Музика ХХ століття

Реферат А. Ракітіна

Вступ

Розвиток світової музики в ХХ столітті йшло такими швидкими темпами, описати все напрями, течії і відгалуження в одному рефераті не представляється можливим. У астоящем рефераті я вирішив висвітлити розвиток і перебіг тих жанрів, які я вважаю найбільш характерними для цього часового періоду або найбільш близькими для мене особисто. До останніх відноситься в першу чергу радянська музика, тому що вона є у великій мірі відображенням історії мого народу.

Радянська музика першої половини ХХ століття

Мені здається буде об'єктивним показати історію розвитку радянської музики на прикладі творчості декількох найяскравіших композиторів. Для себе я вибрав лише трьох: С.С. Прокоф 'єв, Д. Д. Шостакович та Арам Хачатурян. Зрозуміло, ними не вичерпується список видатних композиторів радянської епохи. Але, мені здається, роботи трьох дуже різних, самобутніх творців досить повно характеризують музичну картину того часу.

С. С. Прокоф'єв

Сергій Сергійович Прокоф'єв народився 23 квітня 1891 року в Сонцовке Катеринославської губернії. Музику він чув у будинку з самого народження. Мати Марія Григорівна грала сонати Бетховена, мазурки і ноктюрни Шопена, п'єси Чайковського. У п'ять з гаком років Сергійко вже написав фортепіанну п'єску під назвою "Індійський галоп ". Незабаром з'явилися й інші твори. Марія Григорівна була і його першою вчителькою музики.

Закінчивши в 1904 році консерваторію, Прокоф'єв багато років виступав як піаніст у Франції, Іспанії, Англії, Америці, Японії, на Кубі і в багатьох європейських країнах. Всюди композитор грав свої твори, а його нові опери та балети виконувалися в різних містах світу. Так, у 1921 році в Чикаго відбулася прем'єра веселою, блискучою опери Прокоф'єва "Любов до трьох апельсинів" (за казкою італійського письменника Карло Гоцци). У тому ж році композитор закінчив третій концерт для фортепіано. Найкращі твори Прокоф'єва тих років були присвячені Батьківщині.

Сюжет балету про будівництві нового життя в Росії, названого "Сталевий скок", виявився наївним, "індустріальним". "Прокоф'єв подорожує нашим країнам, але відмовляється мислити по-нашому ", писали закордонні газети про прем'єру балету, поставленого в Парижі і Лондоні в 1927 році. За кордоном Прокоф'єв зустрічався з багатьма видатними діячами мистецтва (композиторами Равель, Стравінський, Рахманіновим, диригентами Стоковський і Тосканіні, кіноакторів Чарлі Чапліном та багатьма іншими). Але атмосфера гарячкової художнього життя Парижа 20-х років не задовольняла його.

Повернувшись до Росію, Прокоф'єв знову зустрічається зі своїми друзями Мяськовським і Асафьевим. У 1935 році створено балет "Ромео і Джульєтта" (за трагедією Шекспіра). Потрібно відзначити, що до Прокоф'єва великі музиканти, які писали балетну музику, не наважувалися звертатися до Трагедія Шекспіра, вважаючи, що вони занадто складні для балету. Прокоф'єв пише музику не тільки для театру, а й для кіно. Наприклад, "Олександр Невський" (1938), "Іван Грозний "(1945). У творах радянського періоду композитор особливо прагнув до ясності, доступності, простоти. У ці роки написана опера "Семен Котко" (за повістю В. Катаєва "Я син трудового народу "), а також симфонічна казка" Петя і Вовк ".

Головною роботою композитора в роки Великої Вітчизняної війни була грандіозна патріотична опера "Війна і мир". Прокоф'єв і раніше замислювався над тим, щоб втілити в музиці образи великого твору Льва Толстого. Цікаво, що опера "Війна і мир" написана не на умовний віршований текст лібрето, а справжній текст роману. Прокоф'єву важлива була сама інтонація толстовської промови, яку він зумів передати в музиці.

У післявоєнні роки побачили світ такі значні твори композитора: п'ятий симфонія, присвячена "величі людського духу"; перша серія кінофільму "Іван Грозний" - нова спільна робота з Сергієм Ейзенштейном; світлий казковий балет "Попелюшка"; опера "Повість про справжню людину "; балет" Сказ про кам'яну квітку "; сюїта для дітей "Зимове багаття".

Остання закінчений твір Прокоф'єва - Сьома симфонія - було задумано спочатку як симфонія спеціально для дітей, але в процесі роботи набуло більш широке значення - мудрою симфонічної казки, яка стверджує красу і радість життя.

Помер С. С. Прокоф'єв в Москві 5 березня 1953.

Арам Хачатурян

При першому ж звуках поетичного "Вальсу" по "Маскарад" Лермонтова, або танцю з шаблями з балету "Гайана" відразу чувтвуется - це музика Хачатуряна. Відчувається особливий колорит східних мелодій, стрімкість танцювальних ритмів і особлива барвистість оркестру.

У музиці Хачатуряна є одна відмінна риса - імпровізаційність. "Імпровізація допомагає зльоту моєї фантазії, але я завжди пам'ятаю, що фантазію треба приборкати строгою формою. У творі повинен бути задум, ідея. "

Хачатурян почав серйозно займатися музикою, коли йому виповнилося 19 років. Він приїжджає до Москви і вступає в технікум ім. Гнєсіних, в клас віолончельної гри. Там він приступає до серйозних музичним творам. Індивідуальний почерк проявився в його музиці з перших кроків. Навчання він продовжив у Московській консерваторії. Там же створив кілька симфонічних і камерних творів.

Перша симфонія Хачатуряна - дипломна робота після закінчення консерваторії - визнана видатним твором. Вона складається з трьох частин, ліричні теми в ній протиставлені танцювальним. Дуже швидка третя частина походить на національний грузинський танець "лезгинку".

Слідом за Першої симфонією з'являється блискучий по віртуозності фортепіанний концерт з оркестром. Яскравий по національному характеру музики і в той же час близький класичним фортепіанний концерт Чайковського, концерт Хачатуряна широко відомий. Крім камерних і симфонічних творів, композитор ще в 30-х роках пише музику до кінофільмів. У соковитою по фарбах оркестровці Хачатуряна чутний звучання, близькі національним народним інструментам. Своєрідність танцювальних ритмів додає музиці стрімкість, напруженість.

Концерт для скрипки з оркестром (1940) за характером музики близький до фортепіанний концерт композитору. Він присвячений одному з кращих скрипалів того часу - Д. Ф. Ойстраху. Надалі Хачатуряном були створені балети "Гайана" і "Спартак", "Ода пам'яті Леніна" та інші твори. Арам Хачатурян помер в 1978 році.

Д. Д. Шостакович

Перше опублікований твір Шостаковича було написано в 1922 році, у віці 16-и років. Це відомі в наш час "Три фантастичних танцю". У той час Шостакович змушений був підробляти грою на сеансах німого кіно, незважаючи на те, що отримував стипендію в консерваторії. Його дипломна робота -- Перша симфонія - відразу привернула до себе увагу глядачів. З неї почалася широка популярність Шостаковича. У наступні роки створені симфонії, опери "Ніс" та "Леді Макбет Мценського повіту", балети "Золотий век "," Болт "," Світлий струмок ", написана музика до спектаклів і кінофільмів.

Жива думка композитора вперто пробивалася крізь наносне, чуже духу російського мистецтва. Молодий Шостакович з успіхом виступає і як піаніст: виконує не лише свою музику, але й класику.

У 1937 році Шостаковичем створена П'ята симфонія - це підсумок тривалих пошуків свого виразного мови, про неї до кінця в музиці. Відкривається період зрілості композитора.

Успіх приносять Шостаковичу і твори останніх років: Шоста симфонія, квінтет, музика до фільмів "Виборзька сторона", "Великий громадянин", "Людина з рушницею".

Під час війни Шостакович не хоче їхати з блокадного Ленінграда. Він створює Сьому симфонію - "про наших людей, які стають героями, які борються в ім'я торжества над ворогом ... про велич нашого народу ... про нашої прекрасної природі, про гуманізм, про красу ... "Сьома симфонія вперше була виконана в березні 1942 року. Кращі диригенти-Тосканіні, Стоковський та ін -- добивалися права першими її виконати.

Тема суворих військових випробувань звучить і в інших творах Шостаковича тих років - в тріо і Восьмої симфонії. Боротьбу за мир присвятив Шостакович свою Десяту симфонію. У 1954 композитор був удостоєний Міжнародної премії Миру.

Післявоєнне творчість особливо різноманітне. Він дуже багато і продуктивно працює. Їм створені Другий фортепіанний, скрипковий і віолончельні концерти, ораторія "Пісня про ліси", хорові поеми, 24 прелюдії і фуги для фортепіано, романси, музика до кінофільмів.

Подальше творче просування показала Оденнадцатая симфонія Шостаковича "1905-й рік", прозвучала в 1957 році. Це перша програмна симфонія композитора. Всього Шостаковичем було створено 15 симфоній.

Всесвітньо відомий композитор, піаніст, громадський діяч, педагог, що виховав чимало чудових музикантів, Д. Д. Шостакович - один з видатних творців музики ХХ століття.

Становлення класичного джазу.

У наш час, коли людина, озброєна досягненнями науки і техніки, навчився поширювати інформацію по всій земній кулі з легкістю вітру, ганяє листя по галявині, важко кого-небудь здивувати тим, що ідеї тієї чи іншої культури несподівано виявляються в іншому, далекому від неї районі світу. І повсюдне поширення за які-небудь шістдесят - сімдесят років такого унікального явища, як джаз, чи не найбільш вражаючий факт нового часу. У період першої світової війни, коли джаз Нового Орлеана і прилеглої до нього районів ще був народною музикою, кількість джазових музикантів не перевищувало декілька сотень, а число слухачів, в основному представників негритянської бідноти з дельти Міссісіпі, не досягало і п'ятдесяти тисяч. До 1920 року джаз став відомий, іноді у вигляді досить невмілих імітацій, всюди в Сполучених Штатах Америки. Через десять років його стали виконувати і слухати в більшості великих міст Європи. До 1940 році його вже знали в усьому світі, а до 1960 року він був повсюдно визнаний як самостійний музичний жанр, навіть як особливий вид мистецтва.

Джаз ніколи не був популярною музикою. Поза сумнівом, час від часу окремі форми джазу ставали популярними: так було з "джазової" музикою 20-х, із "свінгом" 1935 - 1945 рр.., Так йде справа зі стилем "ритм-ент-блюз" сьогодні (звичайно, популярність у колишньому СРСР ці стилі не мали). У даному випадку буде доречно говорити про так званий "псевдоджазе" - всі перераховані вище напрямки мали якісь невеликі елементи джазу і "видавалися" за справжній джаз, і слухачі, які купували такі платівки, як правило не розбиралися у джазі. Але справжній джаз - той, який самі джазмени вважають своєю музикою, - рідко набуває більш-менш широку популярність.

Джаз надавав і продовжує надавати вплив на всю сучасну музику. "Рок", "фанк" і "соул", естрадна музика, музика кіно і телебачення, значна частина симфонічної та камерної музики запозичили багато елементів джазу. Без перебільшення можна сказати, що саме на фундаменті джазу виросло будівля сучасної поп-музики.

Зрозуміти сутність джазу було завжди нелегко. Коли Луї Армстронга запитали, що таке джаз, він відповів так: "Якщо ви запитуєте, то вам цього ніколи не зрозуміти". Стверджують, що Фетса Уоллер в подібній же ситуації сказав: "Раз ви самі не знаєте, то краще не плуталися під ногами ". Раз вже такі великі музиканти не змогли пояснити, що таке джаз, то й простому смертному це не під силу, і саме тому я не намагаюся у цій роботі розкрити сутність джазу, а ставлю за мету розкрити витоки цього феномена в музиці і його розвиток.

У становленні джазу виділяють три періоди:

1) зародження класичного джазу;

2) зрілий період (ера свінгу);

3) совремеменний джаз: стилі боп і кул-джаз.

Мені здається, що найбільший інтерес являє собою перший період, тобто зародження класичного джазу. Тому тільки його я постараюсь висвітлити в цій роботі.

Африканські коріння

Те, що джаз є дітищем американських негрів, безсумнівно. Ясно, що негри, потрапляючи з Африки до Америки, привозили звідти свої звичаї, традиції. Особливість корінних африканців в тому, що вони постійно відчувають свій зв'язок з громадою, тому звичаї і традиції негра в основному показують, виражають його зв'язок з громадою: він ототожнює себе зі своїм племенем точно так само, як хлопчисько - з коханою спортивної команди: її перемоги і поразки переживаються їм як особисті. Все, що стосується племені, стосується і самого африканця.

Що ж являє собою ця музика? Найбільш загальна характеристика її полягає в тому, що вона невіддільна від рухів людського тіла. Вона нерозривно пов'язана з ударами в долоні, прітоптиваніем і, що особливо важливо, зі співом. Африканська музика - це перш за все музика вокальна. Далеко не всі африканці грають на барабані або на інших інструментах, але будь-африканець співає і як соліст, і в групі, наприклад, під час колективного праці, або бере участь у респонсорном співі. Африканці найчастіше співають в унісон, даний гармонійне спів у них зустрічається рідко.

Зрозуміти, наскільки складний і важкий - принаймні для нас - ритм африканської музики, немузиканту зовсім непросто. Можливо, найкращий спосіб отримати уявлення про ньому - це спробувати рівномірно відбити два удари ногою, а руками за той же час зробити три бавовни. Досвідчений музикант легко впорається з таким завданням; студент музичного навчального закладу теж повинен зуміти зробити це. А тепер, зберігаючи постійна ритм ударів ногою, постарайтеся подвоїти чи потроїти кожен бавовна руками, або чергувати потрійний і подвійний хлопки, або синкопованих. Таке завдання може виявитися важкоздійснюваним навіть для досвідченого професіонала. А африканець робить це з надзвичайною легкістю, причому на тлі не одиничного метричного пульсу, а відразу декількох, частина яких нам здасться зовсім не пов'язаної з іншими. Така гра з використанням "перехресних ритмів" -- основа африканської музики.

Які ж музичні течії та стилі вплинули на становлення джазу? Крім африканської культової музики, яку негри привезли з собою на американську землю (спірічуели, які були невід'ємною частиною негритянських релігійних церемоній, стріт-край - пісні вуличних торговців, Уорк-сонг - пісні, які виконувалися неграми при здійсненні будь-якої монотонної роботи) свій вплив надали блюз і РЕГ-тайм - стилі, які з'явилися на початку 20-х років.

Перші звуки джазу : "Original Dixieland Jazz Band "

широковідома легенда свідчить, що джаз народився в Новому Орлеані, звідки на старих колісних пороходах добрався по Міссісіпі до Мемфіса, Сент-Луїса і нарешті до Чикаго. Обгрунтованість цієї легенди останнім часом ставилася під сумнів поруч істориків джазу, і в наші дні існує думка, що джаз виник у негритянської субкультурі одночасно в різних містах Америки, в першу чергу в Нью-Йорку, Канзас-Сіті, Чикаго і Сент-Луїсі.

Але, можливо, саме переконливе свідчення на користь того, що батьківщина джазу - Новий Орлеан, полягає в характері самого міста. Новий Орлеан не схожий ні на один місто США. Це місто буквально просякнутий музикою і танцями. Веселий, шумний, строкатий, він виділявся серед інших міст своєї музикальністю і тому давав негру більше можливостей для самовираження, ніж будь-який інший місто на Півдні США. З точки зору джазу особливо важливий той факт, що в Новому Орлеані сушествовала унікальна субкультура темношкірих креолів.

У період між 1895 і 1910 роками в Новому Орлеані складається велика група музикантів, грали саму різну музику - блюзи, регтайми, марші, популярні в побуті пісні, попурі на теми з увертюр і оперних арій, власні оригінальні п'єси. Армстронг згодом часто включав у свої імпровізації фрагменти популярних оперних мелодій. Як правило, кольорові креоли не грали блюзи, віддаючи перевагу класичну музику, а негрів, навпаки, вабила музика "груба", насичена рег-ритмами і синкопи, близькими їх рідного фольклору. Ці два напрямки поступово зливалися: марш, регтайм, Уорк-сонг, блюз - європеїзована африканська музика і афріканізірованная європейська музика - все варилося в одному казані. І ось одного разу з цієї мішанини виникла музика, досі невідома, ні на що не схожа, - музика, якої за три наступні десятиліття треба було покинутивулиці Нового Орлеана, розважальні заклади і Танцзали і завоювати весь світ.

26 лютого 1917 року в Нью-Йоркської студії фірми "Victor" записали першу джазову грамплатівку. Значення цієї події в історії джазу переоцінити неможливо. До виходу в світ цієї платівки джаз був скромним відгалуженням музичного фольклору, коло його виконавців обмежувався кількома сотнями негрів і жменькою білих новоорлеанцев, за межами цього міста його чули вкрай рідко. Після виходу платівки "джаз" протягом декількох тижнів приголомшив Америку, а п'ятеро білих музикантів стали знаменитостями. Вони назвали свій оркестр "Original Dixieland Jazz Band".

Багато десятиліття дослідники джазу не можуть приховати невдоволення і роздратування з приводу того, що запис першої джазової платівки належить групі білих музикантів, а не негритянський оркестру.

"Original Dixieland Jazz Band "вважався ансамблем без керівника, але насправді центральною фігурою в ньому був корнетіст Нік де Ла Рокка, який не тільки задавав тон як виконавець, а й керівник всіма справами групи. У наступні роки ансамбль записав близько дюжини платівок і здійснив гастрольну поїздку по Англії. З часом він набувала все більш комерційний характер і в середині 20-х років розпався. У 1936 ансамбль знову спробували відродити, але, оскільки він не мав успіху у публіки, з цієї затії нічого не вийшло.

Поява фонографа і механічного піаніно викликало повальне захоплення музикою, яку широка публіка називала джазом. Насправді більша частина того, що вона слухала, була або звичайною танцювальною музикою, або обробками популярних мелодій з мінімальними елементами джазу. Таку комерційну музику грали як негри, так і білі музиканти. Найвідомішим з них був Пол Уайтмен.

Уайтмен народився в 1890 році, музичну освіту здобув по класу скрипки; грав у симфонічних оркестрах Денвера і Сан-Франциско. У 1919 році він очолив танцювальний оркестр і за два-три роки зробив його найпопулярнішим колективом в США. Коли джазовий бум досяг апогею, він привласнив собі титул "короля джазу". Сам Уайтмен був джазменом, але добре розбирався в цій музиці, і в різний час в його оркестрі грали всі найкращі білі музиканти джазу тих років. Виконується оркестром музика була імпозантної і повнозвучних "сверхдеталізірованная в нотного запису, вона претендувала на "серйозність" і при цьому була майже повністю позбавлена духу джазу. Правда, деяким музикантам оркестру, особливо Бейдербеку, іноді дозволялося грати короткі джазові соло.

Саме цю музику широка біла публіка приймала за джаз. Вона, однак, була не дуже розбірлива, і тому на естраду проникало багато справжнього джазу. Така ситуація дозволила піонерам джазу мати постійну роботу, удосконалювати свою майстерність, брати участь у записах на платівки. Саме завдяки тисячам грамплатівок із записами першокласних музикантів неухильно зростав інтерес до новоорлеанський музиці.

Сідней Беше і Джозеф "Кінг" Олівер

Перші джазмени стали їхати з Нового Орлеана ще на початку 10-х років, але масовий їх від'їзд почався в 1917 році, після закриття Сторівілля (район в Новому Орлеані, де були зосереджені проституція, торгівля алкоголем і наркотиками і тд). Зайнятість музикантів у зв'язку із закриттям Сторівілля (музика в якому була невід'ємною частиною) аж ніяк не зменшилася, тому що більшість оркестрів працювали поза Сторівілля. Таким чином, цей факт був чисто символічний. Музикантів вабили на Північ перш за все економічні міркування, пов'язані зі зростанням негритянських гетто у великих містах північних штатів. Так чи інакше, більшість провідних новоорлеанський джазменів покинуло своє рідне місто. Двоє з них пізніше залишили помітний слід в історії джазу. Мова йде про Джозефа "Кінга" Олівера і Сіднеї Беше.

Сідней Беше був для джазу фігурою нетиповою. Як правило, справжній джазовий музикант - це "Колективіст", така специфіка джазового мистецтва. А Беше був самотнім мандрівником. Він з легкістю переїжджав з Нового Орлеана в Чикаго, з Чикаго в Нью-Йорк, з Нью-Йорка до Лондона, з Лондона до Парижа, а потім знову повертався в Новий Орлеан. Йому було байдуже, де грати.

Сіднея Беше відрізняло вічне прагнення бути першим; в будь-якій музичній ситуації він завжди хотів бути в центрі уваги, і як правило, йому це вдавалося. Навряд чи це могло привернути до нього колег-музикантів. Прискіпливий і вимогливий, несамовитий і життя, і в мистецтві, він був одним з найяскравіших виконавців у історії джазу. Дюк Еллінгтон, палко любив Беше, вважав його "самим унікальною людиною в джазі ". У своїй оцінці Еллінгтон не самотній: вплив Беше на музикантів раннього джазу було величезним.

Одного разу в Лондоні він випадково побачив інструмент, на якому йому ще не доводилося грати, - сопрано-саксофон. В 20-х роках саксофон все ще був новинкою і джазмени тільки починали його освоювати. Швидко освоївши його, Беше став першим відомим саксофоністом джазу. Він грав на саксофоні все частіше і частіше (періодично повертаючись до гри на кларнеті), а потім повністю перейшов на цей полюбився йому інструмент.

Беше повернувся в США на початку 20-х років, і два наступні десятиліття він працював в основному тут. У 1929 році він, правда, гастролював у Парижі, а в 30-х роках - в Німеччині та Росії, але це були нетривалі поїздки. У 1949 році він остаточно оселився в Парижі. Французи, які добре знали музиканта, взяли його з розкритими обіймами -- адже в жилах текла Беше французька кров. Помер Беше у Франції в 1959 році, оточений пошаною і славою.

Важко переоцінити вплив Беше на джаз. Ніхто не міг зрівнятися з ним у грі на сопрано-саксофоні, та й рідко хто намагався копіювати його стиль. Протягом 20-х, 30-х і навіть на початку 40-х багато джазмени випробовували на собі його вплив. Джонні Ходжес - великий альт-саксофоніст оркестру Дюка Еллінгтона і один з провідних саксофоністів світу - сформувався як музикант, вивчаючи Беше; судячи по тому, як швидко зростала майстерність Армстронга (1923-1926), він, мабуть, теж перейняв деякі прийоми джазової фразуванням у свого новоорлеанського колеги. Будучи одним з родоначальників джазу, Беше залишив чудові зразки цієї музики.

Приблизно в той же час, що і Беше, покинув Новий Орлеан інший музикант, який за силою впливу на джаз міг зрівнятися тільки з Беше. Це був один з плеяди новоорлеанський королів корнета, звали його Джозеф Олівер. Він був природженим лідером, повною протилежністю Беше.

Олівер був з тих, хто швидко входив у контакт зі своїм професійним окруженіем.Он добре знав, що і як повинен грати оркестр, умів знайти підхід до кожного музиканту і змусити його виконати намічене.

У 1922 році Олівер зібрав групу під назвою "King Oliver's Creole Jazz Band". Крім Олівера, до складу групи входили кларнетист Джонні Доддс, його брат, барабанщик Уоррен "Бебі" Додс, тромбоніст Оноре Дютру, піаністка Лил Хардін і контрабасист Білл Джонсон. За незрозумілих причин Олівер вирішив ввести в оркестр другу корнет. Чи то йому не хотілося грати самому, чи то він втомлювався до кінця вечора, а може Можливо, йому просто подобалося поєднання двох корнетів - як би там не було, але він запросив у свою групу двадцятидвохрічного Луї Армстронга. Спочатку група виступала в кабаре "Лінкольн Гарденс", а в 1923 році оркестр приступив до запису серії грамплатівок, яким призначено було залишити значний слід в історії джазу.

Джазові музиканти багато чим зобов'язані Олівера, але його слава була недовгою. У 1928 році у нього погіршилися стосунки з музикантами оркестру, а в 1930 році він втратив роботу і залишився без засобів до існування. Джозеф "Кінг" Олівер помер у злиднях 8 квітня 1938.

Але врешті -решт життя віддала належне Олівера. Сьогодні його платівки відомі у всьому світі, особливо в Європі, де його пам'ятають краще, ніж у США. Новоорлеанський стиль, найвидатнішим представником якого був Олівер, ліг в основу так званого традиційного (traditional) джазу, одного з найпопулярніших джазових течій. "King Oliver's Creole Jazz Band" була перший джазової групою, яка систематично записувалася на платівки. Коли пройшла мода на "Original Dixieland Jazz Band", ті, хто всерйоз цікавилися цією музикою, зрозуміли, що справжнє мистецтво пов'язано саме з оркестром Олівера.

Джеллі Ролл Мортон

У світі джазу, де ексцентричність характеру є нормою, а яскрава індивідуальність -- неодмінна умова, Фердинанд "Джеллі Ролл" Мортон все-таки фігура виняткова. Енергійний ділок, власник нічних клубів, антрепренер, марнотратник життя - Джеллі заслуговував би уваги, навіть якщо б не зіграв за все своє життя жодного такту музики. Він був самолюбний, пихатий, зарозумілий, хвастлів, підозрілий, забобонний - але перш за все він був талановитий. Мортон доводив, що саме він придумав "справжній джаз", і не переставав метати громи і блискавки в наслідувачів і тих, кого він вважав нижче себе по музичному хисту.

Близько 1923 року, коли Мортон переїхав до Чикаго (де сильно зріс попит на виконавців гарячої музики і в негритянського гетто, і в клубах для білих), він був уже професійним музикантом високого класу. На цей час припадає перше публікація його пісень та оркестрових аранжувань, трохи пізніше він почав записуватися на платівки як соло, так і з різними ансамблями, очолюваними ім. З 1923 по 1939 він записав близько 175 пластинок і масу роликів для механічного фортепіано. Якщо не вважати фортепіанних соло, майже завжди відрізняються дуже високим рівнем гри, славу Мортону принесли записи 1926-1930 років, зроблені головним чином з групою "Jelly Roll Morton and His Red Hot Peppers". Таким чином, Джеллі став одним з найвідоміших джазових музикантів тих років, і сталося це завдяки записам, оскільки в першу чергу вони принесли йому успіх у публіки і повагу колег, на яке він так розраховував. Отже, у 1923 році Мортон разом з Беше і Олівером був в авангарді джазу.

Джеллі відрізняло надзвичайно серйозне ставлення до того, що він записував зі своїми оркестрами. Аранжування ретельно продумувалися і усередині репетирувалися. Оркестранти грали точно, їх інтонування було краще, ніж у більшості інших джазових виконавців, чиї записи збереглися. Записи Мортона чудові і в технічному відношенні: вони без перешкод і з гарним балансом звуку. Музиканти, з якими вважав за краще працювати Джеллі, були не самими винахідливими імпровізатором, але зате відрізнялися добротної професійною підготовкою; вони грали чисто, завжди строго витримували мелодійну лінію. Тому платівки мали успіх і у самих строгих цінителів музики, і у широкої публіки.

Але, на жаль, у 1928 році починається Велика депресія, і грамофон індустрію вражає криза: у 1932 році загальна кількість проданих платівок впало до 5 мільйонів, що становило лише 6% за аналогічний показник 1927 року. Мортон, як і Олівер, несподівано опинився старомодним, і, починаючи з 1929 року, його зірка неухильно стала котитися вниз.

Як би там не було, на початку 30-х років Мортон залишився не при справах, та й здоров'я залишало бажати кращого. Він помер 10 липня 1941 року в Лос-Анджелесі, і в останню путь його, як і Кінга Олівера, проводжала лише жменька музикантів і шанувальників.

Луї Армстронг - Перший геній

Звичайно ж, характеризуючи цей період джазу, не можна не сказати про Луї Армстронга, перший генії у джазі. Якщо слово "геній" і означає щось у джазі, то воно означає Армстронг, його творчість вище будь-якого аналізу. Рядовий художник лише виявляє існуючі зв'язки; великий ж художник створює нові, дивовижні комбінації, показуючи нам можливості гармонійного з'єднання, здавалося б, різнорідних елементів. В житті і в характері рядового художника завжди можна виявити, звідки він черпав свої ідеї; зустрічаючись з генієм, ми часто не в стані зрозуміти, як він прийшов до настільки вражаючим відкриттям. Почуття мелодії у Армстронга було винятковим, і навряд чи хто може пояснити, як зародився у нього цей дар і в чому полягала його магічний вплив.

Армстронг почав грати на корнет досить пізно - в чотирнадцять років. Не знаючи нот, за які-небудь кілька місяців він так опанував інструментм, що зміг очолити групу шкільних музикантів. Чотири роки тому він вже був корнетістом в провідному джаз-бенді Нового Орлеана. Ще через чотири роки був визнаний кращим джазменом свого часу, але ж йому тоді ще не було й двадцяти трьох років. До двадцяти восьми років він вже зробив серію записів, які не тільки рішучим чином вплинули на розвиток джазу, а й увійшли в історію американської музики. Звичайно, джаз - це мистецтво молодих. Бейдербека не стало в двадцять вісім років; Чарлі Паркер пішов з життя у тридцять чотири. Все найкраще було створено Лестером Янгом до тридцяти років, а Біллі Холідей - до двадцяти п'яти. І все ж той факт, що Армстронг у двадцять з невеликим років перевершив джазових музикантів свого покоління, говорить про здібності великих, ніж звичайний талант.

Дитинство Армстронга, як і інших піонерів джазу, пройшло в атмосфері музики - регтайм, танців, маршів і т.д. Звичайно, у Луї не було цього музичного інструменту, але в квартеті подібних йому хлопчаків він співав за гроши на вулицях. Постійна зміна складу квартету змушувала хлопців співати партії різних голосів, що, безсумнівно, вплинуло на подальше становлення Армстронга як музиканта.

У 14 років Армстронг потрапив в колонію для кольорових за те, що під Новий рік вистрілив в повітря з пістолета. Там він потрапив до місцевого оркестр. Невідомо, яку музику грав той оркестр і чи знали його маленькі музиканти ноти. Вважається, що Армстронг не вмів читати з аркуша. І коли він говорив, що партія альтгорн йому "Вдавалася дуже добре", він мав на увазі свою здатність вести на слух гармонійну лінію виконується мелодії. Важливою особливістю генія Армстронга було тонке відчуття гармонії, у той час як багато джазмени слабо орієнтувалися в теорії музики. Будь-який професійний музикант напевно зміг би зіграти все те, що зіграв Армстронг в оркестрі "Уейфс Хоум", вся різниця лише в тому, що в той час йому було лише чотирнадцять років і він не мав ніякого музичної освіти.

Через 3 роки батько забрав Луї з колонії. Його майстерність музиканта стрімко зростала. Він організував з друзями маленький оркестр, який грав у дешевих барах і на вечірках. В цей же час Армстронг почав з'являтися в кабаре, де виступав оркестр під керуванням Кида Орі, у складі якого грав корнетіст Джо Олівер. Подібно іншим музикантам старшого покоління, Олівер перейнявся розташуванням до Армстронгу і навчив його деяким професійним прийомам. Реальним результатом їхнього спілкування було те, що час від часу Олівер посилав Армстронга грати замість себе в оркестрі Орі. Коли ж Олівер в 1918 році виїхав на північ, у Чикаго, Орі взяв Армстронга на його місце. Джаз-оркестр Орі вважався одним з кращих в Новому Орлеані, і в свої вісімнадцять років Армстронг став у ньому провідним корнетістом.

На початку 1924 Армстронг року одружився з Ліліан Хардін, піаністки з оркестру Олівера. У неї мала класичну музичну освіту, але в джазі вона не досягла успіху, хоча і розбиралася в ньому досить добре. Ліліан вирішила зробити зі свого чоловіка зірку джазу. Вона допомогла йому освоїти читання нот з листа, переконала залишити оркестр Олівера і перейти працювати в кафе "Дрімленді". Приблизно в той же час Флетчер Хендерсон запропонував Армстронгу роботу в своєму оркестрі. У 1924 році оркестр Хендерсона не був джазовим в повному розумінні цього слова, скоріше він був комерційним: грав під час танців і шоу, акомпанував співакам під час запису. Хендерсон, найбільший в історії джазу першовідкривач талантів, хотів мати у своєму оркестрі соліста, який міг би зіграти яскраво й ефектно - що дуже подобалося слухачам того часу. Армстронг прийняв запрошення і працював з оркестром протягом року. Він записав з ним ряд сольних партій, серед яких придбала запис "Sugar Foot Stomp". Будучи з Хендерсоном в Нью-Йорку, Армстронг зробив ряд грамзаписів на свій страх і ризик: акомпанував співакам блюзів, записувався з групами Кларенса Вільямса, у тому числі з групою "Red Onion Jazz Babies ", де грав Сідней Беше.

12 листопада 1925 року в студії "Okeh" Армстронг зробив перший запис із серії грамплатівок, відомої під назвою "Hot Five" і "Hot Seven". Ці записи, які стали важливими віхами в історії джазу, викликав?? невимовне захоплення музикантів і любителів у Сполучених Штатах і в Європі і змінили сам напрямок розвитку цього виду мистецтва. У 1925-1928 роках платівки "Hot Five" і "Hot Seven" були записані з випадковими складами. У ті ж роки Армстронг вирішив розлучитися з корнетом і перейти на трубу. Різниця між цими інструментами незначна, порівняно з трубою корнет дає більш м'який, але недостатньо яскравий тон.

У 1929 році Армстронг переїхав з Чикаго в Нью-Йорк. У наступні сімнадцять років він мав бути головним солістом великого оркестру. Тепер він уже був не просто джазменом з Нового Орлеана, а провідним представником нового виду мистецтва, добре відомим і шанованим у всьому світі. Відтепер його життя було повністю віддана джазу. Як будь-який популярний музикант, він багато гастролює. Його енергія вражала всіх, хто його знав. Під час депресії, коли багатьом музикантам було важко знайти хоч яку-небудь роботу, Армстронг міг мати - і мав - контракти на виступи 365 раз на рік.

За двадцять років (після першого запису серії "Hot Five") він зіграв неймовірно багато джазових п'єс. Більша частина оркестрів, з якими він виступав, становила лише фон для його гри і співу, і часто, окрім нього, в оркестрі не було іншого скільки-небудь помітного соліста. Зазвичай трубач може виконати за вечір одне-два великих соло, Армстронг ж виступав практично в кожному номері. Його щелепи, висловлюючись музичною мовою, стали "залізними". Крім чисто фізичної витривалості, настільки часте сольного виконання на публіці дозволяло йому рости в професійному відношенні: він міг експериментувати, міг ризикувати. Втім, невдачі не мали значення, тому що в наступному номері він міг зіграти інакше. Виконання складних технічних прийомів, опанувати якими так прагнули інші музиканти, стало для Армстронга природним, оскільки він часто повторював їх перед публікою.

У 1933 році, розчарований і втомлений, Армстронг відправився в тривалу гастрольну поїздку по Європі. Захоплений прийом, наданий йому в різних європейських країнах, справив на нього благотворний вплив. Це видно й по записах, які він відновив у 1935 році. Приблизно в той же час він доручив вести свої справи Джо Глейзера, минулого антепренеру і власнику нічного клубу. Армстронг раніше працював з ним у Чикаго. Цього разу вибір виявився вдалим. Глейзер залишив власні справи і впритул зайнявся кар'єрою Армстронга, самостійно приймаючи рішення по великим і дрібним питань. Луї був радий передоручити йому це - тепер весь свій час він міг віддавати музиці. Період з 1935 року до початку війни був вельми плідним для Армстронга: він зробив багато записів, знявся в десятках фільмів, розбагатів.

Епоха біг-бендів тривала до 1946 року, коли раптом ера свінгу стрімко обірвалася. Армстронг повернувся до невеликих п'єс типу диксиленд, став значно більше співати. Тепер він був більш популярний як співак. Після 1950 року Армстронг-трубач навряд чи міг сказати світові щось нове: він вже сказав в