Пабло Руїс Пікассо

(1881, Малага - 1973, Мужен) іспанський художник

Освіта. Барселона. Багато дослідників прагнуть пояснити стилістична мінливість художника його генами, приписуючи його матері єврейське походження; однак родина Пікассо була самою що не є іспанською і навіть Андалузії і належала до середовища провінційної дрібної буржуазії. Батько художника, Хосе Руїс Бласко (Пікассо - це прізвище матері художника), був живописцем середньої руки і викладав в художній школі в Малазі, потім у ліцеї в Ла Коруньї, куди він переїхав зі своєю родиною в 1891, і, нарешті, в Художній школі в Барселоні, де у вересні 1895 до нього приєднався Пабло. Саме тут починається його справжнє художню освіту, незважаючи на перебування протягом декількох місяців (зима 1897-1898) в академічному Мадриді, де він, утім, нічому особливо не навчився, оскільки його майстерність у цій області проявився ще раніше ( "Чоловік у кашкеті", 1895). Художня атмосфера Барселони, у якій переважала неординарна особистість архітектора Гауді (майстерня Пікассо знаходилася перед будинком, побудованим Гауді), була дуже піддана зовнішнім впливам: Ар Нуво, мистецтва Бердслі, Мунка і північного експресіонізму в цілому, і в набагато меншому ступені - імпресіонізму і французького живопису, за винятком Стейнлена і Тулуз-Лотрека, вплив яких незабаром проявилося і в творчості Пікассо ( "Танцівниця", 1901, Барселона, музей Пікассо). Каталонські художники, з якими Пікассо знайомиться в кафе "Чотири коти ", заново відкривають Ель Греко, Сурбарана, середньовічну каталонську скульптуру, Іспанію, більш безпосередню і пристрасну, чим це допускалося офіційним навчанням. Ця провінційна і романтична інтелігенція була глибоко пронизана соціальними інтересами і відрізнялася цієї неприборканістю анархічних кіл. Пікассо, здавалося, сильно переживав злидні і духовне убозтво повій і п'яниць, завсідників кабаре і будинків побачень Баррі Чіно; в них Пікассо знайшов основні риси своїх персонажів і теми майбутнього "блакитного" періоду (1901-1905).

Перші поїздки в Париж. "Блакитний" і "рожевий" періоди. У 1900 Пікассо вперше побував у Парижі, де він здружився з Ісідро Ноньелем, найбільш близьким йому каталонським художником, але справив на нього набагато менший вплив, ніж цього хочуть деякі іспанські дослідники. Він знову приїжджає в Париж в 1901 і 1902, і остаточно в 1904. Незважаючи на паризьку тональність деяких картин того часу ( "Любителька абсенту ", 1901, Санктпетербург, Держ. Ермітаж), мистецтво Пікассо аж до 1907 зберігає свій чисто іспанська характер. Талановитий молодий живописець в самоті займається в Парижі вивченням інтернаціональної живопису і вбирає в себе і з разючою легкістю засвоює самі різні впливи: Тулуз-Лотрека, Гогена ( "Життя", 1903, Клівленд, музей), Каррьєра ( "Мати і дитя", 1903, Барселона, музей Пікассо), Пюві де Шаванна, набідов ( "Зіпершись Арлекін", 1901, приватне зібрання), а також грецького мистецтва ( "Водопій", суха голка, 1905) і деяких іспанських традицій ( "Старий гітарист", 1903, Чикаго, Художній інститут; "Портрети пані каналі", 1905, Барселона, музей Пікассо). Після творів "блакитного" періоду (названого так через переважного блакитного кольору), на яких зображені виснажені від роботи і голоду люди ( "прасувальницею", 1904, Нью-Йорк, музей Соломона Гуггенхейма; "Убога трапеза", офорт, 1904), картини "рожевого" періоду представляють світ циркачів і бродяг ( "Сім'я акробатів з мавпою", 1905, Гетеборг, музей; "Дівчинка на кулі ", Москва, Музей образотворчих мистецтв ім. О. С. Пушкіна;" Сімейство комедіантів ", Вашингтон, Нац. гал .).

Напередодні кубізму. Аж до 1906 живопис Пікассо носить спонтанний характер, залишається байдужою до чисто пластичним проблем, і художник, здається, майже не виявляє інтересу до пошуків сучасного живопису. З 1905, і, ймовірно, вже під впливом Сезанна, він прагне надати формам більше простоти і значущості, меншою мірою, однак, що відбилася на його першому скульптурних роботах ( "Шут", 1905), ніж у творах еллінізірующего періоду ( "Хлопчик, що веде коня", Нью-Йорк, Музей сучасного мистецтва). Але відмова від декоративної химерності ранньої творчості відбувається під час поїздки влітку 1906 до Андорри, в Гозул, де він вперше звернувся до "примітивізму", чуттєвого і формального, який він буде розробляти протягом всієї своєї творчої кар'єри. Після повернення Пікассо завершує портрет Гертруди Стайн (Нью-Йорк, музей Метрополітен), пише страшних, варварських оголених (Нью-Йорк, Музей сучасного мистецтва), а взимку працює над "Авіньйонський дівчатами" (Нью-Йорк, Музей сучасного мистецтва), картиною дуже складною, в якій поєднуються різні впливи - Сезанна, іспанської скульптури й африканського мистецтва, яке було (хоча сам художник заперечував це) одним з основних джерел кубізму ( "Танець з покривалами", 1907, Санкт-Петербург, Держ. Ермітаж).

Кубізм. У 1907-1914 Пікассо працює в такому тісному співробітництві з Браком, що не завжди можливо встановити його внесок на різних етапах кубістичні революції. Після періоду сезаннізма, що завершився портретом Кловіс Саго (весна 1909, Гамбург, Кунстхалле), він приділяє особливу увагу перетворенню форм в геометричні блоки ( "Фабрика в Хорта де Ебро", літо 1909, Санкт-Петербург, Держ. Ермітаж), збільшує і ламає обсяги ( "Портрет Фернанда Олів'є", 1909, Дюссельдорф, Художні збори землі Північний Рейн-Вестфалія), розтинає їх на площини і грані, продовжуються в просторі, що сам він вважає твердим тілом, неминуче обмеженим площиною картини ( "Портрет Канвейлера", 1910, Художній інститут). Перспектива зникає, палітра тяжіє до монохромності, і хоча первинна мета кубізму полягала в тому. щоб більше переконливо, ніж за допомогою традиційних прийомів, відтворити відчуття простору і тяжкості мас, картини Пікассо найчастіше зводяться до незрозумілих ребус. Щоб повернути зв'язок з реальністю, Пікассо і Шлюб вводять у свої картини друкарський штріфт, елементи "обманок" і грубі матеріали -- шпалери, шматки газет, сірникові коробки. Техніка колажу з'єднує межі кубістичні призми у великі площини, розташовані на поверхні і, на перший погляд, майже довільно ( "Гітара і скрипка", 1913, Філадельфія, Музей мистецтва, збори Аренсберга; Санкт-Петербург, Держ. Ермітаж), або передає в спокійній і гумористичній манері відкриття, зроблені в 1910-1913 ( "Портрет дівчини", 1914, Париж, Нац. Музей сучасного мистецтва, Центр Помпіду). Власне кубістичні період у творчості Пікассо закінчується невдовзі після початку Першої світової війни, розділила його з Браком. Хоча у своїх значних творах художник використовує деякі кубістичні прийоми аж до 1921 ( "Три музиканта", 1921, Нью-Йорк, Музей сучасного мистецтва).

Після війни. Повернення до предметної живопису. У 1917 Жан Кокто вмовляє Пікассо поїхати з ним до Риму для виконання декорацій до балету "Парад" на музику Еріка Саті для Сергія Дягілєва. Співпраця Пікассо з Російськими балетами (декорації і костюми для "Треуголка", 1919) воскрешає в ньому інтерес до Декоративізм і повертає його до персонажів своїх ранніх робіт ( "Арлекін", 1913, Париж, Нац. Музей сучасного мистецтва, Центр Помпіду). "Пассеістіческій за задумом", як казав Лев Бакст, завіса для "Параду" відзначає виник ще у 1915 ( "Портрет Воллара", малюнок) повернення до реалістичного мистецтва, до витонченого і ретельному малюнку, часто "енгрістскому", до монументальності форм, навіяну античним мистецтвом ( "Три жінки у джерела", 1921, Нью-Йорк, Музей сучасного мистецтва). Це виражається то з відтінком народної грубуватість ( "Флейта Пана", 1923, Париж, музей Пікассо), то в свого роду буфонади ( "Дві жінки на пляжі", 1922, там же). Ейфорійні і консервативна атмосфера повоєнного Парижа, одруження Пікассо на буржуазної Ользі Хохлової, успіх художника в суспільстві - все це частково пояснює це повернення до фігуративности, тимчасовий і то відносний, оскільки Пікассо продовжує писати в той час яскраво виражені кубістичні натюрморти ( "Мандоліна і гітара", 1924, НьюЙорк, музей Соломона Гуггенхейма). Поряд з циклом велеток і купальниць, картини, натхненні "помпейським" стилем ( "Жінка в білому", 1923, Нью-Йорк, Музей сучасного мистецтва), численні портрети дружини ( "Портрет Ольги", пастель, 1923, приватне зібрання) і сина ( "Поль у костюмі П'єро", Париж, музей Пікассо) являють собою одні з самих привабливих творів, когдалібо написаних художником, навіть при тому, що своєю злегка класичної спрямованістю і пародійністю вони кілька спантеличили авангард того часу. У цих роботах уперше виявляється настрій, який проявився з особливою силою вже пізніше і яке було притаманне багатьом митцям, і зокрема Стравінському, у період між двома війнами: інтерес до стилів минулого, який став культурним "архівом", і незвичайна віртуозність в їх перекладення на сучасну мову.

Контакти з сюрреалізмом. У 1925 починається одна з найбільш складних і нерівних періодів у творчості Пікассо. Після епікурейського витонченості 1920-х ( "Танець", Лондон, гал. Тейт) ми потрапляємо в атмосферу конвульсій і істерії, в ірреальний світ гал ^ люцінацій, що можна пояснити, почасти, впливом поетів-сюрреалістів, впливом безсумнівним і свідомим, що проявився в деяких малюнках, віршах, написаних у 1935, і театральній п'єсі, Ви створили під час війни. Протягом декількох років уяву Пікассо, здавалося, могло створювати тільки монстрів, якихось розірваних на частини істот ( "Сидить Купальниця", 1929, Нью-Йорк, Музей сучасного мистецтва), що репетують ( "Жінка в кріслі", 1929, Париж, музей Пікассо), роздутих до абсурду і безформних ( "Купальниця", малюнок, 1927, приватне зібрання) або втілюють метаморфічні і агресивно-еротичні образи ( "Фігури на березі моря", 1931, Париж, музей Пікассо). Незважаючи на декілька більш спокійних творів, які є в мальовничому плані найбільш значними, стилістично це був досить мінливий період ( "Дівчина перед дзеркалом", 1932, Нью-Йорк, Музей сучасного мистецтва). Жінки залишаються головними жертвами його жорстоких несвідомих примх, можливо, тому, що сам Пікассо погано ладнав зі своєю власною дружиною, або тому, що проста краса Марії-Терези Вальтер, з якою він познайомився у березні 1932, надихала його на відверту чуттєвість ( "Дзеркало", 1932, приватне зібрання). Вона стала також моделлю для кількох безтурботних і величних скульптурних бюстів, виконаних у 1932 в замку Буажелу, який він придбав в 1930. У 1930-1934 саме в скульптурі виражається вся життєва сила Пікассо: бюсти і жіночі ню, в яких іноді помітний вплив Матісса ( "що лежить жінка", 1932), тварини, маленькі фігури в дусі сюрреалізму ( "Чоловік з букетом", 1934) і особливо металеві конструкції, що мають полуабстрактние, напівреальні форми і виконані часом з грубих матеріалів (він створює їх за допомогою свого друга, іспанського скульптора Хуліо Гонсалеса - "Конструкція", 1931). Поряд з цими дивними і гострими формами, гравюри Пікассо до "Метаморфоза" Овідія (1930) і Аристофану (1934) свідчать про сталість його класичного натхнення.

Мінотавр і "Герника". Тема биків виникає у творчості Пікассо, ймовірно, під час його двох поїздок до Іспанії в 1933 і 1934, причому наділяються вони в досить літературні форми: образ Мінотавра, який раз у раз виникає в красивій серії гравюр, виконаних у 1935 ( "Мінотавромахія"). Цей образ смертоносного бика завершує сюрреалістичний період у творчості Пікассо, але в той же час визначає головну тему "Герніки", самого знаменитого його твору, який він пише через кілька тижнів після руйнування німецькою авіацією маленького басского містечка і яке знаменує початок його політичної діяльності (Мадрид, Прадо; до 1981 картина знаходилася в Нью-Йорку, у Музеї сучасного мистецтва). Жах, що охопив Пікассо перед загрозою варварства, навислого над Європою, його страх перед війною і фашизмом, художник не висловив це прямо, але надав своїм картинам тривожну тональність і похмурість ( "Рибна ловля вночі на Антіба", 1939, Нью-Йорк, Музей сучасного мистецтва), сарказм, гіркоту, які не торкнулися тільки лише дитячих портретів ( "Майя і її лялька", 1938, Париж, музей Пікассо). І знову жінки стали головними жертвами цього загального похмурого настрою. Серед них - Дора Маар, з якою художник зблизився в 1936 і красиве обличчя якої він деформував і спотворював гримасами ( "Плаче жінка", 1937, Лондон, колишнє збори Пенроуз). Ніколи ще женоненависництво художника не виражалося з такою запеклістю; увінчані безглуздими капелюхами, особи, зображені в фас і в профіль, дикі, роздроблення, розсічені потім тіла, роздуті до жахливих розмірів, а їх частини з'єднані в бурлескний форми ( "Ранкова серенада", 1942, Париж, Нац. музей сучасного мистецтва, Центр Помпіду). Німецька окупація не могла, зрозуміло, налякати Пікассо, який залишався в Парижі з 1940 по 1944. Вона також анітрохи не послабила його діяльності: портрети, скульптури ( "Людина з агнцем "), убогі натюрморти, які часом з глибоким трагізмом висловлюють всю безвихідність епохи (" Натюрморт з бичачим черепом ", 1942, Дюссельдорф, Художні збори землі Північний РейнВестфалія).

Після звільнення. Картина "Бойня" (1944-1945, Нью-Йорк, Музей сучасного мистецтва) - останній трагічний твір Пікассо. Восени

1944 він публічно заявляє про свій вступ до комуністичної партії, але здається, не переймається її ідеями настільки, щоб виражати їх у своїх великих історичних творах, чого, мабуть, чекали від нього його політичні товариші ( "Різанина в Кореї", 1951, Париж, музей Пікассо). Голуб, який ви бачите на плакаті Всесвітнього конгресу прихильників миру в Парижі (1949), виявився, мабуть, найбільш дієвим проявом політичних переконань художника. Крім того, ця робота сприяла тому, що він став легендарною, всесвітньо відомою особою.

Післявоєнна творчість Пікассо можна назвати щасливим, він зближається з молодою Франсуазою Жило, з якою познайомився в 1945 і яка подарує йому двох дітей, давши таким чином теми його численних сімейних картин, потужних і чарівних. Він їде з Парижа на південь Франції, відкриває для себе радість сонця, пляжу, моря. Він живе в Валлорісе (1948), потім у Каннах (1955), купує в 1958 замок Вовенарг і в 1961 усамітнюється в сільському будинку Нотр-Дам-де-Ви в Мужені. Твори, створені в 1945-1955, дуже середземноморські за духом, характерні своєю атмосферою язичницької ідилії і поверненням античних настроїв, які знаходять своє вираження в картинах і малюнках, створених наприкінці 1946 в залах музею Антіб, що став згодом музеєм Пікассо ( "Радість життя"). Але особливо сильні в цей період відмова від декоративного запалу і пошуки нових виразних засобів. Все це виявилося в численних літографіях (бл. 200 великих листів, листопад

1945 - квітень 1949), плакатах, ксилографія і ліногравюра, кераміки і скульптури. Восени 1947 Пікассо починає працювати на фабриці "Мадура" в Валлорісе; захоплений проблемами ремесла і ручної праці, він сам виконує безліч страв, декоративних тарілок, антропоморфних глечиків і статуеток у вигляді тварин ( "Кентавр", 1958), іноді трохи архаїчних за манерою, але завжди повних чарівності і дотепності. Особливо важливі в той період скульптури ( "Вагітна жінка", 1950). Деякі з них ( "Коза", 1950; "Мавпа з малям", 1952) зроблені з випадкових матеріалів (черево кози виконане зі старого кошика) і відносяться до шедеврів техніки асамбляжі. У 1953 Франсуаза Жило і Пикассо розходяться. Це було для художника початком важкої моральної кризи, що луною віддається в чудовій серії малюнків, виконаних між кінцем 1953 і кінцем зими 1954; в них Пікассо, по-своєму, в спантеличує і іронічній манері, виразив гіркоту старості і свій скептицизм по відношенню до самої живопису. У 1954 він зустрічається з Жаклін Рок, яка в 1958 стане його дружиною і надихне його на серію дуже гарних портретів.

Твори останніх п'ятнадцяти років творчості художника дуже різноманітні і нерівні з якості ( "Майстерня в Каннах", 1956, Париж, музей Пікассо). Можна, однак, виділити іспанська джерело натхнення ( "Портрет художника, в наслідування Ель Греко", 1950, приватне зібрання) і елементи тавромахії (можливо, тому, що Пікассо був пристрасним поклонником популярного на півдні Франції бою биків), Вира?? енние в малюнках і акварелях в дусі Гойї (1959-1968). Почуттям незадоволення власною творчістю відзначена серія інтерпретацій і варіацій на теми знаменитих картин "Дівчата на березі Сени. За Курбе" (1950, Базель, Художній музей); "Алжирські жінки. По Делакруа" (1955); "Меніни. За Веласкесу" (1957); "Сніданок на траві. По Мане" (1960). Ніхто з критиків не зміг дати задовільного пояснення цим дивним, зухвалим композиціям, навіть якщо вони знаходили своє завершення у справді чудовій картині ( "Меніни", 17 серпня 1957, Барселона, музей Пікассо).

Музей Пікассо був відкритий в Барселоні, завдяки самому художникові, який в 1970 підніс у дар місту свої роботи. У 1985 музей Пікассо було відкрито і в Парижі (готель Салі); сюди увійшли роботи, передані спадкоємцями художника, - більше 200 картин, 158 скульптур, колажі і тисячі малюнків, естампів і документів, а також особиста колекція Пікассо. Нові дари спадкоємців (1990) збагатили паризький музей Пікассо, Міський музей сучасного мистецтва в Парижі та кілька провінційних музеїв (картини, малюнки, скульптури, кераміка, гравюри та літографії).