Російський музей-культурний центр XIX століття
Палаци, як і люди, мають дні народження. 17 квітня 1819 вважається днемнародження Михайлівського палацу. Історичний день. Представники російськоїеліти закладали камені у фундамент нового палацу. Геніальний автор проектупалацу, визначеного Олександром I для свого молодшого брата великогокнязя Михайла Павловича, був Карл Россі.
Прискорився процес розвитку російської державності та культури в
XIX столітті привели в Росії до пробудження національної самосвідомості. Націяжадала прилучення до важкого справі самопізнання, що реалізується духовноїелітою держави. У XIX столітті це явище набував масового характеру.
Повільно і поступово в суспільстві визрівала думка про необхідність створеннядержавного музею національного мистецтва.
Зал російського живопису відкрили в Ермітажі на самому початку XIX століття. Напротягом бурхливого століття він поповнювався першокласними творами. Але й до
90-х років XIX століття вельми неповним залишалося Ермітажний збори. Зрозумілочому. Один зал не давав достатнього уявлення про історію і просучасному етапі розвитку вітчизняного образотворчого мистецтва. Про їхвзаємозв'язку.
Тому 13 (25) квітень 1895 був виданий Іменний найвищий указ «Проустанові особливого встановлення під назвою "Російський музей імператора
Олександра III "». Сказано в указі "про подання на це ціліпридбаного в скарбницю Михайлівського палацу з усіма належними до ньогофлігелями, службами і садом ". Так в кінці століття справжня коштовністьросійської архітектури стала домом для не менш дорогих творіввітчизняного образотворчого мистецтва.
Первісне положення про Російському музеї передбачала наявність у ньому трьохвідділів! Перший присвячувався пам'яті Олександра III. Другий називався
"етнографічним і художньо-промисловим". Художній відділ повинен
"обіймати зібрання картин і статуй кращих російських художників".
Свої двері музей відчинив 7 (19) березня 1898 і став першим в Росіїдержавним музеєм російського мистецтва.
До моменту відкриття його збори включало 445 живописних робіт, 111творів скульптури, 981 графічний аркуш (малюнки, гравюри таакварелі), а також близько 5000 пам'ятників старовини, що склали колекціюхристиянських старожитностей (ікони та вироби декоративно-прикладного мистецтвадавньої Русі). Зараз колекції музею налічують близько 400 000 експонатів.
У них представлені твори всіх основних напрямків і шкілвітчизняного образотворчого мистецтва, всі його види і жанри з Х по ХХстоліття. Щорічно в стінах музею проходить близько 30 тимчасових виставок, добагатьом з них видаються каталоги, альбоми, буклети.
Нині музей розміщується в чотирьох будинках, розташованих в історичномуцентрі Санкт-Петербурга. Це - Строганівського і Мармуровий палаци,
Михайлівський (Інженерний) замок і головну будівлю музею - Михайлівськийпалац з корпусом Бенуа.

Говорячи про, напевно, будь-якому музеї можна не згадати про його експозиціях іколекціях, так як саме вони в кінцевому підсумку, а не історія і події,що відбуваються з тим чи іншим музеєм, визначають культурну спадщину ікультурну цінність зраджували і розкриває для нас. Державний
Російська Музей став «культурною Меккою» для жителів Європи XIX століття і пронісце горде звання до наших днів. Про це краще будь-які слова «говорять» йогоколекції.
Давньоруська живопис
Серед колекцій російського іконопису Державному Російському музею поряд з
Третьяковської галереєю і Історичним музеєм у Москві належить одне зголовних місць. Його зібрання нараховує понад 5 тисяч ікон XII-початку ХХст.
Перші ікони надійшли до музею з Академії Мистецтв в Петербурзі, вякої з середини XIX ст. існував Музей Християнських старожитностей. В їхчислі були ікони з приватних зібрань відомих збирачів старожитностей -
М. П. Погодіна і П. І. Севастьянова.
Зали № 1,2,3,4 повністю віддані цього виду живопису. Тут представленіікони з Новгорода, Москви, Пскова, Ярославля, Вологди. У цих залах тебепросочує істинно російська Православний дух.
Основні роботи, на які необхідно звернути увагу - додаток 1

Давньоруське прикладне мистецтво
Збори давньоруського декоративно-прикладного мистецтва, скульптури тадрібної пластики, що належить музею стоїть в одному ряду з колекціяминайбільших музеїв країни - Збройової палати в Москві і Загорского історико -художнього музею-заповідника. Воно є одним із значнихзборів давньоруського мистецтва в світі. Його матеріали дають уявленняпро етапи розвитку російської прикладного мистецтва протягом століть --з IX по XIX століття. Колекція музею включає найцінніші пам'ятки древньоїкультури, серед яких є і які давно ввійшли в наукову літературу, імаловідомі чудові твори російських майстрів.
Унікальною частиною зборів є найдавніші твори домонгольськогомистецтва, що представляють художні традиції Києва. Цепереважно предмети особистого вжитку - прикраси, виконані зблагородних і простих металів, литі амулети-змійовики, бронзові хрести -енколпіони і фланельку, мініатюрні кам'яні іконки. Серед них - перлиноюзборів є Київський скарб 1887 року, закопаний в огорожі Михайло-
Золотоверхого монастиря, ймовірно, в 1240 році, за часів завоювання містататаро-монгольським військом. Прикраси скарбу - підвіски до жіночогоголовного убору - колти, намисто-рясни і віночок-очелье - шедеври мистецтваперебірчастої емалі на золоті, яким славилася Русь слідом за Візантією.
У складі іншого комплексу, знайденого в Києві в 1889 р., виявиласязолота діадема із зображенням Деісус, одна з регалій, що використовувалися вкняжому церемоніалі.
Основні роботи, на які необхідно звернути увагу - додаток 2
Живопис
Російський музей з самого моменту свого створення розглядалося, перш за всеяк збори вітчизняного живопису. Нині в його колекції близько 15 тисячтворів живописців XVIII-XX століть. До моменту ж відкриття музею йогоколекція налічувала близько чотирьохсот полотен. Ядро зборів склалинадходження з трьох основних джерел - Ермітажу, Академії мистецтв іімператорських палаців - Зимового в Петербурзі і приміських.
Серед полотен, які склали основу Російського музею при його формуванні,більшість являло саме період XVIII - першої половини XIX століття.
Наприклад, серед вісімдесяти полотен Російського відділу Ермітажу, повністюпереданого новому музею, виділялися твори К. П. Брюллова ( "Останнійдень Помпеї ") та Ф. А. Бруні (" Мідний змій "), І. К. Айвазовського (" Дев'ятий вал ")та Г. І. Семирадського ( "Фріна на святі Посейдона"); В. Л. Боровиковського
( "Портрет Муртази-Кулі-хана") та А. А. Іванова ( "Явлення Христа Марії
Магдалині ").
Твори, етапні для характеристики російської школи живопису цьогоперіоду прийшли в музей і в числі 122 полотен, переданих Імператорської
Академією мистецтв, Це такі яскраві твори своєї епохи як "Портрет
Євграфа Давидова "пензля О. А. Кіпренського, види Бахчисарая і Миколаєва,виконані Ф. Я. Алексєєвим, "Сусанна і старці" П. В. Басина, "Тік"
А. Г. Венеціанова, "Фортуна і жебрак" А. Т. Маркова. Істотний внесок уформування колекції Російського музею внесли твори, передані з
Зимового, Царськосельського Олександрівського і Гатчинського палаців. Разом зними до музею прийшли роботи К. П. Брюллова (наприклад, "Портрет графині Юлії
Павлівни Самойлової з прийомною дочкою Амаціліей Паччіні ")," Черкес "і
"Башкир" А. О. Орловського, "Дівчина на сінник" А. Г. Венеціанова, "Гітарист" і
"Дівчинка з лялькою" В. А. Тропініна, "Сватання майора" П. А. Федотова.
Розділ портретного живопису XVIII століття істотно доповнила придбана успадкоємців в 1897 році колекція А.Б.Лобанова-Ростовського. Середкількох десятків полотен, до неї входили, необхідно відзначити портрети
І.І. і Е.А.Лобанових-Ростовський роботи І. П. Аргунова, "Портрет А. Д. Ланського"пензля Д. Г. Левицького, твори багатьох іноземних майстрів, які працювали в
Росії у XVIII столітті, - І.-Г.Таннауера, Г.-Х.Гроота, П. Ротарі, Ж.-Б.Вуаля іінших.
Таким чином, вже до моменту відкриття музей мав представницькимзборами живопису художників національної школи. Прикрі прогалини,утворилися в ньому і з жалем відзначалися ще сучасниками, булипов'язані з тим, що дії уряду щодо створення першихзагальнодержавного російського музею ніяк не можна назвати послідовними.
Багато творів живописців XVIII століття, які становили гордістьнаціональної школи, залишалися в імператорських палацах, майже некупувалися твори сучасних майстрів неакадемічногонапряму.
Проте, активна діяльність великих представників вітчизняноїкультури, що входили до ради художнього відділу, таких як Альберт
Н. Бенуа, А. П. Брюллов, К. В. Лемоха і особливо П. І. Нерадовскій, зберігачхудожнього відділу з 1909 року, і що спиралися на сприянняколекціонерів і знавців М. П. Боткіна, Олександра Н. Бенуа, І. Е. Грабаря,забезпечила надходження до музею високохудожніх творів майстрів
XVIII століття - А. П. Антропова ( "Портрет М. А. Румянцевої"), І. Я. Вишнякова
(портрети Сари і Вільгельма Фермор), Д. Г. Левицького ( "Портрет
А. С. Протасової "), Ф. С. Рокотова (" Портрет Е. В. Санті "і" Портрет Л. Ф. Санті "),
В. Л. Боровиковського ( "Портрет Е. Н. Арсеньєвої"), значних полотен пензляживописців першої половини XIX століття ( "Портрет А. Ф. Фурман", "Портрет
О. А. Рюмін "," Портрет К. І. Альбрехта "О. А. Кіпренського; ряд ескізів,виконаних А. А. Івановим).

У залі № 14 знаходиться найвідоміший твір художника Брюлова -
«Останній день Помпеї». Він писав свій шедевр 11 місяців, і воно відразу жзробило в світі фурор.
На своєму полотні Брюль зобразив трагедію золото, яке гине народу. На тлірушаться храмів, охопленого вогнем неба, що падають мармурових статуй можнабачити людей, які по різному проявляють себе в ситуації, що склалася --одні з них рвуться до спасіння, інші кориться долі. У цих людяхстихія пробуджує любов і героїзм, інстинкт і самовідданість.
Скульптура

Виняткова цінність колекції російської скульптури в її обсягом івисокому художньому як складових її творів. У нійпредставлені повні комплекси робіт майже всіх відомих російських скульпторів,що створює можливість для ретельного вивчення всіх етапів розвиткувітчизняної пластики. У зборах музею роботи з мармуру, граніту,дерева, воску, теракоти, бронзи, чавуну, гіпсу, виконані в різнихтехніках - рубкою, ліпленням, литтям, гальванопластики.
Станкова скульптура - бюсти, статуї, композиції - це, безперечно, основаколекції. Поряд з ними представлені і зразки монументального мистецтва.
У їх числі сповнений М.-А. Колло портрет Петра I, який був використаний
Е.-М. Фальконе при створенні "Мідного вершника", група Б.-К. Растреллі
"Анна Іванівна з арапчонком", гіпсова модель незбереженим пам'ятника
Олександру I для Таганрога роботи І. П. Мартоса.
Невід'ємну частина зборів складає декоративна скульптура, що прикрашалаархітектурні комплекси Петербурга і його передмість.
Можна виділити справді унікальні колекції - мармури Ф. І. Шубіна і
М. І. Козловського, Б. І. Орловського та І. П. Віталі, Н. С. Піменова і
Ф. Ф. Каменського; теракоти І. П. Прокоф 'єва та І. П. Мартоса; воски Ф. П. Толстого;дерево А. С. Голубкіної, С. Т. Коненкова, А. Т. Матвєєва. Велику цінністьпредставляють бронзові відливи, виконані під керівництвом Б.-К.
Растреллі, а також роботи відомих російських ливарників І. Баженова,
В. Можалова, В. Екимова, П. Клодта, К. Робеккі, К. Міглініка, В. Гаврилова. Узборах є вироби найбільших ливарних майстерень Петербурга ізаводів Уралу. Іноді твори видатних російських скульпторів, вособливості анімалістом XIX століття, повторюються в зборах в відливах різнихфірм, що дає можливість розглянути особливості та якість литва,простежити його історію.
Початок колекції російської скульптури було покладено під час заснування музею,коли в 1897-1898 роках у нього передали окремі твори з Ермітажута Академії мистецтв. До 1917 року колекція скульптури налічувала всього
184 твори.
Малюнок і акварель

Початок графічної колекції Російського музею сходить до часу йоговідкриття. У цей день у двох залах Михайлівського палацу були представленікартони, ескізи розписів, акварелі К. П. Брюллова, Ф. А. Бруні, А. Е. Єгорова,
К. П. Бегрова та інших майстрів першої половини Х1Х століття.
З 979 акварелей і малюнків, що експонувалися в перший час в музеї,майже половину становили графічні аркуші, подарований княгинею
М. К. Тенішевой. У цьому чудовому зборах були твори
О. А. Кіпренського, К. П. Брюллова, П. А. Федотова, І. М. Крамського, І. Ю. Рєпіна,
В. А. Сєрова, а також членів Товариства російських аквареліста. У наступніроки М. К. Тенішева доповнила свій дар, передав музею ще 196 малюнків,створених художниками об'єднання "Світ мистецтва" М. А. Врубелем,
Л. С. Бакст, К. А. Керівним та іншими.
Гравюра
У колекції російської гравюри зберігається одне з найбільш повних зібраньдрукованої графіки з початку XVIII століття до наших днів, загальною чисельністюблизько 80 000 одиниць. Це окремі аркуші, серії й альбоми, географічні тагральні карти, книжкові ілюстрації, карикатури, лубки. плакати, афіші,нарешті, унікальне собран6іе гравірованих дощок - металевих ідерев'яних. Ці твори дають уявлення практично про всідрукованих техніках як класичних: гравюра на дереві (ксилографія), наметалі (гравюра різцем, офорт, пунктиром, акватинта, чорна манера, лавіс,суха голка), літографія - в один, два і кілька каменів (кольоровалітографія), так і що з'явилися порівняно недавно (монотипія,літогравюр), пов'язаних з етапом становлення промислової друку
(хромолітографія, геліогравюра) і, нарешті, новітніх техніках від гравюри накартоні і целулоїді до лазерного друку.
Збори відділу гравюри дає можливість простежити всі етапи розвиткуцього виду мистецтва в Росії. Досить повно представлена гравюра XVIIIстоліття. Причому, такі значні майстри, як А. Ф. Зубов, М. І. Махал,
Е. П. Чемесов - не тільки в відбитках, що мають найчастіше різні стани, але йавторськими формами - мідними дошками. У зборах є дошки, з якихдрукувався один з останніх шедеврів класичної різцевого гравюри - серіявидів імператорських заміських резиденцій - Гатчини, Павловська,
Петродворца. Вони виконані на межі XVIII - XIX століть видатними російськимимайстрами А. Г. Ухтомським, братами К.В. і І.В. Тичними, С. Ф. Галактионова,головним чином, за оригіналами Насіння Щедріна. А також металеві дошки
Ф. П. Толстого, з яких у 1820 - 1840-х роках були надруковані нарисовімалюнки - ілюстрації до поеми І. Ф. Богдановича "серденько".
Досить повно представлена російська сатирична графіка, пов'язана з
Вітчизняною війною 1812 року, а також видання заснованого в 1820 році
Товариства заохочення художників. Ця організація відіграла велику роль урозвиток і поширення літографії в Росії. У колекції поряд зіншими листами представлено найкраще видання Товариства - великалітографовані серія "Види Санкт-Петербурга і його околиць" (1821 -
1826 рр..), Виконана на камені в основному С. Ф. Галактионова, А. П. Брюлловимі К. П. Беггровим. Листи останнього є і в чудовою авторськоїрозмальовці.
Серед майстрів ранньої літографії з великою повнотою представлено творчість
А. О. Орловського.
Декоративно-прикладне мистецтво
Зібрання творів декоративно-прикладного мистецтва Російського музеює одним із самих значних у світі, воно становить понад 35 тисячекспонатів. У нього входять колекції порцеляни, скла, фаянсу, виробів здорогоцінних і кольорових металів, текстилю, церковних шат, меблів,різьблення по дереву та по кістці.
Основа колекції була закладена предметами обстановки Михайлівського палацу,а також творами прикладного мистецтва з приміських царськихрезиденцій, з палаців петербурзьких аристократів - Юсупових, Шувалових,
Шереметьєвих, Строганових. У музеї зберігаються речі, що належали багатьомпредставникам царського дому від Петра I до Миколи II.
Сама велика в зборах декоративно-прикладного мистецтва - колекціяпорцеляни, вона становить майже третину його фондів. У ній представлені всіосновні етапи розвитку російської порцеляни, починаючи з виробів
Д. І. Виноградова. Причому виноградівської колекція порцеляни, основна частинаякої відбувається із зібрання великого князя Миколи Миколайовича Романовамолодшого, на сьогоднішнійй день є найбільшою в світі. У колекціїпредставлені, хоча б частково - першими зразками, всі царські сервізи зчасу Єлизавети Петрівни до Миколи II. У фондах музею зібрано вироби
Імператорського фарфорового заводу і численних приватних виробництв,пов'язаних з іменами Гарднера, Корнілова, Кузнєцова, Попова, Сафронова іінших.
Повнотою і високим рівнем відрізняється музейна збірка російськоїхудожнього скла. У ньому, наприклад, є унікальні вироби XVIIIстоліття, предмети що були колись власність Петра I, Анни Іоаннівни,
Катерини II та інших російських можновладців, а також краща колекціятворів, присвячених Вітчизняній війні 1812 року.
Окрасою великого зібрання фаянсу і майоліки служать численніроботи М. А. Врубеля, серед яких виділяється один з перших створених нимкамінів.
У зборах художніх тканин найбільш примітні колекціїколокольцовскіх шалей, шитих золотом шовкових хусток, церковних шат,а також виробів Петербурзької шпалерно мануфактури, серед якихзнаменита шпалера "Полтавська битва".
Розділ меблів має своєю основою предмети з оздоблення Білого залу іінших інтер'єрів Михайлівського палацу. Тут представлені всі, починаючи зпетровської епохи, періоди розвитку меблів, причому, на зразках створених заескізами таких чудових архітекторів як Б. Г. Боссе, К. І. Россі,
В. П. Стасов, О. І. Штакеншнейдер.

Для більш точного розуміння вкладу Державного Російського Музею врозвиток і становлення культури необхідно проаналізувати особливостіросійського живопису XIX століття.

Русская живопис першої половини XIX століття.

Для російського образотворчого мистецтва були характерні романтизм і реалізм. Однак офіційно визнаним методом був класицизм. Академія мистецтв стала консервативним і відсталих установою, що стояли на заваді будь-яким спробам свободи творчості. Вона вимагала строго йти за канонами класицизму, заохочувала написання картин на біблійні та міфологічні сюжети. Молодих талановитих російських художників не задовольняли рамки академізму. Тому вони частіше зверталися до портретному жанру.
У живописі втілилися романтичні ідеали епохи національного піднесення.
Відкинувши суворі, що не допускають відступів принципи класицизму, художники відкрили різноманіття і неповторність навколишнього світу. Це не тільки відбилося в звичних уже жанрах - портреті і пейзажі, - але й дало поштовх до народження побутової картини, яка опинилася в центрі уваги майстрів другої половини століття. Поки ж першість залишалося за історичним жанром. Він був останнім притулком класицизму, однак і тут за формально классіцісстіческім «фасадом» ховалися романтичні ідеї і теми.
Романтизм - (франц. romantisme), ідейний і художній напрям в європейській і американській духовній культурі кінця 18 - 1-й пол. 19 ст.
Відбивши розчарування в підсумках Французької революції кінця 18 ст., В ідеології Просвітництва і суспільному прогресі. Романтизм протиставив утилітаризму і нівелювання особистості спрямованість до безмежної свободи і «нескінченного», спрагу досконалості і оновлення, пафос особистої та громадянської незалежності. Болісний розлад ідеалу і соціальної дійсності - основа романтичного світосприйняття й мистецтва.
Затвердження самоцінності духовно-творчого життя особистості, зображення сильних пристрастей, зображення сильних пристрастей, натхненною та цілющої природи, у багатьох романтиків - героїки протесту або боротьби сусідять з мотивами «світової скорботи »,« світового зла »,« нічний »сторони душі, перетворюватись у форми іронії, гротеску поетику двоемірія. Інтерес до національного минулого (нерідко - його ідеалізація), традицій фольклору і культури свого та інших народів, прагнення створити універсальну картину світу (перш за все історії та літератури), ідея синтезу мистецтв знайшли вислів в ідеології та практиці Романтизму.
В образотворчому мистецтві Романтизм найбільш яскраво проявився в живописі і графіці, менш чітко - в скульптурі і архітектурі (наприклад, помилкова готика). Більшість національних шкіл Романтизму в образотворчому мистецтві склалося в боротьбі з офіційним академічним класицизмом.
У надрах офіційно-державної культури помітна прошарок «елітарної» культури, яка обслуговує панівний клас (аристократію і царський двір) і що володіє особливою сприйнятливістю до іноземних нововведень. Досить згадати романтичну живопис О. Кіпренського, В. Тропініна, К. Брюллова,
А. Іванова та інших великих художників XIX ст.
Кіпренський Орест Адамович [13 (24) березня 1782, миза Ніжинська, близько
Копор'є, нині у Ленінградській області - 17 жовтня 1836, Рим], російський художник. Видатний майстер російського образотворчого мистецтва романтизму, відомий як чудовий портретист. У картині «Дмитро Донський на
Куликовому полі» (1805, Російський музей) продемонстрував упевнене знання канонів академічної історичної картини. Але рано областю, де його талант розкривається найбільш природно і невимушено, стає портрет. Перший його живописний портрет ( «А. К. Швальбе», 1804, там же), написаний у «рембрандтівської» манері, що виділяється своїм виразним і драматичним світлотіньові ладом. З роками його майстерність, - що проявилося в умінні створювати в першу чергу неповторні індивідуально-характерні образи, підбираючи особливі пластичні засоби, щоб цю характерність відтінити, - міцніє. Вражаючою життєвості повні: портрет хлопчика А. А.
Челіщева (близько 1810-11), парні зображення подружжя Ф. В. і Є. П.
Ростопчина (1809) і В. С. і Д. Н. хвостових (1814, усі - Третьяковська галерея). Художник все частіше обігрує можливості колірних і світлотіньових контрастів, пейзажного фону, символічних деталей ( «Е. С. Авдуліна», близько
1822, там же). Навіть великі парадні портрети художник уміє зробити лірично, майже інтимно невимушеними ( «Портрет лейб-гусарського полковника Євграфа Давидова», 1809, Російський музей). Його портрет молодого, овіяного поетичною славою А.С. Пушкіна є одним з кращих у створенні романтичного образу. У Кіпренського Пушкін виглядає урочисто й романтично, в ореолі поетичної слави. «Ти мені льстішь, Орест», - зітхнув Пушкін, глянувши на готове полотно. Кіпренський був також віртуозним малювальником, який створив (переважно в техніці італійського олівця і пастелі) графічного зразки майстерності, часто перевершують відкритою, хвилююче легкої своєю емоційністю його живописні портрети. Це і побутові типажі ( «Сліпий музикант», 1809, Російський музей; «килимчики Баяуста», 1813, Російський музей), і знаменита серія олівцевих портретів учасників Вітчизняної війни 1812 року (малюнки із зображенням Е. И. Чапліца, А. Р. Томілова, П. А. Оленіна, той же малюнок з поетом Батюшкова та ін; 1813-15, Третьяковська галерея та ін зборів); героїчний початок тут набуває задушевний відтінок. Велика кількість начерків і текстові свідчення показують, що художник весь свій зрілий період тяжів до створення великої (за його власними словами з листа А. Н. Оленіна 1834), «ефектною, або, по-русски сказати, ударістой і чарівної картини», де в алегоричній формі були б зображені підсумки європейської історії, так само як і призначення Росії.
«Читачі газет в Неаполі» (1831, Російський музей) - за видами просто груповий портрет - на ділі є приховано-символічний відгук на революційні події в Європі.
Однак найбільш честолюбні з мальовничих алегорій Кіпренського залишилися нездійсненими, або пропали (подібно до «Анакреоновой гробниці», завершеної в 1821). Ці романтичні пошуки, однак, отримали масштабне продовження у творчості К. П. Брюллова та А. А. Іванова.
Реалістичній манері відбивали твори В.А. Тропініна. Ранні портрети
Тропініна, написані у стриманій кольоровій гамі (сімейні портрети графів Моркових 1813-го і 1815-го років, обидва - в Третьяковській галереї), ще цілком належать до традиції Просвітництва: модель є у них безумовним і стабільним центром образу . Пізніше колорит живопису Тропініна стає інтенсивніше, обсяги зазвичай ліпляться більш чітко і скульптурно, але найголовніше - викрадачів наростає чисто романтичне відчуття рухомий стихії життя, лише частиною, фрагментом якої здається герой портрета
( «Булахов», 1823; «К. Г . Равич », 1823; автопортрет, близько 1824; всі три - там же). Такий і А. С. Пушкін на знаменитому портреті 1827
(Всеросійський музей О. С. Пушкіна, м. Пушкін): поет, поклавши руку на стопку паперу, як би «слухає музи», вслухається в творчу мрію, навколишнє образ незримим ореолом. Він теж написав портрет А.С. Пушкіна.
Перед глядачем постає навчений життєвим досвідом, не дуже щаслива людина. На портреті Тропініна поет по-домашньому привабливий. Якимось особливим старомосковській теплом і затишком віє від робіт Тропініна. До 47 - річного віку перебував він у кріпосної неволі. Тому, напевно, так све-жи, так одухотворені на його полотнах обличчя простих людей. І нескінченні молодість і чарівність його «Мереживницю». Найчастіше В.А. Тропінін звертався до зображення людей з народу ( "Мереживниця", "Портрет сина" та ін.)
Художні та ідейні шукання російської громадської думки, очікування змін відбилися в картинах К.П. Брюллова "Останній день Помпеї" і А.А.
Іванова "Явлення Христа народу".
Великим витвором мистецтва є картина «Останній день Помпеї» Карла
Павловича Брюллова (1799-1852). У 1830 р. на розкопках античного міста Помпеї
побував російський художник Карл Павлович Брюллов. Він гуляв по стародавніх мостовим, милувався фресками, і в його уяві вставала та трагічна ніч августа 79р. е.., коли місто було засипано розжареним попелом і пемзою прокинувся Везувію. Через три роки картина «Останній день Помпеї
» здійснила тріумфальне подорож з Італії до Росії. Художник знайшов дивовижні фарби для зображення трагедії стародавнього міста, що гине під лавою і попелом вивергається Везувію. Картина пройнята високими гуманістичними ідеалами. Вона показує мужність людей, їх самовідданість, виявлені під час страшної катастрофи. Брюллов був у
Італії на відрядження Академії мистецтв. У цьому навчальному закладі було добре поставлено навчання техніці живопису і малюнка. Однак Академія однозначно орієнтувалася на античну спадщину та героїчну тематику. Для академічного живопису були характерні декоративний краєвид, театральність загальної композиції. Сцени з сучасного життя, звичайний російський краєвид вважалися негідними пензля художника. Класицизм в живопису отримав назву академізму. Брюллов був пов'язаний з Академією всією своєю творчістю.
Він володів могутнім уявою, пильним оком і вірною рукою - і у нього народжувалися живі творіння, погоджені з канонами академізму. Воістину з пушкінським витонченістю він умів зафіксувати на полотні і красу оголеного людського тіла, і тремтіння сонячного проміння на зеленому листі.
Немеркнучий шедеврами російського живопису назавжди залишаться його полотна
«Вершниця», «Вірсавія», «Італійський ранок», «Італійський полудень», численні парадні і інтимні портрети. Однак митець завжди тяжів до великих історичних тем, до зображення значних подій людської історії. Багато його задуми у цьому плані не було здійснено.
Ніколи не покидала Брюллова думка створити епічне полотно на сюжет з російської історії. Він починає картину «Облога Пскова військами короля Стефана Баторія
». На ній зображено кульмінаційний момент облоги 1581, коли псковські ратники і. городяни кидаються в атаку на прорвалися в місто поляків і відкидають їх за стіни. Але картина залишилася незакінченою, і завдання створення справді національних історичних картин була здійснена не Брюлловим, а наступним поколінням російських художників. Одноліток Пушкіна,
Брюллов пережив його на 15 років. Останні роки він хворів. З автопортрета, написаного в ту пору, на нас дивиться рудуватий чоловік з тонкими рисами обличчя і спокійним, задумливим поглядом.
У першій половині XIX ст. жив і творив художник Олександр Андрійович Іванов
(1806-1858). Все своє творче життя він присвятив ідеї духовного пробудження народу, втіливши її в картині «Явлення Христа народу». Понад 20 років він працював над картиною «Явлення Христа народу», в яку вклав всю міць і яскравість свого таланту. На передньому плані його грандіозного полотна в очі впадає мужня постать Івана Христителя, що вказує народу на наближається Христа. Його постать дана на віддалі. Він ще не прийшов, він іде, він обов'язково прийде, каже художник. І світлішають, очищаються особи і душі тих, хто чекає Спасителя. У цій картині він показав, як говорив пізніше І. Ю. Рєпін, «пригноблений народ, спраглий слова свободи».
У першій половині XIX ст. в російський живопис входить побутової сюжет.
Одним з перших до нього звернувся Олексій Гаврилович Венеціанов (1780-1847).
Він присвятив свою творчість зображенню життя селян. Цю життя він показує в ідеалізованому, прикрашеному вигляді, віддаючи данину модному тоді сентименталізму. Однак картини Венеціанова «Тік», «На жнивах.
Літо», «На ріллі. Весна »,« Селянка з волошками »,« Захарка »,« Ранок поміщиці »відображаючи красу і благородство простих російських людей, що служили утвердження гідності людини незалежно від його соціального стану.
Його традиції продовжив Павла Андрійовича Федотов (1815-1852) . Його полотна реалістичні, наповнені сатиричним змістом, викриває гендлярську мораль, побут і звичаї верхівки суспільства ( «Сватання майора», «Свіжий кавалер» і ін.) Свій шлях художника-сатирика він починав, будучи офіцером-гвардійцем. Тоді він робив веселі, пустотливі замальовки армійського побуту. У
1848 р. на академічній виставці була представлена його картина «Свіжий кавалер». Це була зухвала насмішка не тільки над тупим, самовдоволеним чиновництвом, а й над академічними традиціями. Брудний халат, в який одягався головний герой картини, дуже вже нагадував античну тогу.
Брюллов довго стояв перед полотном, а потім сказав автору напівжартома напівсерйозно: «Вітаю вас, ви перемогли мене». Комедійно-сатиричний характер носять і інші картини Федотова ( «Сніданок аристократа»,
«Сватання майора»). Останні його картини дуже сумні ( «Анкор, ще анкор!», «Вдовушка»). Сучасники справедливо порівнювали П.А. Федотова в живопису з Н.В. Гоголем в літературі. Викриття виразок кріпосницької Росії
- основна тема творчості Павла Андрійовича Федотова.

Русская живопис другої половини XIX століття.

Друга половина XIX ст. ознаменувалася розквітом російського образотворчого мистецтва. Воно стало справді великим мистецтвом, була перейнята пафосом визвольної боротьби народу, обзивалось на запити життя і активно втручалися в життя. В образотворчому мистецтві остаточно утвердився реалізм - правдиве і всебічне відображення життя народу, прагнення перебудувати це життя на засадах рівності і справедливості.

Усвідомлений поворот нової російського живопису до демократичного реалізму, національності, сучасності позначився в кінці 50-х років , разом з революційною ситуацією в країні, з громадським змужнінням різночинної інтелігенції, з революційним просвітництвом Чернишевського,
Добролюбова, Салтикова-Щедріна, з народолюбних поезією Некрасова. У
"Нарисах гоголівського періоду" (1856 р.) Чернишевський писав: "Якщо живопис нині знаходиться взагалі в досить жалюгідному становищі, головною причиною того треба вважати відчуження цього мистецтва від сучасних прагнень". Ця ж думка наводилася у багатьох статтях журналу
"Современник".
Центральною темою мистецтва став народ, не тільки пригноблений і страждає, але й народ - творець історії, народ-борець, творець всього найкращого, що є в житті.
Утвердження реалізму в мистецтві проходило в завзятій боротьбі з офіційним направленням, представником якого було керівництво Академії мистецтв.
Діячі академії вселяли своїм учням ідеї про те, що мистецтво вище за життя, висували лише біблійну і міфологічну тематику для творчості художників. < br> Але живопис вже починала долучатися до сучасних прагненням - раніше всього в Москві. Московське Училище і на десяту долю не користувалося привілеями петербурзької Академії мистецтв, зате менше залежало від її укорінених догм, атмосфера була в ньому більше жива. Хоча викладачі в
Училище в основному академісти, але академіст?? другорядні і хиткі,
- вони не придушували своїм авторитетом так, як в Академії Ф. Бруні, стовп старої школи, свого часу змагався з Брюлловим картиною "Мідний змій".
В1862 р. Рада Санкт-Петербурзької академії мистецтв ухвалив рішення зрівняти в правах усі жанри, скасувавши верховенство історичного живопису.
Золоту медаль тепер присуджували незалежно від теми картини, враховуючи тільки її гідності. Однак «вольності» в стінах академії проіснували недовго.
У 1863 р. молоді художники - учасники академічного конкурсу подали прохання «про дозвіл вільно вибирати сюжети тим, які цього побажають, крім заданої теми». Рада академії відповів відмовою. Те, що відбулося далі, в історії російського мистецтва називають «бунтом чотирнадцяти».
Чотирнадцять учнів історичного класу не побажали писати картини на запропоновану тему зі скандинавської міфології - «Бенкет в Валгаале» і демонстративно подали прохання - про вихід з академії. Опинившись без майстерень і без грошей, бунтарі об'єдналися у своєрідну комуну - по типу комун, описаних Чернишевським у романі "Що робити?", - Артіль художників, яку очолив живописець Іван Миколайович Крамской.
Артільники приймали замовлення на виконання різних художніх робіт, жили в одному будинку, збиралися в загальному залі для бесід, обговорення картин, читання книг.
Через сім років Артіль розпалася. До цього часу, в 70-х рр.., З ініціативи художника Григорія Григоровича Мясоєдова виникло об'єднання -
«Товариство пересувних художніх вставок», професійно-комерційне об'єднання художників, що стояли на близьких ідейних позиціях.
Товариство передвижників не в приклад багатьом пізнішим об'єднанням обійшлося без жодних декларацій і маніфестів. У його статуті лише говорилося, що члени Товариства повинні самі вести свої матеріальні справи, не залежачи в цьому відношенні ні від кого, а також самі влаштовувати виставки та вивозити їх у різні міста ( "пересувати" по Росії), щоб знайомити країну з російським мистецтвом . Обидва ці пункти мали істотне значення, стверджуючи незалежність мистецтва від влади і волю художників до широкого спілкування з людьми не тільки столичними. Головна роль у створенні Товариства та вироблення його статуту належала крім Крамського М'ясоєдова, Ге - з петербуржців, а з москвичів - Перова, Прянишникова, Саврасова.

«передвижники» були єдині у своєму неприйнятті «академізму» його міфологією, декоративними пейзажами і пихатої театральністю. Вони хотіли зображати живу життя. Провідне місце в їхній творчості зайняли жанрові
(побутові) сцени. Особливою симпатією «передвижників» користувалося селянство. Вони показували його нужду, страждання, пригнічений стан. У ту пору - в 60-70-і рр.. XIX ст .- ідейна сторона мистецтва цінувалася вище, ніж естетична. Лише з часом митці згадали про самоцінності живопису.

Мабуть, найбільшу данину ідейності віддав Василь Григорович Перов
(1834-1882). Досить згадати такі його картини, як «Приїзд станового н