,« Тиха обитель ».

В останні роки життя Левітан звернув увагу на творчість французьких художників-імпресіоністів (Е. Мане, К. Моне, К. Пісарро). Він зрозумів, що у нього з ними багато спільного, що їх творчі пошуки йшли в тому ж напрямку. Як і вони, він вважав за краще працювати не в майстерні, а на повітрі (на пленері, як кажуть художники). Як і вони, він висвітлив палітру, вигнавши темні, землисті фарби. Як і вони, він прагнув запам'ятати скороминущість буття, передати руху світла і повітря. У цьому вони пішли далі його, але майже розчинили в световоздушних потоках об'ємні форми (будинки, дерева). Він уникнув цього.

«Картини Левітана вимагають повільного розглядання, - писав великий знавець його творчості К. Г. Паустовський .- Вони не приголомшують очей. Вони скромні й точні, подібно чеховським розповідями, але чим довше вдивлятися в них, тим все миліше стає тиша провінційних посадів, знайомих річок і путівців ».

На другу половину XIX ст. доводиться творчий розквіт І. Е. Рєпіна, В. І. Сурікова і В. А. Серова.

Ілля Юхимович Рєпін (1844-1930) народився в м. Чугуєві, в сім'ї військового поселенця. Йому вдалося вступити до Академії мистецтв, де його вчителем став П. П. Чистяков, що виховав цілу плеяду знаменитих художників (В. И. Сурикова, В. М. Васнецова, М. А. Врубеля, В. А. Сєрова). Багато чому навчився Рєпін також у Крамського. У 1870 р. молодий художник здійснив подорож по Волзі. Численні етюди, привезені з подорожі, він використовував для картини «Бурлаки на Волзі» (1872). Вона справила сильне враження на громадськість. Автор одразу висунувся в ряди самих відомих майстрів. Критикуючи прихильників «чистого мистецтва», він писав: «Навколишнє життя мене дуже хвилює, не дає спокою, сама проситься на полотно; дійсність занадто обурлива, щоб зі спокійною совістю вишивати візерунки, - надамо це виховані панночкам ». Рєпін став прапором передвижників, їх гордістю і славою.

Рєпін був дуже різнобічним художником. І. Ю. Рєпін був чудовим майстром у всіх жанрах живопису і в кожному сказав своє нове слово. Центральна тема його творчості - життя народу в усіх її проявах. Він показав народ в праці, в боротьбі, прославив борців за свободу народу. Його кисті належать низка монументальних жанрових полотен. Кращим твором Рєпіна в 70-ті роки була картина «Бурлаки на Волзі». Картина була сприйнята як подія мистецького життя Росії, вона стала символом нового напряму в образотворчому мистецтві. Рєпін писав, що «суддя тепер мужик, а тому треба відтворювати його інтереси ». Мабуть, не менше враження, ніж «Бурлаки», виробляє «Хресний хід в Курській губернії». Яскраве блакитне небо, пронизані сонцем хмари дорожнього пилу, золоте сяйво хрестів і шат, поліція, простий народ і каліки - все вмістилося на цьому полотні: могутність, сила, неміч і біль Росії.

У багатьох картинах Рєпіна зачіпалася революційна тематика ( «Відмова від сповіді», «Не чекали», «Арешт пропагандиста »). Революціонери на його картинах тримаються просто і природно, чужа театральних поз і жестів. На картині «Відмова від сповіді» засуджений до смерті мовби навмисне заховав руки в рукава. Художник явно співчував героям своїх картин.

Ряд рєпінських полотен написаний на історичні теми ( «Іван Грозний і його син Іван», «Запорожці, складати листа турецькому султану »та ін.) Рєпін створив цілу галерею портретів вчених (Пирогова, Сєченова), письменників (Толстого, Тургенєва, Гаршина), композиторів (Глінки, Мусоргського), художників (Крамського, Сурікова). На початку XX ст. він отримав замовлення на картину «Урочисте засідання Державної ради». Художнику вдалося не тільки композиційно розмістити на полотні таку велику кількість присутніх, а й дати психологічну характеристику багатьом з них. Серед них були такі відомі діячі як С. Ю. Вітте, К. П. Побєдоносцев, П. П. Семенов-Тян-шанська. Малопомітний на картині, але дуже тонко виписаний Микола II.

Василь Іванович Суриков (1848-1916) народився в Красноярську, в козацькій родині. Розквіт його творчості припадає на 80-і рр.., Коли він створив три найвідоміші свої історичні к?? ртіни: «Ранок стрілецької страти »,« Меншиков в Березові »і« Бояриня Морозова ». Його твори «Ранок стрілецької страти», «Меншиков в Березові», «Бояриня Морозова», «Підкорення Сибіру Єрмак »,« Степан Разін »,« Перехід Суворова через Альпи »-- вершина російської і світової історичного живопису. Велич російського народу, його краса, непохитна воля, його важка і складна доля - ось те, що надихало митця.

Суріков добре знав побут і звичаї минулих епох, умів давати яскраві психологічні характеристики. Крім того, він був прекрасним колористом (майстром кольору). Досить згадати сліпуче свіжий, іскриться сніг в «Бояриня Морозова». Якщо ж підійти до полотна ближче, сніг ніби «розсипається» на сині, блакитні, рожеві мазки. Цей живописний прийом, коли дві-три різних мазка на відстані зливаються і дають потрібний колір, широко використовували французькі імпресіоністи.

Валентин Олександрович Сєров (1865-1911), син композитора, писав пейзажі, полотна на історичні теми, працював як театральний художник. Але славу йому принесли, перш за все, портрети.

У 1887 р. 22-річний Сєров відпочивав у Абрамцеві, підмосковній дачі мецената С. І. Мамонтова. Серед його численних дітей молодий художник був своєю людиною, учасником їх гучних ігор. Одного разу після обіду в їдальні випадково затрималися двоє - Сєров і 12-річна Веруша Мамонтова. Вони сиділи за столом, на якому залишилися персики, і за розмовою Веруша не помітила, як художник почав накидати її портрет. Робота розтяглася на місяць, і Веруша сердилась, що Антон (так по-домашньому звали Сєрова) змушує її годинами сидіти в їдальні.

На початку вересня «Дівчинка з персиками» була закінчена. Незважаючи на невеликий розмір, картина, написана в рожево-золотистих тонах, здавалася дуже «просторою». Там було багато світла і повітря. Дівчинка, присіли за стіл як б на хвилину і зупинив свій погляд на глядача, зачаровувало ясністю і одухотвореністю. Та й все полотно було овіяне чисто дитячим сприйняттям повсякденності, коли щастя себе не усвідомлює, а попереду -- ціле життя.

Мешканці Абрамцевского вдома, звичайно, розуміли, що на їхніх очах сталося диво. Але тільки час дає остаточні оцінки. Воно й поставило «Дівчинку з персиками» в ряд кращих портретних робіт у російської та світового живопису.

На наступний рік Сєров зумів майже повторити своє чари. Він написав портрет своєї сестри Марії Симонович ( «Дівчина, осяяна сонцем»). Назва закріпилася трохи неточне: дівчина сидить в тіні, а променями ранкового сонця висвітлена поляна на другому плані. Але на картині все так разом, так єдине - ранок, сонце, літо, молодість і краса, -- що кращу назву важко придумати.

Сєров став модним портретистом. Перед ним позували відомі письменники, артисти, художники, підприємці, аристократи, навіть царі. Мабуть, не до всіх, кого він писав, лежала у нього душа. Деякі великосвітські портрети, при філігранної техніки виконання, вийшли холодні