План.

1. Введення.

2. Зародження кубізму.
3. Новаторство кубістів.
4. Творчість Жоржа Брака.
5. Пабло Руїс Пікассо.

5.1. Освіта. Барселона.

5.2. Перші поїздки в Париж. "Блакитний" і "рожевий" періоди.

5.3. Напередодні кубізму.

5.4. Кубізм.

5.5. Подальше життя і творчість.

5.6. "Авіньйонський дівиці".
6. Поети кубізму.
7. Вплив кубізму на мистецтво.
8. Кубізм в Росії.
9. Художник Казимир Малевич.
10. Висновок.
11. Список використаної літератури.

«Треба вміти вибирати. Одна і та ж річ не може бути і правдивою, іправдоподібною ».

Жорж
Шлюб

1. Введення.

Кyбізм - (фpaнц. cubisme, oт cube - кyб) напрямок у мистецтві першачeтвepті XX вeкa. Плacтічecкій мова кубізму грунтувався нa деформації ірозкладанні предметів нa геометричні площини, пластичному зсувіфopми.

Кубізм заперечує зображення предметів у тому вигляді, як ми їхуявляємо. Він прагне знайти спосіб вираження їхньої суті. Кубізм зводитьформи до основних геометричних схем, розкладає предмети на складовічастини і об'єднує їх в абстрактне ціле плоского декоративногозображення.

Пабло Пікассо, одному з перших художників-кубістів, належатьнаступні слова: «Я пишу об'єкти такими, як я їх мислю, а не такими, як яїх бачу ». Адже насправді, коли ми дивимося на людське обличчя впрофіль, ми бачимо лише одне око, одну брову. І сприймаємо об'єкт у всійцілості, домислівая, що в нього, звичайно ж, є і друге око. Накубістичні ж портреті, будь то фас або профіль, об'єкт постає переднами побачений автором відразу з декількох точок. Автор поєднує їх в одномуобразі. Свої перші кроки художники кубісти робили саме в жанрах портрету,натюрморту, пейзажу. Як правило, це були монохромні полотна.

Багато російські художники пройшли через захоплення кубізмом, частопоєднуючи його принципи з прийомами інших сучасних художніхнапрямів - футуризму і примітивізму. специфічним варіантомінтерпретації кубізму на російському грунті став кyбoфyтypізм.

Вплив кубізму в образотворчому мистецтві тривало до 1960-хроків. До російським кубофутурист можна віднести К. Малевича з його знаменитоїкартиною "Чорний квадрат"

У своїй роботі я розповім про витоки цього напряму в мистецтві, провидатних художників кубізму, докладно зупинившись на творчості Жоржа
Брака і Пабло Пікассо, а також російського художника Казимира Малевича;приділю велику увагу картині Пікассо «Авіньйонський дівиці», а так самопостараюсь побачити світ очима цих загадкових і привабливих майстрівсвого загадкового і привабливого мистецтва.

2. Зародження кубізму.

З середини XIX століття відхід від пануючої в цей час вобразотворчому мистецтві натуралістичної традиції різко прискорюється.
Живопис, графіка, скульптура звертаються до того, що недоступно прямому
( "Буквальному") відтворенню. Відпрацювання нових образотворчих засобів,прагнення до типізації, підвищеної експресії, створення універсальнихсимволів, стислих пластичних формул направлені, з одного боку, навідображення внутрішнього світу людини, його стану (психічного,емоційного), з іншого - на посилення виразності, інформативності
"Тілесною" структури речей, оновлення бачення предметного світу аж дозавдання створення "самостійного мальовничого (образотворчого) факту",конструювання "нової реальності".

Жіноча що стоїть фігура. П. Пікассо. 1907

Остання виставка імпресіоністів в 1886 р. знаменує кінецькласичного періоду європейського мистецтва. Починаючи з цього часу вєвропейського живопису одне за одним виникають численні течії,існуючі більш-менш тривалий час: югендстіль, екс-прессіонізм,неоімпресіонізму, пуантилізму, символізм, кубізм, фовізм.

"В анархії емоційних цінностей в кінці минулого століття, - писававстрійський живописець Вольфганг Пааль, - люди, які звернулися до мистецтваяк до останнього притулку, починають розуміти, що внутрішня природа речейтак-таки значна, як і зовнішня. Ось чому Сірка, Сезанн, Ван Гог і Гогенвідкривають нову еру в живописі: Сірка - своїм прагненням до структурноїєдності, до об'єктивного методу, Ван Гог - своїм кольором, який перестаєграти описову роль, Гоген - сміливим виходом за рамки західної естетикиі особливо Сезанн - рішенням просторових завдань ". Пааль стислоохарактеризував найважливіші етапи художнього процесу, безпосередньопередували відкриттю примітивного мистецтва і того перелому, якийнамічається в європейському мистецтві близько 1907

1907 вважається поворотним у ставленні до традиційного, в першучергу африканського мистецтва, разом з тим це кордон, від якого берутьпочаток новітні художні напрями. 1906 - рік смерті Сезанна --знаменує початок особливо глибокого його впливу на ціле поколінняхудожників. Пізніше цей період був названий істориками мистецтва
"Сезанновскім", або "негритянським".

Аналізуючи творчість Сезанна і особливо його останні роботи, вяких він найближче підходить до вирішення поставлених просторовихзавдань, зіставляючи їх з найбільш характерними зразками африканськоїпластики, що є часом ідеальні приклади втілення цихпросторових рішень, можна з упевненістю сказати, що саметворчість Сезанна стало останнім і, можливо, вирішальним у ряду факторів,змусили по-новому поглянути на примітивне мистецтво.

відчутна вагомість образів, якої прагнув досягти Сезанн, намагаючисьза допомогою виявлення ритмічних, геометричних структур проникнути всутність речей і явищ і відобразити цю сутність, становить, за загальнимвизнанням, основна якість африканської пластики. Таким чином,творчість Сезанна, що було логічним результатом всього попередньогорозвитку європейського живопису, у відомому сенсі близьке до творчості Ван
Гога, Гогена і Сірка, відіграло вирішальну роль у створенні об'єктивних умов,при яких африканське мистецтво було включено у світовий художнійпроцес.

Настає момент сумісності: чужорідна естетична система нетільки визнана, але і "взята на озброєння" художньою практикою. Більшетого, примітивне мистецтво само стало інструментом відкриття, і в цьомуглибинна суть розглянутого процесу. Воно відкрило очі художникам,який виявив там, де вони менше всього чекали, нову системухудожніх цінностей, принципово відмінну від тієї, якатисячоліттями слід було європейське мистецтво.

Таким чином, в основу концепції кубізму лягла "язичницька" культура,яка свого часу викликала до життя мистецтво античності, а пізніше даланові паростки в епоху Відродження. Вона звільняла художня творчістьвід салонної легковажності, повертала його до розкриття суті речей іявищ, роблячи мистецтво у відповідності з тенденцією часу інструментомпізнання. У своїх послідовних проявах нова течія, умовнощо отримало назву "кубізм", явило глядачам структури, як би хто витягуєскелети предметів.

Відчуття глядача, який опинився на виставці перед полотнами кубістів,можна порівняти з відчуттями людини, що зібрався зробити приємнеподорож, а замість цього одержала запрошення брати участь в прокладцінових шляхів.

Реакція публіки доводила, що перехід до нового напрямку ставсястрибкоподібно, незважаючи на тривалий підготовчий період, за часякого столичний європейський глядач повинен був би значно розширитисвій кругозір. Після визнання Ван Гога вже не можна було вважати гладкопісьі натуралістичність кольору неодмінною умовою "хорошою живопису"; життя іроботи Гогена привернули увагу до "примітивним" культур і навчили бачитине стільки їх незрілість, скільки якісно інше їх стан,передбачається чимало цінного і повчального; творчість Сірка явило прикладможливості використання наукових методів для вирішення художніхпроблем; нарешті, творчий метод Сезанна, особливо техніка його останніхробіт, така близька до техніки ранніх кубістський робіт Брака, здавалося,повинна була сприяти якщо не розуміння, то хоча б визнання права наіснування цього експерименту, який називають найсміливішим в історіїмистецтва. І все ж таки роботи Брака, як і наступні роботи кубістів, буливідкинуті журі і надовго стали мішенню критики і предметом скандалу дляширокої публіки.

Новий напрям в образотворчому мистецтві і літературі, яке народилосяв епоху відкриття "l'art negre" (мистецтво негрів) і тісно з ним пов'язане,безумовно, не було єдиним горнилом, де створювався сплав новоїхудожньої культури.

Зв'язок кубізму з відкриттям африканської скульптури очевидна. Хоча питання,хто саме є першовідкривачем африканської скульптури, залишаєтьсяспірним, ні в кого не викликає сумнівів, що її урок вперше бувгрунтовно сприйнятий молодим, але вже досить відомим у той часіспанським живописцем Пабло Пікассо.

3. Новаторство кубістів.

Якщо живопис імпресіоністів проголосила умовний характер кольору, токубісти висловили новий підхід до реальності через умовний характерпростору. Ж. Шлюб писав: "не потрібно навіть намагатися наслідувати речей,які минають і постійно змінюються, і які ми помилково приймаємо защось незмінне ". Американський мистецтвознавець Дж.Голдінг писав, що кубізм -
"Найповніша і радикальна художня революція з часів Ренесансу".

Хуан Гріс. Ваза з фруктами і графин. 1914 рік.

Це протягом одним із перших втілив провідні тенденції подальшогорозвитку мистецтва ХХ століття. Однією з цих тенденцій стало домінуванняконцепції над художньої самоцінністю картини. Ще Гегелем (1770 -
1831гг.) Було відмічено, що мистецтво нового часу все більше переймаєтьсярефлексією, образне мислення витісняється абстрактним, так що межа міжмистецтвознавством і практичним творчістю стає надто тонкою.
Якщо в кубізму ця тенденція була присутня в зародковому стані, то вмистецтві постмодернізму вона стає домінуючу.

Батьками кубізму вважають Ж. Брака і П. Пікассо. До виник течієюпримкнули Фернана Леже, Робер Делоне, Хуан Гріс та ін Слово "кубізм" по -Мабуть виникло в 1908 році. Існує легенда про те, що Матіс побачившикартину Брака "Дома в Естаке", сказав, що вона нагадує йому зображеннякубиків. У тому ж році в журналі "Жиль Блаза" критик Луї Воксель пише проживопису Брака, як про що зводиться до зображення кубів. Так глузлива жарт
Матіса переросла в назву нової школи.

Період 1907-1912 років - період аналітичного кубізму (званоготакож стереометричних або об'ємним). У цей час відбувається сенсаційнаперетворення художньої реальності, небачене досі - розкладанняформи, в даному випадку на куби.

Художня практика кубістів: відмова від перспективи, скороченняфігур в ракурсах, показ їх одночасно з декількох сторін, тяжіння дозворотній перспективі.

У 1908-1909 роках і Шлюб і Пікассо шукають прийоми за межами кубізму.
Після 1912 починається період так званого "синтетичного" кубізму,іменується також "кубізмом вистави" Принцип створення художньогопростору полягав у наповненні образотворчої площини елементамирозчленованого предмета, які з тріском стикаються між собою, лягаютьпоруч, перекривають або проникають один в одного. Таким чином, картинастворюється як намальований колаж з окремих аспектів форми, як бирозрізаний на дрібні частини. Форма у кубістів постає у вигляді плоскоговідбитка, одночасно з різних сторін.

4. Творчість Жоржа Брака.

У нашій країні поняття «кубізм» асоціюється з Пікассо. Між тим,сам термін «кубізм» пов'язаний не просто з Браком, але з цілком конкретної йогороботою «Натюрморт» (1908). Існує декілька легенд щодо цьогоавторства (Матісс, Модільяні, Г. Аполлінер). Але для критики кубізм відразустав образливим словом.

Якраз у творчості Брака, який вже в ранній молодості дивився, пословами критиків, «швидше на Сезанна, ніж на Ван Гога", найбільш повнопроявився конструктивізм. Він зумів не тільки показати окремі предмети зрізних точок зору, порушивши непорушну перш центральну перспективу, щоробили вже багато. Він показав один і той же предмет одночасно вдекількох ракурсах. Але аналізом форм далеко не вичерпується його відкриття.
Один з небагатьох майстрів свого покоління, він зумів зберегти артистизм укольорі, з'єднавши «алгебру і гармонію».

«Я не художник-революціонер. Я не шукаю нестями. Пориву менідостатньо. Я люблю правило, яке стримує емоцію », - стверджує Жорж
Шлюб. Здавалося б, думка парадоксальна для художника-новатора. Але, дивлячисьна його роботи, ми чітко бачимо ту межу, яка відділяє його відреволюційності безпредметного мистецтва. Деякі фрагменти зображеннянабувають характеру знаків-символів. Це часто майже проміжну ланкуміж назвою-підписом і загальною композицією. Але межу цю він ніколи непереходить.

Артистизм для нього не менш важливий, ніж думка. У його пізніх роботахменше «загадковості». Глядач відразу дізнається світ звичайних предметів (чимпростіше, тим краще). І тут же віддається нічим не порушували споглядання скуповиразних лінійних і колірних відносин. Обсяги на відміну від ранньогокубізму не випирають з площини, не лізуть в очі, але трактовані вельмипереконливо і декоративно ( «Натюрморт з чайником »).

Мабуть, у графіку найбільш наочно проявився метод художника. У серії
«Геліос» сама авторська нумерація аркушів веде нас за думкою автора. Причомуемоційний початок несе не тільки саме зображення. Вона чітко відокремлюєтьсялінійним та кольоровим контуром на площині листа. Увесь інший простір
(безпредметною) забарвлене по контрасту: холодно-тепле. Винесеннядодаткових кольорів за межі основної композиції надає роботам особливоївишуканість.

Протягом багатьох років Шлюб постійно звертається до мотиву летитьптиці, в якій часто бачить щось містичне. Летить птах --уособлення свободи, духовного польоту, самого мистецтва. Але це ідосконалість живої форми, краса і артистизм її руху. Тут художникдосягає вершин, коли ми просто забуваємо про техніку, хоча вона тутвишукана і найбільш одноманітна в порівнянні з іншими циклами. Ми простовіддаємося безпосереднього спілкування з кожною річчю.

Вічність руху мистецтва в образі летять птахів блискуче втілив віні в кращій своїй монументальної роботи - розпису залу етрусків в Луврі.
Творчість Брака не обмежується живописом і графікою. Він створиввитончену і експресивну скульптуру, яка перегукується з грецькоюархаїкою. До вищих досягнень французького прикладного мистецтваналежать його вітражі, ювелірні прикраси. Класичними стали і йоготеатральні роботи (постановки балетів Дягілєва в Парижі в 20-і роки).

Жорж Брак. Пейзаж (Естак). 1908 рік.

Роботи Жоржа Брака - це неповторність його бачення світу і мистецтва,сам процес стрімкого, воістину революційного розвитку мистецтва ХХстоліття.

5. Пабло Руїс Пікассо (1881, Малага - 1973, Мужен)

5.1. Освіта. Барселона.

Багато дослідників прагнуть пояснити стилістична мінливістьхудожника його генами, приписуючи його матері єврейське походження, а протесім'я Пікассо була самою що не є іспанською і навіть Андалузії іналежала до середовища провінційної дрібної буржуазії. Батько художника, Хосе
Руїс Бласко (Пікассо - це прізвище матері художника), був живописцемсередньої руки і викладав в художній школі в Малазі, потім у ліцеї у
Ла Коруньї, куди він переїхав зі своєю родиною в 1891, і, нарешті, в
Художній школі в Барселоні, де у вересні 1895 до нього приєднався
Пабло. Саме тут починається його справжнє художню освіту,незважаючи на перебування протягом декількох місяців (зима 1897-1898) вакадемічному Мадриді, де він, утім, нічому особливо не навчився,оскільки його майстерність у цій області проявився ще раніш ( "Чоловік укашкеті ", 1895). Художня атмосфера Барселони, у якій переважаланеординарна особистість архітектора Гауді (майстерня Пікассо знаходиласяперед будинком, побудованим Гауді), була дуже піддана зовнішнімвпливів: Ар Нуво, мистецтва Бердслі, Мунка і північного експресіонізмув цілому, і в набагато меншому ступені - імпресіонізму та французькоїживопису, за винятком Стейнлена і Тулуз-Лотрека,вплив яких незабаромпроявилося і в творчості Пікассо ( "Танцівниця", 1901, Барселона, музей
Пікассо). Каталонські художники, з якими Пікассо знайомиться в кафе
"Чотири коти", заново відкривають Ель Греко, Сурбарана, середньовічнукаталонську скульптуру, Іспанію, більш безпосередню і пристрасну, ніжце допускалося офіційним навчанням. Ця провінційна і романтичнаінтелігенція була глибоко пронизана соціальними інтересами і відрізняласясправжньої неприборканістю анархічних кіл. Пікассо, здавалося, сильнопереживав злидні і духовне убозтво повій і п'яниць, завсідниківкабаре і будинків побачень Баррі Чіно; в них Пікассо знайшов основні рисисвоїх персонажів і теми майбутнього "блакитного" періоду (1901-1905).

5.2. Перші поїздки в Париж. "Блакитний" і "рожевий" періоди.

У 1900 Пікассо вперше побував у Парижі, де він подружився з Ісідро
Ноньелем, найбільш близьким йому каталонським художником, але справив на ньогонабагато менший вплив, ніж цього хочуть деякі іспанські дослідники.
Він знову приїжджає в Париж в 1901 і 1902, і остаточно в 1904. Незважаючина паризьку тональність деяких картин того часу ( "Любителькаабсенту ", 1901, Санктпетербург, Держ. Ермітаж), мистецтво Пікассо аж до
1907 зберігає свій чисто іспанська характер. Талановитий молодий живописецьна самоті займається в Парижі вивченням інтернаціональної живопису івбирає в себе і з разючою легкістю засвоює самі різні впливи:
Тулуз-Лотрека, Гогена ( "Життя", 1903, Клівленд, музей), Каррьєра ( "Мати ідитя ", 1903, Барселона, музей Пікассо), Пюві де Шаванна, набідов
( "Зіпершись Арлекін", 1901, приватне зібрання), а також грецькогомистецтва ( "Водопій", суха голка, 1905) і деяких іспанських традицій
( "Старий гітарист", 1903, Чикаго, Художній інститут; "Портретипані каналі ", 1905, Барселона, музей Пікассо). Після творів
"блакитного" періоду (названого так через переважного блакитного кольору), наяких зображені виснажені від роботи і голоду люди ( "прасувальницею",
1904, Нью-Йорк, музей Соломона Гуггенхейма; "Убога трапеза", офорт,
1904), картини "рожевого" періоду представляють світ циркачів і бродяг
( "Сім'я акробатів з мавпою", 1905, Гетеборг, музей; "Дівчинка на кулі",
Москва, Музей образотворчих мистецтв ім. О. С. Пушкіна; "Родинакомедіантів ", Вашингтон, Нац. гал .).

5.3. Напередодні кубізму.

Аж до 1906 живопис Пікассо носить спонтанний характер, залишаєтьсябайдужою до чисто пластичним проблем, і художник, здається, майже непроявляє інтересу до пошуків сучасного живопису. З 1905, і, ймовірно, вжепід впливом Сезанна, він прагне надати форм більше простоти ізначущості, меншою мірою, однак, що відбилася на його першускульптурних роботах

П. Пікассо. Жіночий портрет. 1907 рік.

( "Шут", 1905), ніж у творах еллінізірующего періоду ( "Хлопчик,провідний кінь ", Нью-Йорк, Музей сучасного мистецтва). Але відмова віддекоративної химерності ранньої творчості відбувається під час поїздкивлітку 1906 до Андорри, в Гозул, де він вперше звернувся до "примітивізму",чуттєвого і формального, який він буде розробляти протягомвсієї своєї творчої кар'єри. Після повернення Пікассо завершує портрет
Гертруди Стайн (Нью-Йорк, музей Метрополітен), пише страшних, варварськихоголених (Нью-Йорк, Музей сучасного мистецтва), а взимку працює над
"Авіньйонський дівчатами" (Нью-Йорк, Музей сучасного мистецтва), картиноюдуже складною, в якій поєднуються різні впливи - Сезанна, іспанськоїскульптури й африканського мистецтва, яке було (хоча сам художникзаперечував це) одним з основних джерел кубізму ( "Танець з покривалами",
1907, Санкт-Петербург, Держ. Ермітаж).

5.4. Кубізм.

У 1907-1914 Пікассо працює в такому тісному співробітництві з Браком,що не завжди можливо встановити його внесок на різних етапах кубістичніреволюції. Після періоду сезаннізма, що завершився портретом Кловіс Саго
(весна 1909, Гамбург, Кунстхалле), він приділяє особливу увагу перетвореннюформ в геометричні блоки ( "Фабрика в Хорта де Ебро", літо 1909, Санкт-
Петербург, Держ. Ермітаж), збільшує і ламає обсяги ( "Портрет

П. Пікассо. Голова жінки. 1908 рік. Акварель.

Фернанда Олів'є", 1909, Дюссельдорф, Художні збори землі Північний
Рейн-Вестфалія), розтинає їх на площини і грані, що продовжуються впросторі, що сам він вважає твердим тілом, неминуче обмеженимплощиною картини ( "Портрет Канвейлера", 1910, Художній інститут).
Перспектива зникає, палітра тяжіє до монохромності, і хочапервісна мета кубізму полягала в тому. щоб більш переконливо, ніж здопомогою традиційних прийомів, відтворити відчуття простору і тяжкостімас, картини Пікассо найчастіше зводяться до незрозумілих ребус. Щоб повернутизв'язок з реальністю, Пікассо і Шлюб вводять у свої картини друкарськийштріфт, елементи "обманок" і грубі матеріали - шпалери, шматки газет,сірникові коробки. Техніка колажу з'єднує межі кубістичні призми ввеликі площини, розташовані на поверхні і, на перший погляд, майжедовільно ( "Гітара і скрипка", 1913, Філадельфія, Музей мистецтва,збори Аренсберга; Санкт-Петербург, Держ. Ермітаж), або передає вспокійною і гумористичній манері відкриття, зроблені в 1910-1913 ( "Портретдівчата ", 1914, Париж, Нац. музей сучасного мистецтва, Центр Помпіду).
Власне кубістичні період у творчості Пікассо закінчується незабаромпісля початку Першої світової війни, розділила його з Браком. Хоча у своїхзначних творах художник використовує деякі кубістичніприйоми аж до 1921 ( "Три музиканта", 1921, Нью-Йорк, Музей сучасногомистецтва).

5.5. Подальше життя і творчість.

До 1917 відноситься перший досвід роботи Пікассо як театральнийхудожника. Він створив ескізи костюмів і декорацій до постановки балету Параддля «Російських сезонів» Сергія Дягілєва. Наступного року одружився на одній збалерин трупи Дягілєва, Ользі Хохлової.

П. Пікассо. Автопортрет. 1907 рік.

У 1920-і роки Пікассо продовжував працювати для театру, а також писавкартини у різноманітних стилях, від неокласики до кубізму і сюрреалізму. У
1928-1931 Пікассо разом зі своїм старим другом Гонсалесом займавсястворенням творів з металевих зварних конструкцій. На початку 1930 --х років художник зробив кілька графічних серій, у тому числі 30 офортівдо метаморфоз Овідія для видавництва «Скіра» і до Невідомого шедевру
Бальзака на замовлення колекціонера Амбруаза Воллара. Кілька основнихмотивів, які зазвичай асоціюються з творчістю Пікассо, - Мінотавр,художник і модель та ін, - увійшли у знамениту серію офортів Сюїта Воллара,над якою він почав працювати в 1930. У ці роки шлюб розпався Пікассо; йогоновою коханою стала Марі-Тереза Вальтер.

У 1936, коли в Іспанії почалася громадянська війна, Пікассо став насторону республіканського уряду і на підтвердження своєї лояльностіприйняв пропозицію зайняти почесний пост директора музею Прадо. НаприкінціКвітень 1937 світ дізнався про бомбардування Герніки, в результаті якоїмаленький баскська містечко був стертий з лиця землі. Пікассо висловив своєставлення до сталось у панно Герніка. Воно призначалося дляіспанського павільйону на Всесвітній виставці в Парижі, а потім зберігалося внью-йоркському Музеї сучасного мистецтва. У 1981, через шість років післясмерті Франко, картина була передана в Прадо.

Під час Другої світової війни Пікассо жив у Парижі разом з Франсуазою
Жило, яка народила йому двох дітей. У 1946 майстер звернувся до мистецтвакераміки і практично власними силами відродив в містечку Валлоріс на
Рив'єрі колись процвітало там керамічне ремесло. Пікассо завждицікавився новими технологіями, а в 1947-1950 розробив особливу технікулітографії.

У 1944 художник вступив до Французької комуністичної партії.
Політичні переконання Пікассо, що знайшли відображення в Герніка, зновупроявилися в картині Війна в Кореї (1951) та двох великих панно Війна і Мир
(1952), створених для прикраси Храму Миру в Валлорісе. У 1950-і рокиминуло кілька ретроспективних виставок Пікассо; тоді ж він познайомивсяз Жаклін Рок, на якій одружився в 1961. У 1950-1960-ті роки художниквступив в діалог з великими майстрами минулого: у 1954-1955 він написавкілька варіацій на тему картини Делакруа Алжирські жінки, в 1957 -
Меніни Веласкеса, а в 1959-1960 - Сніданку на траві Мане. У 1960-і роки
Пікассо створив монументальну скульптурну композицію заввишки 15 м длягромадського центру в Чикаго. У 1970 художник подарував понад восьмисотсвоїх творів музею-палацу Агілар в Барселоні. Пікассо помер в Мужені
(Франція) 8 квітня 1973.

Музей Пікассо був відкритий в Барселоні, завдяки самому художникові,який в 1970 підніс у дар місту свої роботи. У 1985 музей Пікассо буввідкрито і в Парижі (готель Салі); сюди увійшли роботи, передані спадкоємцямихудожника, - більше 200 картин, 158 скульптур, колажі і тисячі малюнків,естампів і документів, а також особиста колекція Пікассо. Нові дариспадкоємців (1990) збагатили паризький музей Пікассо, Міський музейсучасного мистецтва в Парижі та кілька провінційних музеїв (картини,малюнки, скульптури, кераміка, гравюри та літографії).

Вже перші малюнки Пікассо, виконані в барселонській художньоїшколі та Академії Сан-Фернандо, виглядають як твори майстра, повністюволодіє технікою малюнка. У картині Мулен де ла Галетті (1900)відчувається інтерес дев'ятнадцятирічного художника до нічного життя Парижа,особливо такою, якою її зображав Тулуз-Лотрек. З початку 1900-х років втворчості Пікассо прийнято виділяти кілька періодів, яким повеличезному стильовому різноманітності та відмінності формального ладу навряд чи можназнайти паралелі в інших художників.

Картини Пікассо «блакитного періоду» відображають світ самотньої людини.
Іноді в роботи художника проникають ліричні нотки, наприклад в картині
Блакитна кімната (1901, Вашингтон, галерея Філіпс), але більш типові дляцього періоду його творчості мотиви убогості і крайньої втоми. На картині
Старий гітарист (1903, Чикаго, Художній інститут) зображенаподовжена, болісно зігнута постать. Всепроникаючий блакитний колір --візуальний акомпанемент меланхолійної мелодії. Загадковість ізадумливість, розлиті в творах Пікассо цих років, мов досягаютьграничної концентрації у великому полотні Життя (1903, Клівленд, Музеймистецтва). Молода пара з сумом дивиться на жінку, що тримає на рукахдитини.

«Рожевий період» (1905-1906) відзначений радикальною зміною кольору інастрої в творчості Пікассо. Блакитний тон робіт попередньогоперіоду поступився місцем ніжним відтінків рожевого і сірого в поєднанні зяскравими квітами. У ці роки Пікассо часто зображав клоунів, акробатів ібродячих циркових артистів. Картина Сім'я бродячих циркачів (1905,
Вашингтон, Національна галерея) на перший погляд здається вільно і широконаписаної яскравою віньєткою з фігур акробатів. Вдивившись уважніше,глядач помічає, що кожен персонаж психологічно відокремлений від інших ітут панує атмосфера самотності. До цього періоду належать такожчисленні гравюри і перша серія скульптур.

У роботах, виконаних влітку 1906 в містечку Госол в іспанських
Піренеях, вперше з'являються симптоми рішучого розриву з класичноїтрадицією. Як Гоген, Бранкузі і фовістів, Пікассо відчувнеобхідність почати спочатку, звернувшись до наївної, примітивногомистецтву. М'які елегантність змінилася брутальністю масивних і жорсткихформ. Фігури придбали пластичні якості стародавньої іберійської скульптури.
Первісна міць відчувається і в Портреті Гертруди Стайн (Нью-Йорк, музей
Метрополітен), і в Автопортреті (1906, Філадельфія, Художній музей).

Пікассо ніколи остаточно не відмовлявся від сюжету, оскільки сенскубізму в чому полягає в дослідженні відносини творимистецтва до реального світу. Наприклад, у Натюрморті на плетеному стільцікомпозиція, вписана в овал, обрамлена цією мотузкою; всередині картинивиявляються зіставленнями гострі кубістичні площині, літери JOU і те,що покликана зображувати плетене крісло (шматок клейонки від дешевих меблів).
Літери JOU можна інтерпретувати як початок слова journal (газета) аборозуміти дослівно (jou - корінь французького слова jouer - грати).
Картина дійсно є грою, так як художник пропонує глядачевізіставити різні рівні реальності: шматок цієї мотузки, плетінкувід крісла й живописну поверхню.

Починаючи з 1912 кубізм приймає новий напрямок розвитку і отримуєназва «синтетичного кубізму». Процес розкладання форм на невеликіфрагменти змінився декоративністю, що перетворює картини в площиннібарвисті панно. З 1912 широко використовується техніка колажу (тобтопобудови композицій зі шматочків паперу та інших матеріалів, наклеєних наполотно). У цьому жанрі Пікассо досяг чудових результатів, доповнюючиживописні композиції відповідними за змістом газетними ілюстраціями абофрагментами текстів. Наприклад, він наклеював на полотно фотографію рибальськогосудна так, що виходило, ніби корабель ловить рибу в намальованому бокалівина.

Простір великих картин, створених між 1913 і 1919, таких, як
Арлекін (Нью-Йорк, Музей сучасного мистецтва), заповнений яскравимиконтрастними плямами кольору; подібні декоративні ефекти вже далековідстоять від головоломок аналітичного кубізму. Найвище досягнення в цьомустилі - дві картини з однаковою назвою Три музиканта, створені в 1921
(Нью-Йорк, Музей сучасного мистецтва; Філадельфія, Музей мистецтва).

Для Пікассо протягом всього його довгого творчого шляху булохарактерне прагнення працювати в декількох різних стилях одночасно.
Особливо яскраво це проявилося в кінці 1910-х - початку 1920-х років, коли
Пікассо одночасно з кубістичні композиціями створював вишукані івитончені малюнки, такі, як Купальниці (Кеймбрідж, шт. Массачусетс,музей Фогг). У кубізму підкреслювалася площинність зображеногопростору, а на пізньому етапі розвитку стилю він став заповнюватисяяскравими кольоровими плямами. Однак, коли Пікассо хотів передати міцьскульптурних форм, він звертався до класичної стилістиці, що нагадуваладеякі з його картин 1905-1906. Дві сидять жінки (1920, Нью-Йорк,приватне зібрання) - характерний приклад роботи в цьому напрямку. Великіпрості форми модельовані світлом і тінню, що створює монументальнийобраз, майже настільки ж скульптурний, як і мальовничий.

5.6. "Авіньйонський дівиці".

У 1905 р. Пікассо створює свою знамениту серію "Акробати", "Дівчинка накулі "," Сім'я акробатів "та інші композиції" рожевого "періоду,сповнені м'якого ліризму, ще більш деталізовані, близькі до натури,ніж попередні роботи. Вони не віщують того перелому у творчостіхудожника, який настає раптово і з усією різкістю проявляєтьсявперше у великій композиції "Авіньйонський дівиці". Це картина була розпочатав 1906 р. в манері, досить близькою попереднім: портрет Гертруди Стайн,
"Дві оголені жінки" (обидві картини написані в 1906 р.). Але коли вонабула закінчена, в 1907 р., в ній не залишилося нічого, що нагадувало бколишнього Пікассо "рожевого" періоду. П'ять оголених жіночих фігур,зображених у різних ракурсах, що заповнюють майже всю поверхню полотна,як би грубо витесані з твердого дерева або каменю. Тіла граничноузагальнені, особи позбавлені виразу. Складки драпіровок, що складають фонкартини, створюють відчуття розпаду і дисгармонії.

Авіньйонський дівчини. П. Пікассо. 1907 рік.

Картина Авіньйонський дівиці (Нью-Йорк, Музей сучасного мистецтва),яку Пікассо зважився виставити лише через багато років після її створення,є одним з найбільш революційних творів початку 20 ст. На першійпогляд, це всього лише варіація традиційного сюжету - купальниці на тліпейзажу. Однак нарочиті зміщення форм створюють ефект, автономногопростору. Полотно більш не розглядається як вікно в ілюзорнепростір. Картина тепер не вважається наслідуванням природі і взагалі чогоб то не було; відтепер вона самоцінний, незалежний об'єкт.

У картині Авіньйонський дівиці зображення складається з декількохфрагментів мальовничих площин, які виявляються не жорсткоскріпленими, а що знаходяться у вільному русі один щодо одного.
Якщо глядач дивиться на верхній правий кут картини, він з великими труднощамиможе виявити площині, що розмежовують обсяги предметів і пустепростір. Таког?? поділу - одного з основних понять длявсієї попередньої західноєвропейського живопису - у цій роботі неіснує. Спотворені форми зі зрізаними кутами і суміщенням фрагментіврізних просторових планів передають відчуття необработанності первинноїматерії. У пошуках первісної енергії і потужності Пікассо, як уже зазначалося,звертався до мотивів іберійської скульптури і африканських різьблених дерев'янихмасок - форм примітивного мистецтва, які на початку століття викликаливеличезний інтерес у паризьких художників і любителів мистецтва.

Задум і композиція картини Авіньйонський дівчата відповідають естетицікубізму - напряму в мистецтві, яке створили ок. 1909 Пікассо і Шлюб.
Перша фаза розвитку цієї течії (1909-1912) отримала назву
«Аналітичний кубізм»: предмети, все ще пізнавані, як би розкладені наскладові їх абстрактні геометричні форми. Напрямок розвиткукубізму на ранній стадії можна послідовно проілюструвати картинами
Пікассо: сидить жінка (1909, Лондон, колекція Пенроуз), Портрет
Канвайлера (1910, Нью-Йорк, приватне зібрання) і Моя красуня (1911, Нью-
Йорк, Музей сучасного мистецтва). Поступово сюжет втрачає своє значення;відмінність між предметами і вільним простором зникає, композиціястає все більш дробової. Всупереч поширеній думці, в цілі Пікассо і
Шлюбу не входило зображення предмета одночасно з різних точок зору.
Скоріше вони прагнули використовувати предмети як засіб дослідження новихпросторових відносин, які могли існувати тільки всередині самоїкартини і не були пов'язані з зоровим сприйняттям реального світу.

Картина справила глибоко гнітюче враження на друзів художника.
Одні вважали її містифікацією, інші заговорили про душевної хвороби автора.
Ж. Брак, що побачив "авіньйонських дівчат" одним з перших, обурено заявив,що Пікассо хоче змусити його "є клоччя і пити гас". Засвідченням Гертруди Стайн, відомий російський колекціонер С. І. Щукін,великий шанувальник живопису Пікассо, коли я прийшов до неї після відвідування майстерніхудожника, мало не зі сльозами на очах вигукнув: "Яка втрата дляфранцузького живопису! "Маршал, до того скуповували всі роботи Пікассо,відмовилися придбати цю картину, значення якої в 1907 р. зрозуміли,здається, тільки дві людини - Гійом Аполлінер і Даніель Анрі Канвейлер.
Саме ця картина, так і залишилася, невизнаної, знаменує початок нового,
"Негритянського" періоду у творчості Пікассо і нового напрямку у світовомумистецтві - кубізму.

"Картина" Авіньйонський дівиці "не є у власному розуміннікубістський картиною, - пише найбільший англійський дослідник Джон
Голдінг. - Кубізм реалістичний ... в певному сенсі це - мистецтвокласичне. "Дівчата" ж справляють враження крайньої напруженості ...
Разом з тим цей полотно, безперечно, відзначає перелом у творчості Пікассоі, більш того, початок нової ери в історії мистецтва. Він є логічноювідправною