1.

1. Історія винаходу кіноапарата. Кінетоскоп Едісона.
Винахід кінематографа не було одноразовим актом. Це був розтягнутий у часі процес складання окремих фрагментів мозаїки. Перша з найважливіших складових кіно - проекція, зародилася ще доісторичні часи, коли первісний хлопчик милувався тінню своїх рук на стіні. Гра світла і тіней зачаровувала людей в Стародавній Греції. Приблизно в 360 році до нашої ери Платон описував у своїй книзі "Республіка", як рухаються тіні, відкидаємо полум'ям вогнища на стіни печери. Деякі історики кіно вважають це опис печери Тіней першою згадкою про рухомих образах. Лялькарі середньовічної Яви, Китаю та Індії, влаштовуючи подання на основі місцевих міфів і легенд, використовували гру світла й тіні, щоб проектувати силуети вироблені зі шкіри ляльок на напівпрозорий екран. Аналогічні лялькові вистави набули популярності в Європі наприкінці XVIII століття, в період бурхливого розквіту науки, що отримав назву епохи Просвітництва.
Більш ускладнений варіант проекції виник з появою "чарівного ліхтаря", винайденого в другій половині ХVII століття і користувався популярністю аж до XIX століття. "Чарівний ліхтар" - прилад, в якому за допомогою лінзи сонячне світло, відбите від дзеркальної поверхні з нанесеним на неї малюнком, проектувався на екран. Публічну демонстрацію цього винаходу провів у 1662 році Томас Расмуссен Вальгенштейн.
Невдовзі побачили світ різні механічні винаходи, які створювали ілюзію руху. Однак справжнє кінематографічний рух стало можливо лише завдяки використанню властивості людської психіки, відомого як "безперервність руху". Воно полягає в тому, що видимий образ зберігається в мозку протягом короткого проміжку часу після того, як сам предмет прибраний з поля зору. Починаючи з 30-х років XIX століття стали з'являтися забавні іграшки, такі як феніскоп, зоотроп і праксіноскоп Еміля Рейно, які показали, що якщо перед очима людини виникають швидко змінюються окремі зображення предмета, то створюється образ безперервно рухомого зображення. Картинки, що використовувалися в цих ранніх приладах, були намальовані. Фотографія, що з'явилася в 1839 році, вимагала великої витримки, не даючи можливості зробити серію фотознімків з невеликими інтервалами. У 70-80-ті роки минулого століття цей недолік вирішувалося різними експериментаторами. Завдання спростилася з винаходом міцною і гнучкою целулоїдної плівки. З цього моменту винахідники з різних країн світу стали наввипередки пропонувати різноманітні пристрої для кінокамер і проекційних апаратів. Але заслуга винаходу перше практичної кінокамери - кінетографа (1882 рік), належить Вільяму Кеннеді і Лорі Діксон. Їх коротенькі фільми можна було дивитися через вузенький вічко цього апарата. Першим же проекційним апаратом, що пройшов успішні випробування на публіці в 1895 році став сінематограф братів Люм'єр. У лютому 95-го Огюст і Луї Люм'єр патентіруют свій винахід - апарат для зйомки, проекції і друку фільмів. У березні Луї за допомогою винайденого апарату знімає фільм "Вихід робітників з фабрики Люм'єр". А в грудні ...
2. Творчість Д. Лукаса або С. Спілберга (на вибір)
Закінчив кінофакультет університету Південної Каліфорнії. За короткометражний фільм «TНX-1138» отримав головний приз Національного фестивалю студентського кіно (1967). Був асистентом Ф. Ф. Копполи на стрічці «Люди дощу» і зняв два документальні картини про процес кіновиробництва. Перший повнометражний фільм Лукаса «TНX 1138» (1971), спродюсований Копполою за $ 750 000 і заснований на однойменній студентської короткометражці, не приніс фінансового успіху, хоча був прихильно прийнятий критиками.
«Американські графіті» (American Graffiti, 1973) - одна з перших картин у стилі ретро, де в якості неповоротного минулого фігурують вже не 30-50-е, а початок 60-х років. Будучи знятим знову за допомогою Копполи і всього за $ 750 000, він став одним з чемпіонів 70-х років за касовими зборами. Це майже автобіографічна картина. Лукас зізнавався, що риси його індивідуальності проступають у характерах відразу трьох юних героїв, і тільки із безтурботним і впевненим у собі старостою класу у молодого Лукаса немає нічого спільного. Фонограма фільму насичена рок-хітами того часу, зазвучали в ностальгійному контексті зовсім по-новому. Цей прийом став потім майже обов'язковим у стрічках про 50-60-х роках. У картині виявилася принципова риса стилю Лукаса: ідеалізація дійсності, ставлення до неї як до казки, в даному випадку втраченої
Його наступний (і найзнаменитіший) фільм «Зоряні війни» (Star Wars, 1977) - свого роду класика кіно епохи голлівудського постмодерну, американська міфологія коміксів. І разом з тим казковий
Надалі Лукас вважав за краще виступати як продюсер, сценарист, керівник постановок - «Імперія завдає удару у відповідь» (The Empire Strikes Back, 1980), «Шукачі втраченого ковчега» (Raiders Of The Lost Ark, 1981), «Повернення джиди» (Return Of The Jedi, 1983), «Індіана Джонс і храм долі» (Indiana Jones And The Temple Of Doom, 1984), «Індіана Джонс і останній хрестовий похід» (Indiana Jones And The Last Crusade, 1989). Крім основної компанії «Лукас філм», він організував фірму «Індастріал лайт енд Меджик», що спеціалізується на візуальних ефектах, а також науково-дослідний інститут «Спрокет системс». Але після грандіозного успіху в прокаті 1997 знову випущеного фільму «Зоряні війни» і двох його продовжень Лукас оголосив, що нарешті реалізує давню мрію і сам зніме в 1998-2005 роки три пропущені серії - передісторію всієї космічної трилогії.
Народився: 14 травня 1944
Місце народження: Modesto, штат Каліфорнія, США
Закінчив кінофакультет університету Південної Каліфорнії. За короткометражний фільм «TНX-1138» отримав головний приз Національного фестивалю студентського кіно (1967). Був асистентом Ф. Ф. Копполи на стрічці «Люди дощу» і зняв два документальні картини про процес кіновиробництва. Став одним з ініціаторів процесу (разом зі Спілбергом), перевернув уявлення Голлівуду про те, що є сучасне кіно, а їх творчість стимулювало входження американського комерційного кінематографу в епоху постмодернізму. Перший повнометражний фільм Лукаса «TНX 1138» (1971), спродюсований Копполою за $ 750 000 і заснований на однойменній студентської короткометражці, не приніс фінанси успіху, але був прийнятий критиками. Цей фільм знято з мінімумом спецефектів, але з максимумом авторської фантазії, що дає привід багатьом критикам, роздратованим многоміліоннимі бюджетами його наступних робіт як продюсера, вважати «ТНХ 1138» кращою.
«Американські графіті» (American Graffiti, 1973) - одна з перших картин у стилі ретро, де в якості неповоротного минулого фігурують вже не 30-50-е, а початок 60-х років. Один американський критик назвав фільм «фрескою про часи невинності». Будучи знятим знову за допомогою Копполи і всього за $ 750 000, він став одним з чемпіонів 70-х років за касовими зборами. Це майже автобіографічна картина. Фонограма фільму насичена рок-хітами того часу, зазвучали в ностальгійному контексті зовсім по-новому. Цей прийом став потім майже обов'язковим у стрічках про 50-60-х роках. У картині виявилася принципова риса стилю Лукаса: ідеалізація дійсності, ставлення до неї як до казки, в даному випадку втраченої. Але кіно на те й існує, щоб реконструювати, воскресити казку. І тому звернення до фантастики (правда, принципове переосмислення) було цілком природним.
Його наступний фільм «Зоряні війни» (1977) - свого роду класика кіно епохи голлівудського постмодерну, переконструірованная та електронно модернізована американська міфологія коміксів. І разом з тим казковий світ з його манихейством - поділом на чорне і біле. Не можна скидати з рахунків і патріотичний пафос стрічки, хронологічно майже співпала з неоконсервативної революцією Рейгана, відверто використовував концепції «імперії зла» і «зоряних війн» як назви космічної оборонної системи у своїй пропагандистській риториці.
Поряд з іншими подіями сезону 1976-1977 - виходом фільму Спілберга «Близькі контакти третього виду», появою на прилавках магазинів перше побутових відеомагнітофонів, а також складанням в гаражі Возняком і Джобсом персонального комп'ютера «Еппл», картина «Зоряні війни» сповіщав про входження до самостійне життя покоління «бейбі-бумерів», що народилися в кінці або відразу після війни.
Надалі Лукас вважав за краще виступати як продюсер, сценарист, керівник постановок - «Імперія завдає удару у відповідь» (1980), «Шукачі втраченого ковчега» (1981), «Повернення джиди» (1983), «Індіана Джонс і храм долі» (1984) , «Індіана Джонс і останній хрестовий похід» (1989). Крім основної компанії «Лукас філм», він організував фірму «Індастріал лайт енд Меджик», що спеціалізується на візуальних ефектах, а також науково-дослідний інститут «Спрокет системс». Але після грандіозного успіху в прокаті 1997 знову випущеного фільму «Зоряні війни» і двох його продовжень Лукас оголосив, що нарешті реалізує давню мрію і сам зніме в 1998-2003 роки три пропущені серії - передісторію всієї космічної трилогії.

3. Аналіз фільму «Дорога»

2.

1. Зародження і формування кінематографії в Європі (1895-1914 рр.).
Перші кінофільми складалися з одного плану, рідко перевищує одну хвилину за тривалістю. Це дійсно були "рухомі фотографії". Ось як пише про ці перших фільмах критик Хрисанф Херсонський: "Перші кінозйомки, зроблені в різних країнах, мали однією специфічною рисою, яку умовно називають однолінійної. Фільм знімався безперервно і складався з одного шматка: поїзд наближається до перону - це фільм, люди виходять з воріт фабрики - інший фільм ". Херсонський Хрисанф "Сторінки юності кіно", изд-во "Мистецтво", 1965, М.
Першим же, хто показав, що кіно може бути використано не тільки для фіксації справжніх подій, але й для розповіді різних авантюрних історій, став француз Жорж Мельєс. Мельєс - піонер режисури, спробувати свої сили майже у всіх жанрах. Завдяки своєму дотепності, винахідливості і вражаючою фантазії, він створив фільми, які не втратили своєї привабливості і зараз. У перші десятиліття ХХ століття Мельєс став найбільш процвітаючим кінопродюсером, але до початку Першої Світової війни розорився, не встигнувши пристосуватися до нових віянь в кінематографі. До свого фінансового фіаско йому все-таки вдалося збільшити змістовність кіно: він зробив серії живих картин, що слідували одна за одною, як п'єса на сцені. Спочатку кожна така сцена вважалася окремим фільмом. Але в "Попелюшку" (куди ж без неї!), Знятої у 1899 році, Мельєс об'єднав живі картинки за допомогою напливу. Незабаром режисери стали використовувати більш складні техніки об'єднання окремих фільмів або "кадрів", як їх тепер називають.
2. Творчість Фернандель або Л. Де Фюнеса (на вибір) ---
3. Аналіз фільму «Кабаре»

3.

1. Зародження і формування кінематографії в США (1894-1914 рр.).
В "Життя американського пожежного" (1903) режисера Едвіна С. Портера документальні кадри боротьби з пожежами сусідять з ігровими, що зображують як пожежний виносить з вогню жінку з дитиною. Драматичні й емоційні можливості кіно отримали свій подальший розвиток у стрічці Портера "Велике пограбування поїзда" (1903). Це найвідоміша картина початку століття, в якій майстерно поєднувалися павільйонні і натурні зйомки. Відкриття Портера надихали на нові пошуки інших режисерів, серед яких був Девід Уорк Гріффіт. У своїх 400 одногодинні картинах Гріффіт розкрив всі можливості німого кіно. Головна його відкриття полягало в тому, що, виявляється, епізод можна розбити на окремі короткі фрагменти, не закінчені самі по собі, які по-різному можна складати в єдине ціле. Тепер ми називаємо це монтажем і не знаходимо нічого дивного в цьому. Але тоді Гріффіт провів переворот в кінематографі.
2. Творчість А. Маньяні або С. Лорен (на вибір)
Софі Лорен (нар. 9 вересня 1934)
Софія - по-грецьки мудрість. Софія Шіколоне з'явилася на світ 9 вересня 1934 року в римському госпіталі для незаможних. Її мати, Ромільда Віллані, невдала провінційна актриса, а тепер ще й мати-одиначка. Батько дівчинки, теж актор пересувного театру. Мати поїхала за ним у Рим, але він так і не одружився з нею, вона повернулася в рідне селище Піццуолі. Тут, у ветхій халупі на березі моря, в жахливій тісноті і бідності Софія провела свої дитячі роки. Однак до 15-ти років Софія з худий дівчинки-підлітка перетворилася в красиву струнку дівчину, і Ромільда Віллані, досвідченим поглядом актриси, оцінивши яка відбулася метаморфозу, мабуть, вирішила здійснити в дочки свої нездійсненні мрії. Юна Софія, підбадьорювала честолюбної матір'ю, вдягла сабо на високій платформі, і, прикріпивши до лівої бретельки яскравого купальника номерок, стала до ладу конкурсанток, які мали дефілювати в реальних, декорації неаполітанського пляжу, де проходив конкурс на звання "Принцеси моря". У 1949 році цей титул був присвоєний синьйорина Шіколоне. А через рік - знову удача: Софія отримує новий титул "Міс Витонченість" на загальнонаціональному конкурсі краси в Римі.
Цілими днями серед інших стражденних статисток проводила Софія разом з матір'ю в прийомних продюсерів. Вона тверезо оцінювала і свої перші нікчемно-маленькі ролі, і самі фільми, в яких їй зрідка вдавалося зіграти. Нарешті, її затвердили на головну роль у фільмі "Африка під морями". Але продюсеру не подобалося ім'я. Його поміняли на Софі Лорен.
Везінням, вирішили наперед її артистичну долю, стала зустріч з Вітторіо Де Сіка. Результатом стали 14 фільмов.Режіссер і сам актор, Вітторіо де Сіка не тільки відкрив Лорен, але став її вчителем, її режисером, з яким вона створила кращі свої ролі. Де Сіка розумів, що мало використовувати тільки фактуру гарної дівчини. Треба примусити працювати її розум і спостережливість, треба змусити її "переварити" той невеликий життєвий досвід, який вона мала, - знання повсякденного життя і характер простих неаполітанців.
У їхньому першому спільному фільмі "Золото Неаполя" Софі Лорен грає роль продавщиці піци. Молоду акторку відразу помітили глядачі і Софі їм сподобалася. Адже вона була однією з них, тільки самої, красивою.
1955 був названий роком Софі Лорен: вона знялася у Різі, Джанні, Блазетті, Солдати і за популярністю перевершила двох головних своїх суперниць Сільванії Мангано і Джину Лоллобріджиду. У фільмі Блазетті "Шкода, що ти така каналья ..." її партнерами були сам Вітторіо Де Сіка і мало відомий в ту пору Марчелло Мастроянні.
А в 1956 році Софі Лорен відправилася в Америку. Успіх був приголомшливим. Першим не витримав Стенлі Креймер і запросив її в свій фільм "Гордість і пристрасть". Потім з нею був укладений контракт на 4 роки, 12 картин і 2 млн. доларів. "Хлопчик на дельфіна" Жана Негулеско, "Тімбукту" Генрі Хеттуея, "Чорна орхідея" Мартіна Рітті, "Любов під в'язами" Делберт Манна, "Ключ" Керола Ріда І партнери - Ентоні Перкінс, Керрі Грант. Лорен відчувала, що її тема, її образ, підказаний, звичайно ж, Вітторіо де Сіка, чекає її на батьківщині, в Італії.
Повернувшись з Америки ще більш знаменитою, і вже багатою і незалежною, Софі Лорен вийшла заміж за продюсера Карло Понті і почала працювати з Де Сіка, на письмовому столі якого лежав антифашистський роман Альберто Моравіа "Чочара". Ролі були розподілені так: Чезіра - Анна Маньяні, її дочка - Софі Лорен. Однак Маньяні, місце якої на екрані в той період зайняли "Гарненькі мордочки" і "сексапільні фігурки", навідріз відмовилася грати, супроводжує свою відмову отруйної фразою, що залишилася в історії кіно: "Та хіба я можу бути матір'ю такої голоблі?" Де Сіка намагався вмовити її, але Анна була непохитна: "Послухай, Вітторіо, якщо тобі так подобається ця Лорен, дай їй роль матері", - не витримавши, сказала Маньяні. Слова, що прозвучали як насмішка, виявилися пророчими.
За цю роль Лорен була нагороджена багатьма призами, але головними вважала два: "Срібну стрічку", отриману на батьківщині за краще виконання жіночої ролі, і "Оскара", який їй присудили в Америці, як кращої іноземної актрисі року.
Так почалася епоха Лорен - Де Сіка - з "Чочари" і з підготовленого Понті контракту, згідно з яким Де Сіка зобов'язався знімати по одному фільму в рік за участю Лорен. Саме цим фільмам судилося стати найбільш значними в її фільмографії: "Бокаччо-70", "Затворник Альтона", "Вчора, сьогодні, завтра", "Шлюб по-італійськи". У цей період Софі Лорен знімалася і в інших режисерів, не тількио в Італії, але в Америці і в Європі, однак "закордонні" ролі її слави не примножили. Творці цих посередніх стрічок намагалися поправити своє становище і репутацію за рахунок знаменитої італійської кінозірки. Софі знала це. Але з двох зол - зніматися в картинах середньої руки або не зніматися зовсім - вона вибрала перше.
У 1967 році Понті, бажаючи підняти рівень картин за участю Лорен, фінансував "Графиня з Гонконгу" Чарлі Чапліна. Актрисі лестило працювати під керівництвом "самого Чарлі", та ще й у парі з вже знаменитим Марлоном Брандо. Однак комедія вийшла старомодною, нудною, і не викликала інтересу у глядачів. Софі Лорен знову повернулася до Італії.
У 1969 році вона разом з Марчелло Мастроянні приступила до роботи над новим фільмом Вітторіо Де Сіка "Соняшники", який знімався в Радянському Союзі. У цьому ж році журналісти Голлівуду присудили Софі Лорен приз "Золота куля", як самої популярної актриси світу, згідно з опитуванням, проведеним у 38 країнах.
Завдяки Софі Понті перетворився на продюсера міжнародного класу, тим паче, що в їх співдружності з Де Лаурентіс він стояв все-таки сходинкою нижче, оскільки у Діно була Мангано, а Понті не мав своєї актриси.
У 1957 році Лорен І Понті оформили шлюб у Мексиці, так як Понті вже був одружений, а в Італії ще не було закону про розлучення. Чоловік і діти зайняли головне місце в її житті, і, може бути, Софі залишила б артистичну кар'єру, якщо б не Понті, рішуче заперечує проти цього.
Коли популярність Софі Лорен стала спадати, а це було на початку 70-х, Понті задумав і підготував автобіографічну книгу про її життя "Живучи і люблячи", написану самої Софі Лорен. Вихід цієї книги супроводжувався рекламною кампанією, яка не знає собі рівних. А в 1980 році вона знялася у фільмі "Історія Софі Лорен", зігравши дві ролі: свою матір Ромільда Віллані і себе, Софію Шіколоне, Софі Лорен, синьйору Понті.
У 1991 році Софі Лорен приїжджала до Москви на МКФ разом з молодшим сином і своїм фільмом "Субота, неділя, понеділок". Ця картина була поставлена Діно Різі за однойменною п'єсою Едуардо де Філіппо та присвячена пам'яті Вітторіо Де Сіка, "під диктовку" якого Софі написала головну сторінку своєї долі "," Актриса ".
Фільмографія:
ДВА буркотливий СТАРИКИ II: ОДИН сварлива ІНШОГО (СТАРІ Буркун розБУШувався) (1995)
ВИСОКА МОДА (Готове плаття/готового одягу) (1994)
Кривавий Ворожнеча ДВОХ ЧОЛОВІКІВ З-за вдову, підозрюваних ПОЛІТИЧНІ МОТИВИ (1979)
Вогневу міць (1978)
Арабески (1966)
ОПЕРАЦІЯ Арбалет (1965)
Падіння Римської імперії (1964)
ШЛЮБ-ПО ІТАЛІЙСЬКИ (1964)
ВЧОРА, СЬОГОДНІ, ЗАВТРА (1963)
Затворник Альтона (1962)
МАДАМ без забобонів (1962)
Боккаччо 70 (1962)
ЧОЧАРА (1961)
ЕЛЬ СІД (1961)
ЧОРНА ОРХИДЕЯ (1958)
Гордість і пристрасть (1957)
Золото Неаполя (1954)
ДВІ НОЧІ З Клеопатра (1954)
ХЛІБ, ЛЮБОВ І ФАНТАЗІЯ
Премії та нагороди: ОСКАР
Переможець у категоріях:
Краща актриса
1962 - ЧОЧАРА
Номінований в категоріях:
Краща актриса
1965 - ШЛЮБ-ПО ІТАЛІЙСЬКИ

Каннський кінофестиваль
Переможець у категоріях:
Краща актриса
1961 - ЧОЧАРА

Венеціанський кінофестиваль
Переможець у категоріях:
Краща актриса
1958 - ЧОРНА ОРХИДЕЯ

У 1990 році актриса отримала почесну премію "Сезар". У 1998 році отримала "Золотого Лева" за творчу кар'єру на МКФ у Венеції.

3. Аналіз фільму «400 ударів»
Драма
Франція 1959; 1,33; кол
Режисер: Франсуа Трюффо/Francois Truffaut/
У ролях: Жан-П'єр Лео/Jean-Pierre Leaud /, Жак Моно/Jacques Monod /, Клер Морье/Claire Maurier /, Альбер Ремі/Albert Remy /, Гі Декомба/Guy Decombie /, Патрік Оффей/Patrick Auffay /, Жорж Фламент/Georges Flament /, Івонн Клоді/Yvonne Claudie /, Робер Бюве/Robert Beauvais /, Клод мансарда/Claude Mansard/
Ця незвичайна стрічка була першим художнім фільмом Франсуа Трюффо, який до цього був більше відомий як чертовски небезпечний і колючий кінокритик з журналу "Cahiers du Cinema". "Чотириста ударів" не тільки один із самих головних фільмів французької "нової хвилі", а й першою в серії Трюффо, що включає в себе "Антуан і Колетт" (новела з фільму "Кохання у 20 років"), "Вкрадені поцілунки", " Сімейне вогнище "і" Втеча любов ". У цих фільмах у ролі Антуана Дуанелем знявся чудовий актор Жан-П'єр Лео (цей фільм - його дебют), що став для Трюффо як би "другим я".
Дванадцятирічний Дуанель - важкий підліток. Його мати (Морье) зайнята особистим життям, і у неї немає ні часу, ні бажання вникнути в проблеми сина. Вітчим (Ремі) - людина слабохарактерний, не має впливу ні на дружину, ні на сина. Вчитель лише карає хлопчика. Антуан і його приятель все рідше відвідують школу, тікають з дому. Будучи спійманим, Антуан планує новий втечу ...
Фільм про події, що відбуваються в житті хлопчика, про несправедливість, болю, що випали на його долю. Трюффо відноситься до Антуану з теплом і співчуттям, як до дитини, вимушеного жити в запропонованих обставинах. Витонченість і досконалість картини дозволили їй стати мірилом серед фільмів, присвячених проблемам юності. Слід відзначити дуже поетично чорно-білу операторську роботу Анрі деки.
Приз за режисуру Франсуа Трюффо на МКФ в Канні в 1959 році. Номінація на премію "Оскар" (1960р.) за кращий оригінальний сюжет і сценарій (Франсуа Трюффо, Марсель мус).
Оператор Анрі деці/Henri Decae/
Сценарист Франсуа Трюффо/Francois Truffaut /, Марсель Мус/Marcel Moussy/
Продюсер Франсуа Трюффо/Francois Truffaut/
Монтажер Марі-Жозеф Йойотт/Marie-Josephe Yoyotte/
Композитор Жан Костянтин/Jean Constantin/
Художник Бернар Евейн/Bernard Evein/
Сюжет Франсуа Трюффо/Francois Truffaut/

4.

1. Перший публічний кіносеанс. Брати Люм'єр.
Париж. 28 грудня 1895 - дата, занесена у всі календарі, відома всім хоч трохи цікавиться історією кіно ... Холодний грудневий вечір. Білі пухнасті пластівці снігу повільно падають на вимощені мостові, на пальта і капелюхи перехожих, потирають замерзлі руки. Зазвичай в такий пізній і холодну пору у маленького закладу з гордою назвою "Гранд кафе" не багато людей. Але сьогодні особливий день - брати Люм'єр, Огюст і Луї, вирішили оголосити привселюдно про свій винахід століття - кінематографа. Саме тоді відбувся перший публічний показ хвилинних кінофільмів, які в кінці ХХ століття стануть історією le cinema.
Цікавий парадокс першого кіносеансів. "Обстановка балагану або кафе. У всіх на увазі натягнута біла матерія. Галасливе, громіздкий, що знаходиться тут же, у залі, прадід сучасних проекційних кіноапаратом. Як тільки гасло світло, висвітлювався примітивний екран, рух сприймалося як сама дійсність "Александров В.А. "Епоха і кіно", изд-во "Мистецтво", 1960, М.. Книги з історії кінематографа обійшло опис жінки, яка в жаху вибігла з проекційного залу, так як їй здалося, що екранний поїзд - це справжній потяг, що він наближається саме до неї і через мить її розчавить. Все сприймалося як реальність, як цілком об'єктивне, безавторское, безособове.

2. Значення англійської документальної школи 30-х років (Грірсон, Флаерті).
3. Аналіз фільму «Рокко та його брати»

5.

1. Ж. Мельєс - родоначальник ігрового кіно. 15
У 1896 році в кінематограф прийшов Жорж Мельєс (Melies), директор і режисер паризького театру "Робер Уден", в якому показувалися фантастичні спектаклі.
Мельєс купив камеру і зайнявся постановкою ігрових фільмів - з цікавими сюжетами та участю акторів.
Як він пізніше розповідав, почалося все з того, що одного разу Мельєс знімав вуличний рух і, щоб щось виправити в апппарате, на кілька секунд зупинив камеру.
Коли ж він проявив кадри, то виявив, що замість омнібуса в кадрі миттєво з'явився похоронний кортеж.
Відбулося це все через те, що після зупинки камери омнібус поїхав, і замість нього перед камерою (коли Мельєс знову її включив) виявилися похоронні дроги.
Ця знахідка наштовхнула Мельєс на експерименти з камерою
У результаті він відкрив ще безліч всяких трюків - напливи, затемнення, прискорену і сповільнену зйомку.
У кіно Мельєс як би відтворював подання свого театру - так звані феєрії, або, кажучи сучасною мовою, фантастику.
Серед найбільш відомих його фільмів такі - "Подорож на Місяць", "Подорожі Гулівера", "Пригоди барона Мюнхаузена", "На завоювання полюси".
Особливою популярністю фільми Жоржа Мельєс користувалися в 1902-1906 роках.
Однак, він не зміг витримати конкуренції і до 1914 року припинив свою кінематографічну діяльність.
2. Група «Нове американське кіно» (кінець 50-х - 60-і рр..). Боротьба із голлівудськими стандартами.
3. Аналіз фільму «Записки сільського священика»

6.

1. Народження французької кіноіндустрії. «Пате» і «Гомін».
2. Відомі творчі співдружності режисерів та сценаристів.
3. Аналіз фільму «Сунична поляна»
Драма
Швеція 1957; 1,30; кол
Режисер: Інгмар Бергман/Ingmar Bergman/
У ролях: Інгрід Тулін/Ingrid Thulin /, Віктор Сьостром, Били Андерссон, Гуннар Бьорнстранд, Джуллан Кіндал, Фольке Сундквіст, Бьорн Бьелвенстам, Найму Віфстранд, Гуннел Бростром, Гертруд Фрідх, Сиф Рууд
78-річний професор із Стокгольма згадує і переглядає розчарування свого довгого життя. Разом із дружиною сина він їде на машині на вручення почесного докторського ступеня, відвідуючи по дорозі місця, де був молодий, зустрічаючи різних людей і старих знайомих, згадуючи сни й колишнє. Бергман демонструє найвище мистецтво використання ретроспеціі, що в поєднанні з блискучою акторською майстерністю Сьострома дало життя цьому безсмертному шедевру кіно. Картина найвищої емоційної сили дає глядачеві можливість задуматися про те, як, можливо, він буде озиратися на своє життя тоді, коли вже нічого не виправити і не пережити знову. Знято в чорно-білому зображенні. Переглянути цей фільм має будь-яка людина, що серйозно захоплюється кінематографом. Золотий приз на МКФ в Західному Берліні.
Центральна тема усієї творчості І. Бергмана - людина перед лицем смерті. І саме цій темі присвячений один з кращих його фільмів «Сунична поляна». Сюжет фільму ніби простий - старезний професор Ісак Борг вирушає до міста Лунд, де заплановані урочистості з приводу його майбутнього ювілею. Епізоди минулого спливають з глибини його свідомості впереміш зі снами й фантазіями, чергуючись зі сценами з реального життя. Шлях, який робить професор, - це та реальна дорога в гори, і весь життєвий шлях від юності до старості. У «Сунична галявині» Бергманом корінним чином була оновлена структура фільму, характерна для інтелектуального кіно 50-60-х років - порушення хронологічній послідовності, змішання минулого і сьогодення, дійсного і уявного. На роль професора Борга Бергман запросив В. Шестрема, класика шведського німого кіно. Зігравши свою кращу роль, актор передав драматичні боріння героя, наділивши його неабияким масштабом власної особистості, духовністю і внутрішнім чарівністю.
Чудова операторська робота в фільмі, одушевляється скупу шведську природу, яка як би приймає героя фільму під свій покров, пом'якшуючи гостроту внутрішніх конфліктів і даруючи ні з чим не порівнянні миттєвості щастя і спокою.
Оператор Гуннар Фішер/Gunnar Fischer/
Композитор Ерік Нордгрен/Erik Nordgren/

7.

1. Італійське кіно (1914-1918 рр..). Народження повнометражного фільму. 81
2. Творчість І. Бергмана і нове шведське кіно (50-60-і рр.).
Інгмар Бергман. (шведський режисер, сценарист)
Дата народження: 14 липня 1918. Місце народження: Uppsala, Uppland, Швеція
Видатний діяч скандинавського театру 20 століття, разом з М. Антоніоні, Л. Бунюелем, А. Куросава, Ф. Фелліні, міжнародно визнаний лідер «авторського» напряму в світовому кіномистецтві. Народився в Упсалі в сім'ї пастора. Закінчивши в 1944 факультет літератури і мистецтва Стокгольмського університету, працює режисером у міських театрах Хельсінгборг (1944), Гетеборга (1946-1949) і Мальме (1952-1958). З початку 60-х років ставить спектаклі на сцені стокгольмського Королівського театру «Драматен», у 1963-1966 є його директором. У кіно дебютує як сценарист у 1944 ( «Цькування», режисер А. Шеберг).
Творча спадщина Бергмана величезне. На сценах Швеції та інших країн їм поставлено понад 70 вистав за творами класичної та сучасної драматургії, здійснений ряд постановок на радіо та телебаченні. У кіно з 1946 по 1986 режисер зняв 46 фільмів (в основному за власними сценаріями), ряд фільмів за його сценаріями здійснений іншими режисерами. Лауреат престижних міжнародних кінопремій, включаючи премію Європейської кіноакадемії «Фелікс» (1988) і «Гілка гілок» 50-го ювілейного МКФ в Канні (1997).
Раннє Кінотворчість Бергмана проходить під знаком типовою для представників шведського літературного авангарду 40-х років (так званих «фюртіоталістов») безкомпромісної критики соціальної несправедливості, лицемірства та лицемірства буржуазної моралі і процвітало на його батьківщині культурно-політичного ізоляціонізму. Герої його картин - люди тяжкої долі - «Криза» (1946); «Корабель до Індії» (1947); «Музика у темряві» (1947), юні ізгої з регламентованого соціуму у фільмі «Дощ над нашою любов'ю» (1946); «Портове місто» (1948), що зазнають краху емоційного світу закохані у фільмах «До радості» (1949); «Літня гра», 1950; «Літо з Монікою» (1952), неблагополучні подружні пари у фільмах «Жага» (1949) ; «Жінки чекають» (1952). Проте вже в перших стрічках режисера прагнення до поглибленого психологічного аналізу поєднується з постановкою філософських питань про природу буття і місце людини в ньому ( «Тюрма», 1949).
З новою гостротою Бергман висуває ці питання, розглядаючи їх на просторі історії та міфу, в що здобули йому загальнонаціональну і міжнародну славу новаторських стрічках 50-х: пронизаному гірким соціально-критичним пафосом, що приводить на пам'ять Ф. Достоєвського, «Вечері блазнів» (1953) , висхідної до витоків середньовічного народного театру «Сьомий друку» (1956, премія МКФ в Канні) і занурюються у легендарне минуле «Джерело» (1959), що балансує на межі реального і фантастичного «Ліцей» (1958, премія МКФ у Венеції, 1959) . Вершиною бергманівський етико-художницької максималізму стає в цей період зазначена віртуозністю образно-виразного рішення болісна драма переоцінки життєвих цінностей, яка відбувається під кінець людського шляху «Сунична поляна» (1957).
Пошук витоків самотності, некомунікабельності, генезис відчуження - в центрі уваги Бергмана в етапних фільмах 60-х років, що склалися в тематичну трилогію про «мовчанні Бога»: «Як у дзеркалі» (1960) (премія «Оскар»), «Причастя» ( 1962), «Мовчання» (1963). Нагадуючи за формою «камерні п'єси» А. Стріндберга (невелика кількість дійових осіб, вузькі рамки часу і простору), вони, як і знята двома роками пізніше складна за задумом та виконанням філософська драма «Персона» (1965), вагомо свідчили, що з Бергманом у світове кіно приходить принципово нове, екзистенціальний, пов'язане з найтоншими нюансами внутрішнього життя людей вимір. Аналіз граней «нещасного свідомості» (у термінології одного з духовних вчителів режисера С. К'єркегора), що приймається у фільмі про втрачає розум художника ( «Час вовка», 1965), стрічці-антиутопії про непереборну деградації самотньої особистості під натиском антигуманної середовища «Сором» (1967), картинах про безболісному зламі підвалин буржуазного шлюбу і сім'ї, таких як «Пристрасть» (1968); «Дотик» (1970); «Шепоти і крики» (1971), практично не знає собі рівних у досвіді сучасного кіномистецтва. < br /> 70-ті роки позначені у творчості Бергмана посиленням соціально-критичних та політико-викривальних мотивів. Живий громадський резонанс викликала постановка в кіно та на телебаченні «Сцен з подружнього життя» (1972) та їх своєрідного продовження - фільму «Обличчям до обличчя» (1975). Відчуття неміцності, хиткість сучасного світопорядку ємко виразилося в галлюцінатівной, з рисками науково-фантастичного «прогнозу», картині про психосоціальних витоки фашизму в Німеччині «Зміїне яйце» (1976). На межі 80-х років в манері режисера беруть гору тенденції до утвердження позитивних світоглядних цінностей. Найважливіше осереддя цих цінностей (і першооснова існування), за Бергманн, - сім'я. Саме в рамках сім'ї розгортається напружений внутрішній конфлікт пізнішого з психологічних шедеврів Бергмана - «Осіння соната» (1977) та масштабної епічної саги «Фанні і Олександр» (1982), що стала найдорожчою постановкою за всю історію шведського кіновиробництва.
Фільмографія: Продюсер.
Лицем до лиця (1976); ПЕРСОНА (1966); Дівоче джерело (1959);
Режисер.
ПІСЛЯ РЕПЕТИЦІЇ (1984); ФАННІ ТА ОЛЕКСАНДР (1982); З ЖИТТЯ маріонеток (1980); ОСІННЯ СОНАТА (1978); Зміїне яйце (1977); лицем до лиця (1976); лицем до лиця (1975); Чарівна флейта (1974 ); Сцени з подружнього життя (1973); Шепоти й крики (1972); ДОТИК (1970); Сором (1968); ПРИСТРАСТЬ (1968); РИТУАЛ (1967); ПЕРСОНА (1966); ЧАС ВОЛКА (1966); МОВЧАННЯ ( 1963);
ПРИЧАСТЯ (1962); ДЖЕРЕЛО (Дівоче джерело) (1960); ОКО ДИЯВОЛ (1960); КРІЗЬ Невиразна СКЛО (1960);
Дівоче джерело (1959); ОСОБА (1958); У ВИТОКІВ ЖИТТЯ (1958); Сунична галявина (1957); сьомий ДРУК (1957);
Усмішка літньої ночі (1955); ВЕЧІР ШУТОВА (1953); ЛІТО з Монікою (1952); До РАДОСТІ (1950); ЛІТНЯ інтерлюдії (1950);
ПОРТОВИЙ МІСТО (1948); КРИЗА (1945)
Сценарист.
Добрі наміри (1991); ПІСЛЯ РЕПЕТИЦІЇ (1984); ФАННІ ТА ОЛЕКСАНДР (1982); ОСІННЯ СОНАТА (1978); лицем до лиця (1976); ПЕРСОНА (1966); ЖІНКА БЕЗ ОСОБИ (1947)
Сюжет.
КОРАБЕЛЬ ЙДЕ до Індії (1947)
Премії та нагороди: ОСКАР
Переможець у категоріях:
Кращий фільм іноземною мовою
1984 - ФАННІ ТА ОЛЕКСАНДР
1961 - Дівоче джерело
Номінований в категоріях: Кращий фільм
1974 - Шепоти й крики
Кращий режисер
1984 - ФАННІ ТА ОЛЕКСАНДР
1974 - Шепоти й крики
Кращий сценарист (оригінальний сценарій)
1984 - ФАННІ ТА ОЛЕКСАНДР
1979 - ОСІННЯ СОНАТА
1974 - Шепоти й крики
1960 - Сунична галявина

Каннський кінофестиваль
Переможець у категоріях: Кращий режисер
1958 - У ВИТОКІВ ЖИТТЯ
Спеціальна премія журі
1957 - сьомий ДРУК
Кращий сюжет
1947 - КОРАБЕЛЬ ЙДЕ до Індії
Журі висловило особливу повагу
1960 - Дівоче джерело

Берлінський кінофестиваль
Переможець у категоріях: Золотий ведмідь
1958 - Сунична галявина

Сезар
Переможець у категоріях: Кращий іноземний фільм
1984 - ФАННІ ТА ОЛЕКСАНДР

Венеціанський кінофестиваль
Переможець у категоріях: Спеціальна премія
1959 - ОБЛИЧЧЯ

У 1988 році отримав премію "Фелікс" за творчість.

3. Аналіз фільму «Кабінет доктора Калігарі» 210
Жахи/Містика
Німеччина 1919; 1,09; кол
Режисер: Роберт вини/Robert Wiene/
У ролях: Конрад Вейдт/Conrad Veidt /, Вернер Краусс/Werner Krauss /, Лил Даговер/Lil Dagover /, Фрідріх Фехер/Friedrich Feher/
Містична історія, розказана в манері Едгара По, відразу захоплює глядача швидким розвитком подій. Але історія ця похмура. Це історія молодого чоловіка, якого спочатку ми бачимо розповідають відвідувачу конкретні причини того, чому якась пані, а він на неї вказує, знаходиться в трансі. Ну а потім йде вже і основна порція розповіді. Ми дізнаємося, як якийсь шахрай приїжджає на ярмарку в невеликому містечку і приступив кк пожвавленню предметів, змушуючи Чезаре, що знаходиться в сомнабулічному стані вже 23 роки, передбачати майбутнє. Шахрай цей називає себе доктор Калігарі. Передбачається вбивство, і ціла серія їх має місце. Доктор калігарі поміщається в місцевий божевільний будинок, де виявляється, що він вже доктор Соннов, голова цього закладу. У пов